目录

西方美术史





原始美术



旧石器时代


  • 洞窟壁画:

是旧石器时代最杰出的绘画作品,发现于法国西南部和西班牙西北部的坎特布里亚地区,内容以表现动物为主。

  • 法国拉斯科洞窟:1940年发现,全洞由主厅、后厅、边厅以及连接的洞道组成,主厅中有一幅长达5米的大公牛,画家用粗壮而简练的黑线勾画轮廓。
  • 西班牙阿尔塔米拉洞窟:发现于19世纪下半叶,包括主洞、侧洞,壁画作品主要集中在侧洞,即“公牛大厅”,其中最为突出的是长达2米的《受伤的野牛》
  • 母神雕像:

迄今为止发现的旧石器时代雕刻多为小型动物雕刻,但在欧洲出土了一大批圆雕和浮雕女性裸体,著名的有维也纳出土的《威伦道夫的维纳斯》、乌克兰出土的《乌克兰母神像》。法国南部出土的《持角杯的维纳斯》等。

  • 《威伦道夫的维纳斯》:夸张女性生理特征,体现生殖崇拜。

中石器时代


  • 岩画:

人类活动开始成为绘画描绘的主要对象

  • 北欧岩画:写实风格属于渔猎部落人的作品,抽象风格属于农牧民的作品。
  • 拉文特岩画:表现人类活动的情节性绘画

新石器时代


  • 巨石建筑:

即斯通亨治。宗教性纪念物,包括石柱,石台,石栏等形式,其以雄伟的环形结构、宗教的庄严和悲剧性的壮美而引人注目。



古代两河流域美术



两河流域,即幼发拉底河、底格里斯河之间,也称之为美索不达米亚,人类文明最早的发祥地。公元前3500年,苏美尔人迁居此地,建立了最早的城市。这一地区的历史可大致分为四个时期:苏美尔-阿卡德时期古巴比伦时期亚述时期新巴比伦时期


苏美尔-阿卡德


苏美尔人是两河流域最古老的居民之一,但并苏美尔人没有形成统一国家,而是形成了很多城邦。苏美尔-阿卡德时期,自然崇拜的多神教在社会生活中起主要作用,也对艺术产生了深刻影响。

建筑

  • 砖坯:最早使用粘土制成的砖坯。
  • 马赛克:建筑上镶嵌碎陶片,世界上最早的马赛克。
  • 塔庙:这种建筑被称为济古拉斯,比埃及最早的金字塔早了几个世纪。

雕刻

男女神像为主,注重表现人物内在精神,身体造型程式化,倾向于圆锥形或圆筒形,着重刻画头部和眼睛。大多用于宗教目的。

  • 《苏美尔人立像》:出土于阿布神庙,共计13尊,身体呈圆柱状,双手捧于胸前,姿势虔诚,面部表情平静安详,眼睛睁得很大,流露出纯真、朴实、专注的神情。
  • 《纳拉姆辛浮雕石板》:以写实手法表现纳拉姆辛王率军征服部落的历史画面。对角线构图,表现了军队翻山越岭的远征。

绘画

代表作《乌尔的旗标》。

  • 《乌尔的旗标》:苏美尔绘画代表作,乌尔王陵出土的镶嵌画,在涂满沥青的木箱上用贝壳、天青石碎石、粉红色石灰石镶嵌成。分层叙事构图,情节是乌尔王室发动战争、征服异族、庆祝胜利、缴获战利品的情节。侧面人物的上半身和眼睛以正面描绘,侧身站着的人和物双脚朝着同一个方向。类似古埃及以及墓室壁画的画法,具有装饰性。

工艺美术

苏美尔人的工艺美术是古代东方美术精华,代表作《公山羊与圣树》、《金牛头竖琴》。

  • 《金牛头竖琴》:乌尔王陵出土,琴架顶部以公牛头装饰,用天青石和金箔制成,公牛神态十分生动。琴身用黄杨木制成,正面在沥青上用贝壳镶嵌人和动物,特点是动物的拟人化。

巴比伦美术


约前1984年,闪米特人的一支阿摩利人在巴比伦建立了巴比伦第一王朝,史称古巴比伦王国,巴比伦人在文化上继承了苏美尔阿卡德人的传统。

  • 《汉谟拉比法典石碑》:法典刻在磨光的玄武岩石碑上,上部为浮雕,下部为楔形文字,刻画了太阳神向汉谟拉比授予法典的场面,充满肃穆的宗教气息,古代第一部成文法典,是研究考证古巴比伦社会的珍贵资料,体现了君权神授的观点。

亚述美术


亚述艺术为王权服务,为世俗生活服务,具有很强的现实性,代表作有《猎狮图》《人首翼牛神兽》《垂死的母狮》等。

  • 《垂死的母狮》:生动刻画了狮子受伤后咆哮挣扎的形象,具有悲剧性的崇高

新巴比伦美术


新巴比伦在尼布甲尼撒统治时期极为繁荣,著名建筑代表巴比伦城,城内有空中花园,其正门是伊士塔尔门

  • 《伊士塔尔门》:彩色琉璃砖装饰,巴比伦城中保存最为完整的古建筑,两道拱门,四座望楼,墙体覆盖彩釉砖,深蓝色背景下镶嵌着橙黄色的狮子、公牛等神兽浮雕。


古埃及美术



古埃及是人类文明的发祥地之一,公元前5000年左右,埃及社会出现了阶级的萌芽,公元前4000年前后出现了奴隶制国家,公元前3100年,上埃及国王美尼斯征服下埃及,建立了统一的专制王朝。国王被尊为法老,既是人间的君主,又是太阳之子,利用宗教的神秘力量统治国家。此后,埃及经历了古王国中王国新王国三个统一时期。

  • 古埃及美术的特点:
  1. 埃及艺术是为法老和少数贵族服务的,它的作用是歌颂王权,巩固奴隶主国家政权,强调等级制度。作品规模宏伟、程式化,最典型的是“正面律”。
  2. 宗教对埃及艺术产生了重要的影响,艺术为死者服务,“来世的艺术”。
  3. 三千年稳定不变,总的来说壮丽宏伟,明确稳定,有严格的规范,又有写实基础上的美化。造成这种局面的根本原因是地理上的封闭性。

古王国美术


建筑

  • 金字塔:

是古王国法老的陵墓,初期是被称为马斯塔巴的长方形石头建筑,后来发展为梯形金字塔,其中最著名的是萨卡拉金字塔。古王国盛期演变为方锥形金字塔,代表有吉萨金字塔群,其中最大的是胡夫金字塔

  • 胡夫金字塔:是吉萨金字塔群中最大的一座,高146.6米,个边长233米,正对东南西北四方,由230万块2.5吨重的巨石垒成。石缝间没有任何粘合物,却非常严密。金字塔内部有入口、走廊和通气管道,中间放有木乃伊。

雕刻

  • 雕刻程式:
  1. 姿势直立,双臂紧靠躯体,正面直对观众。
  2. 根据人物尊卑决定比例大小。
  3. 着重刻画头部。
  4. 面部轮廓写实,也有理想化修饰。
  5. 雕像着色,眼睛瞄黑,有的眼睛用水晶、石英等材料镶嵌
  • 《狮身人面像》:位于哈夫拉金字塔前,埃及最大最古老的室外雕刻巨像。身长57米,面部为5米,一只耳朵就有2米,是按照哈夫拉的形象塑造面部的。雕像头戴方巾,雕像前额有一条圣蛇,双眼直视前方,以一种藐视一切的雄姿匍匐在金字塔附近。由于岁月久远,显示出一种朦胧的神秘感和奇异莫测的神情。
  • 《拉荷切赫普王子与其妻坐像》:线条柔和舒展,在严格的程式之下表现出生动之处。
  • 纳米尔石板:记载了第一王朝创始人纳米尔统一埃及的历史。纳米尔头戴王冠,手握权杖,抓住跪地投降的敌人,右上角一只鹰站在纸草上面,象征上埃及对下埃及的征服。纳米尔的身后有一个仆人为他提鞋,他的脚下是两个落水的敌人。
  • 浮雕、壁画程式:
  1. 正面律:人物头部、腰部以下为正侧面,眼睛、肩为正面。
  2. 横带状排列结构。
  3. 人物尊卑决定大小位置
  4. 画面充实,无留白
  5. 色彩程式:男子皮肤为褐色,女子浅褐色和淡黄色,头发蓝黑色,眼睛黑色

中王国美术


中王国时期中央集权统治崩溃,政治以及自然环境不再适合建造金字塔。陵墓形式变成石窟陵墓,陵墓外环境为依山而建的梯形享殿,享殿入口两侧有方尖碑

  • 方尖碑:

太阳光芒的象征,主体正方形,顶端尖锥形,刻有法老的名讳、封号。其中法老谢努塞尔特一世的方尖碑最为出名。


新王国美术


政权巩固,经济繁荣,尤其是第十八王朝法老阿蒙赫特普四世进行了宗教改革,主张崇拜太阳神阿顿,自命为埃赫纳顿,一度摆脱了传统程式的束缚。

建筑

  • 卡纳克神庙:拥有世界最大的圆柱厅。
  • 阿布辛姆贝勒神庙:建于拉美西斯二世时期,正面有四尊与山体相连的拉美西斯二世像,王权神化的集中体现。

雕刻

  • 《埃赫纳顿像》:埃及第一尊并不俊美的王者像,哲学家的精神气质和神经质。
  • 《纳菲尔提提王后像》:埃赫纳顿之妻,一尊着色石灰岩头像,埃及历史上最美的作品之一,夸张表现的长脖子,典雅端庄的东方女性形象。


爱琴美术



在创造希腊古典文明的主要民族多利安人和爱奥尼亚人到达希腊本土之前,爱琴海地区曾经存在过氏族社会到奴隶社会初期的国家,在历史上,这一文化被称之为“爱琴文明”或“克里特-迈锡尼文明”。克里特文化是爱琴文明的源头,迈锡尼文化是克里特文化的继承,而季克拉基斯群岛则是希腊文明最早的起源地。


季克拉基斯美术


主要是小型人像,被概括成抽象几何体。被称为“几何纹样时代”的艺术。


克里特美术


克里特美术主要集中于米洛斯宫。

  • 米洛斯宫:是一个复杂庞大的建筑群,被称为“迷宫”。米洛丝宫还出土了一些具有写实和装饰技巧相结合的小型雕像,代表《玩蛇女郎》。

迈锡尼美术


迈锡尼人建造的城市,显示出军事防御的目的,迈锡尼卫城有一座狮子之门

  • 狮子之门:三角形大石版上刻着一根柱子,两旁一对狮子相拥而立,西方最早的纪念碑装饰雕塑。


古希腊美术



古希腊是欧洲文化的发源地,古希腊人在科学、哲学、文学和艺术上创造了辉煌的成就,对欧洲文明化的发展产生了深远影响。古希腊美术通常分为荷马时期、古风时期、古典时期和希腊化时期。

  • 古希腊美术产生的条件:
  1. 地中海“迷人的气候”下生活生活的人们具有强烈的美感意识
  2. 城邦国家开明的民主政体为文化艺术的发展提供了有利条件
  3. 城邦国家要求公民具有健壮的体格和完美的心灵,这种审美标准是古代世界理想美的典范
  4. 希腊神话是希腊艺术的土壤
  5. 开明的宗教观,“神人同形同性”
  6. 发达的古典哲学和自然科学,注重“数”的比例
  7. 盛产色美质坚的大理石

荷马时期


是希腊神话形成期和造型艺术的萌芽期,出现了几何纹风格的陶瓶,被称为“几何风格时期”。


古风时期


是希拉造型艺术的形成和发展时期。

瓶画

  • 瓶画:
  • 东方风格:

受古埃及、两河流域的影响而成。

  • 黑绘风格:

主体人物黑色,代表《阿喀琉斯与埃阿斯玩骰子》。

  • 红绘风格:

主体人物红色,流星于古典时期。

建筑

  • 柱式:
  • 希腊神庙的典型形式——围柱式,经典的古希腊柱式有三种:
  • 多里亚式:

没有柱基,粗壮,由下往上逐渐缩小,中间略为鼓出,类似人的肌肉在负重,柱头简单,由方形柱冠和圆盘组成,没有任何装饰,柱身刻有垂直、平行的浅凹糟。古罗马建筑师认为多里亚式柱式是对刚强的男人体的模仿。

  • 爱奥尼亚式:

柱式轻巧、纤细、柔美。有柱基,柱身细长,上下变化不大,柱身凹糟更细密、更深。柱头带涡形卷,感觉匀称轻快。古罗马建筑师认为爱奥尼亚柱式是对柔美的女人体的模仿。

  • 科林斯式:

由爱奥尼亚式演变而来,柱头更加华丽,像一个花篮,更加华丽、轻巧,体现了少女窈窕的胴体之美。主要流行于小亚细亚地区。

雕塑

古风时期开始出现大型圆雕,但雕像仍处于正面的呆板、僵硬阶段。为了追求生动表情而产生了千篇一律的“古风的微笑”,健美男人体被称为“阿波罗”,代表作《荷犊者》、《受伤的战士》等。


古典时期


古希腊艺术的繁荣期,艺术各门类都取得了巨大的成就,其中尤以建筑和雕刻对后世影响深远。

建筑

  • 雅典卫城:

重建于古典时期,为了纪念希波战争的胜利而建,,耸立于150米高的山上,既是防御外敌的城堡,也是神庙的所在地。各建筑顺应山崖的不规则地形分布在山顶,它包括山门、巴特农神庙、尼开神庙、伊克瑞翁神庙等,其主要的建筑是献给雅典娜女神的巴特农神庙

  • 巴特农神庙:典型的长方形围柱式建筑群,神庙建在一个长约70米,宽约30米的三级台基上,人字形坡顶,柱子采用多里亚式,东西三角门楣有高浮雕装饰,檐壁采用了浮雕饰带,它结构匀称、比例合理,有丰富的韵律感和节奏感。建筑结构和装饰因素、纪念性和装饰性、内容和形式取得了高度统一,是世界历史上最完美的建筑典范之一。

雕塑

古典时期产生了写实而理想的人体,达到了希腊艺术的鼎盛时期。出现了一大批优秀的雕刻家。这一时期希腊雕刻形成了理想化的脸型:

  1. 椭圆形的脸
  2. 直鼻梁
  3. 平展的额头
  4. 端正的弧形眉,扁桃形的眼睛
  5. 嘴唇微微鼓起,下嘴唇比上嘴唇丰满,嘴角微微下垂
  6. 发髻刻成有组织的波纹
  7. 人物表情宁静而严肃
  • 古典时期雕塑家:
  • 皮弗格拉斯:

古典初期雕刻家。

  • 米隆:

代表作《掷铁饼者》,解决了人体重量落在一只脚上的重心问题,改变了雕刻中直立的程式。

  • 菲狄亚斯:

古典盛期最伟大的雕刻家,崇高风格,设计了雅典卫城的建筑,创作了雅典卫城的大量雕刻和浮雕。作品创造了典雅、肃穆的形象,是古典雕刻的理想美的典范。代表作《命运三女神》

  • 波留克列特斯:

《法则》,提出头与人体1:7的比例。

  • 普拉克西特列斯:

优美抒情风格,第一个完整制作女性裸体雕像,宁静、柔美、抒情。代表作《赫尔墨斯与小酒神》、《尼多斯的阿弗洛狄特》

  • 留西波斯:

崇高风格,提出了头与人体1;8的比例,他的人物既有强壮的体魄,又有复杂的感情和充满矛盾的内心世界。


希腊化时期


马其顿国王亚历山大征服希腊各城邦,希腊文化向外传播并与东方文化交融。

  • 《米洛斯的阿弗洛狄特》:亚历山德罗斯创作于公元前150年左右,现藏于卢浮宫。表现女性人体美,希腊女性雕像中最美的一尊。具有古典的理想美,融合了希腊古典雕刻中优美和崇高两种风格,既有菲狄亚斯的庄严崇高,又有普拉克西特列斯的优美抒情。
  • 《拉奥孔》:属于悲怆风格,出土于罗德岛,对外在气氛和戏剧性效果的追求胜过了心灵活动的揭示。


古罗马美术



公元1世纪,古罗马吞并古希腊,从此,古代世界文化中心由古希腊转移到古罗马。罗马的历史经历了氏族部落时代、共和时代和帝政时代。帝政时代的罗马成为了横跨欧亚非三大洲的大帝国。古罗马的艺术受古希腊影响很深,但由于不同的社会环境和民族特点,古罗马艺术也有其独特之处。

  • 希腊美术与罗马美术的区别:
  1. 古罗马人虽然征服了希腊,但在文化上却被古希腊反征服,罗马人是希腊艺术的崇拜者和模仿者
  2. 罗马艺术没有希腊艺术那样的浪漫、幻想的成分,而是具有写实和叙事的特征
  3. 罗马艺术没有希腊艺术那样单纯,它渊源复杂
  4. 罗马艺术用于给帝王歌功颂德,满足贵族的奢侈生活,希腊艺术用于敬神
  5. 在雕塑上,希腊人创造了古代世界最伟大的雕塑,强调共性的民族精神。但罗马人在肖像雕刻上是独树一帜的,要求个性鲜明
  6. 在建筑上,罗马人取得了独特的成就,技术上首先运用了三合土,结构上广泛采用拱券。在类型上,除了希腊的神庙和剧院建筑外,罗马人还新增了各类实用性建筑,为西方建筑艺术奠定了基础。
  7. 总体而言,希腊艺术是理想主义的、简朴的、强调共性的、典雅精致的;而罗马艺术是实用的、享乐的、强调个性的、宏伟壮丽的。

建筑

古罗马建筑学家维特鲁威提出建筑的三大原则:“坚固、实用、美观”。古罗马建筑最突出的成就是市政工程。他们还采用了伊特鲁里亚人的拱券

  • 万神殿:

拱券建筑中的杰出代表,初建于公元前27年,是一座希腊围柱式的长方形建筑。公元2世纪,哈德良皇帝在原神庙的基础上彻底改建万神殿,把它建成罗马特有的穹窿顶圆形神殿。万神殿的圆形大厅以宏大的规模和精巧的建筑结构著称,屋顶中央留有一个直径9m的圆洞采光。

  • 科洛西姆竞技场:

代表了罗马建筑的顶峰,它是古罗马最大的椭圆形竞技场,可以容纳5600多人。是一座大型蜂窝式建筑,共有四层拱门,1.2.3层分别是多利亚式、爱奥尼亚式、科林斯式三种柱式,第四层是半圆柱的围墙。竞技场形制对现代体育场建筑产生了深远影响。

  • 凯旋门:

君士坦丁凯旋门最为著名,是罗马为庆祝君士坦丁大帝彻底战胜强敌马克森提并统一帝国而建,是一座晚期三跨式凯旋门。柱基和门墙上装饰有浮雕,歌颂君士坦丁的功绩。

  • 图拉真纪念柱:

是图拉真皇帝为纪念对达契亚人的胜利而建,由底座、柱身、柱顶三部分构成,高38米,柱身内有一个漩涡型梯子直通柱顶,柱顶上曾有图拉真皇帝的铜像,柱身环绕着23圈、长达244米的浮雕带,以写实的手法描述了图拉真政府对达契亚人的战争。

雕塑

罗马人在肖像雕刻上取得了卓越的成就,罗马初期,他们概括、生动、美化地表现对象,《奥古斯都像》就是这种个性化和美化的代表。到了晚期,罗马肖像雕刻进入现实主义时期,探索人物的内心世界,以强烈的内心活动取代前期静态的庄严,其中典型的是《卡拉卡拉像》、《马尔克.奥利略像》

绘画

主要是镶嵌画和壁画,壁画划分为庞贝第一、二、三、四风格。第一风格为镶嵌风格,第二风格为建筑风格,第三种风格是埃及风格,第四种风格是庞贝的巴洛克风格。代表作品《密祭》就是第二风格的作品。



中世纪美术



早期基督教美术


早期基督教美术起止时间为公元2-5世纪,公元313年,罗马皇帝君士坦丁颁布《米兰敕令》,承认基督教的合法地位,公元380年,罗马皇帝狄奥多修更是将基督教正式定为国教。 中世纪的基督教艺术是由东方文化古希腊罗马文化蛮族文化融合而成的。

绘画

  • 墓室壁画:

早期宗教秘密场所被称为“民古教堂”,后来为了逃避官方搜索,这种仪式转移到了公共地下墓窟。在墓窟的天顶和墙壁上画满了各种圣经题材的壁画,用于暗示人的无助和神的拯救。比如《火邢中的三个犹太人》。

建筑

  • 巴西利卡:

早期基督教建筑样式之一,欧洲由于基督教活动奉命合法化,各地相继兴建教堂建筑,最初的教堂建筑样式是利用原有的公会堂,称为巴西里卡。所谓巴西里卡,既是中央为一长方形中堂,两侧有较低一点的侧间,在中堂的后部,有一拱门,设置出一个高于前面的台座,作为祭坛。室内的光线来自侧上方的窗子,屋顶作平直的斜坡型。这种建筑从外表看来虽然朴素,然而内部装饰十分奢华。公元320年前后开始兴建的位于梵蒂冈的圣彼得大教堂是规模最大的巴西里卡式教堂之一。


拜占庭美术


公元395年,罗马帝国分裂,西罗马帝国遭受民族大迁徙的动乱,而东罗马则是相对稳定的实体,一度受伊斯兰教的影响,掀起了“反偶像运动”,尤其是捣毁立体雕刻偶像,因此雕刻贫乏,只有教堂建筑和镶嵌画流行。拜占庭建筑文化是继承古罗马建筑文化的基础上发展起来的。拜占庭建筑是屋顶普遍使用“穹窿顶”整体造型,中心突出,创造了把屋顶支撑在独立方柱上的结构方法和与之相应的集中式建筑中最辉煌的成就之一。突出的代表有圣索菲亚大教堂、圣维塔列教堂、圣马可教堂等。

反偶像运动

  • 拜占庭帝国的基督教文化是政教合一的产物,为宗教和王权服务。拜占庭的神像必须在天神和君王之间取得统一,皇帝有权干涉教会,不让教会用神像过分显示自己的力量,9世纪的反偶像运动就是这场斗争的结果。偶像问题的斗争始于公元726年,当时由于皇帝发布公告,禁止一切宗教制作偶像,使偶像与反偶像之争持续了100多年,皇帝和东方行省的人民坚持反偶像,他们认为偶像会使宗教变成迷信,主张将宗教艺术变为抽象的象征,以植物或动物象征宗教人物。赞成偶像崇拜的则是僧侣和西方行省的人民,这场争论在教理方面涉及到耶稣、人性和神性间的双重关系。

建筑

  • 圣索菲亚大教堂:

是中世纪拜占庭艺术中最辉煌的成就之一,建成于537年,是在532年君士坦丁堡暴乱中被烧毁的圣索菲亚大教堂的废墟上重建而成的。教堂在构思和技术上受罗马万神殿的影响很大,主要部分是一个巨大的半圆穹顶,东西两头接着两个半圆穹顶,每个半圆左右两端又接上更小的半圆穹顶。南北两侧则是圆拱形墙体,下面有两层列柱和厚实的墙体支撑,列柱后面又有侧廊,这样就形成了一个高大宽阔、气势磅礴而又节奏分明的内部空间。拜占庭的索菲亚大教堂混合了东方和西方、过去和未来的结构,是一个气魄宏伟的混合建筑,再加上那些闪亮的镶嵌画,仿佛置身在一个非现实的幻境里。15世纪土耳其人占领君士坦丁堡后,把圣索菲亚大教堂改为清真寺,伊斯兰教徒不但在内部把基督教装饰改成伊斯兰教的图案文字,而且在教堂外部的四角上建立起伊斯兰建筑的尖塔,这样反倒为雄浑的教堂增添了几分俊俏。

镶嵌画

  • 镶嵌画:

在拜占庭艺术中占有特殊地位,这种以小彩色玻璃和石子镶嵌而成的建筑装饰画,成为教堂装饰的主要形式。在教堂主祭坛上方的是镶嵌画《荣耀基督》,两边是表现皇帝参拜的镶嵌画《查士丁尼皇帝和侍从》《皇后提奥多拉和侍从》

  • 《查士丁尼皇帝和侍从》《皇后提奥多拉和侍从》:人物都被不成比例的拉长了,但是显得非常肃穆、庄严。色彩和明暗的变化被提炼到最纯粹,仿佛人们面对的不是活生生的人,而是抽象的精神符号。他们穿着华丽的服装,珠光宝气,织锦彩缎更为画面增添了几分神秘感。所有的人物既没有动作也没有变化,空间与时间由此被升华为一种永恒地存在,人物与地面的垂直悬浮关系,仿佛宣称着这凝结在金色闪光中的一切是一个折射的天堂而不是人间的景象。花匠们是要我们把皇帝与皇后当做耶稣和圣母的,在提奥多拉的外衣边上有三王礼拜的故事。同时查士丁尼两旁的12随员也象征着耶稣的12门徒,这种人与神的混淆也是政教合一体制所需要的。

蛮族艺术与加洛林文艺复兴


  • 蛮族艺术:

是“高贵的罗马人”对“蛮族”日耳曼人艺术的称谓。“蛮族艺术”的兴盛,是随着日耳曼人对罗马帝国的入侵以及罗马帝国的衰落、日耳曼人成为欧洲的新主人而开始的,时间上大约在公元5世纪前后。就艺术类别上,多为小型工艺品以及圣经手抄本艺术。

  • 加洛林文艺复兴:

到公元8世纪,当年的蛮族已经成为横行欧洲大陆的封建领主,法兰西国王查理曼历经数十年,统一西欧部分地区,建立了加洛林王朝。查理曼的理想是恢复昔日罗马的繁荣,在文化上恢复罗马的传统,同时也希望借此恢复罗马帝国的封号。他号召了一批文人学者在阿琛收集整理古籍,让艺术家们仿照古典样式进行创作,以宫廷为中心形成了复兴古典文化的潮流,历史上称之为加洛林文艺复兴。主要成就体现在以阿琛王宫为代表的建筑上,以及以圣经手抄本为代表的绘画艺术上,这次文艺复兴的重大意义在于将北欧的日耳曼精神同地中海文明成功的融合在了一起。

  • 阿琛王宫:

是查理曼时代最重要的建筑工程,为体现复兴古典的愿望,王宫教堂的设计以意大利拉文纳的圣维塔莱教堂为蓝本,平面布局和结构基本维持了圣维塔莱教堂的特点,只是内部装饰上不像圣维塔莱教堂那样活泼,更偏向于整体性和统一性,显得庄重严肃。它体现出查理曼帝国对·古罗马的向往。这个教堂还用了罗马建筑中的方形柱和拱门。最引人注目的是教堂西面的入口,由于罗马在阿琛的西面,因此阿琛所有教堂的大门一律朝向西面,这一向西的入口建筑也叫西面工程。西面工程在阿琛王宫教堂第一次出现,即正面入口处有两座高塔。这种建筑样式是北方城堡与南方罗马风格的结合产物,在反映出对罗马向往的同时,也成为后来罗马式教堂的基本形式。

  • 抄本绘画:

由于加洛林王朝重视恢复古典文化,促进了书籍插画艺术的发展,在风格上力图恢复古代的写实手法,在构图、造型和人物精神状态上都达到了极高的水平,充分显示出“宫廷派”绘画所具有的写实技巧。


奥托美术


查理曼死后,加洛林帝国随之完结,但“文艺复兴”的影响却绵延不绝。926年,日耳曼国王奥托一世在罗马加冕称帝,建立了号称“神圣罗马帝国”的奥拓王朝,此时的艺术继承了加洛林的传统,并发展出一种肃穆宏大的风格。由于神圣罗马帝国的统治者认为自己是罗马帝国的继承者,复兴罗马帝国也就成为了这个时代的重要特征。

建筑

奥托时代保存较为完好的是圣西利亚库大教堂,以及科隆的圣班达雷昂的本笃会修道院。最能体现奥托时期建筑风格的是圣米迦勒教堂。它极其强调对称;完全一样的袖廊,一样的角楼及中堂中成对的圆柱,圣米迦勒教堂确定了德意志地区在中世纪建筑中的独立地位。

雕刻

奥托王朝在恢复圆雕形式上也迈进了一大步。科隆大教堂中杰罗的十字架是奥托王朝时期的代表作。具有纪念碑式的规模,带有强烈的情绪表现。该十字架为木雕。艺术家着重强调的是受难的肉体的痛苦,沉重的躯体、向前凸起的腹部更加重了双手和肩膀的负重,给人一种无法忍受的痛苦感。


罗马式美术


罗马式美术及其产生的条件

  • 罗马式美术:

其起止时间约为公元10世纪到12世纪,西欧经济水平提高,封建制度稳固,十字军东征和大规模的传道活动扩充了教会的势力和影响。经济的发展和宗教的狂热使得新的教堂和修道院层出不穷,为了追求更加壮观的效果,这些建筑普遍采用了类似古罗马的拱顶和梁柱结合的体系。并大量采用希腊罗马时代的“纪念碑式”雕刻来装饰教堂,因此这个时代的风格被称为“罗马式”。“罗马式”概念的含混性意味着罗马式美术与加洛林文艺复兴、奥托王朝美术有着千丝万缕的联系。除此之外,罗马式艺术还有很多不太明显的外来影响;古希腊时代的古典艺术、早期基督教、伊斯兰教、拜占庭和克尔特-日耳曼传统。

  • 罗马式美术产生的条件:
  1. 10世纪后,西欧经济水平提高,封建制度稳固
  2. 作为社会精神支柱的教会势力也与贵族势力并行发展
  3. 十字军东征和大规模传道活动扩充了教会的势力和影响
  4. 对圣人遗物的崇拜,掀起了各地崇拜的热潮

罗马式建筑

  • 罗马式的特点:
  1. 罗马式教堂是由巴西里卡式演变而来的,并开始由石头屋顶代替过去的木头屋顶为了支持石头屋顶的重量,在结构上广泛采用拱顶和梁柱相结合的体系,创造出复杂的骨架体系建筑拱顶的办法
  2. 丁字形的巴西里卡式发展为拉丁十字形的代表形式,以满足更复杂的宗教仪式容纳更多教徒的需要。
  3. 在封建割据的情况下,罗马式教堂也具有封建城堡的特点,石墙很厚,窗户很小,距离地面很高,教堂前后往往配置碉堡塔楼,后来塔楼逐渐固定在西面正门两侧,成为罗马式建筑的标志之一
  4. 大量采用古希腊罗马时代的“纪念碑式”雕刻装饰教堂,注重装饰性。建筑内部雕刻绘画中的人物形象被夸张或变形,表情恐怖,构成中世纪艺术中特有的造型方式,冷静且带有地方色彩,较少写实
  5. 代表教堂:圣塞尔南教堂、英国杜勒姆教堂、意大利比萨教堂等
  • 圣塞尔南教堂:

罗马式建筑风格的开端。此教堂位于法国南部的图卢兹省,此地区的罗马式建筑表现最为生动、最丰富、最具地方特色、最具创新观念。它和这时的一些朝圣教堂一样,建在朝向西班牙西北部圣地亚哥的路线上。它的平面是一个经过强调的拉丁十字形状,重心在东部这一端。这表明教堂的功能是用来容纳众多的善男信女,而不是给道士修行的。在边廊的尽头塔楼和中堂里,有许多穹顶,显示出明显的罗马式风格特点。

  • 英国杜勒姆教堂:

罗马式建筑风格形成的标志。虽然它的设计平面较为朴实,但是中堂却是圣塞尔南堂的三倍,这意味着它的拱顶必须更能负重,教堂内部由立柱隔成许多小长方形单元,而不是以前的方形单元。中堂上的每一个拱券之间有2个X型设计,这就是我们通常所说的肋拱。它显然是稳定穹顶的骨架,于是,肋拱间的天花板可以非常地薄,这一方面减少了天花板的承重,一方面也增加了它的坚固性,而且在顶上一边可以加上一个窗。这种肋拱的出现,以杜勒姆教堂最早。

雕塑

罗马式美术复兴的另一个显著特征就是石雕的复兴。罗马式石雕的复兴最早发生在法国西南部和西班牙北部,也就是在通往圣地亚哥朝圣的路上。罗马式教堂广泛使用的雕塑装饰,是在教堂正立面通常有一块半圆形凹进去的空间,俗称拱角板

工艺美术

  • 贝叶挂毯:是纪念诺曼国王威廉占领英格兰而制作的亚麻布羊毛刺绣,挂毯描绘了威廉征服英格兰的过程,作者将故事的叙述和装饰趣味融合在了一起。

哥特式美术


哥特式美术及其产生的条件:

  • 哥特式美术:

意大利文艺复兴学者将12世纪到15世纪的艺术称为“哥特式”。哥特式艺术无疑是整个中世纪发展的一个顶点,哥特式起源于法国。

  1. 从11世纪末开始,西欧的城市在政治、经济、文化上的地位显著提高,从而成为文化的中心
  2. 行会成为了手工艺的基本组织。也促进了文化和技术的传播
  3. 12世纪,法国出现了强大的君主政体,巴黎成为了一个极富创造力的艺术中心
  4. 随着技术和手工艺的发展,人们克服材料重力的能力已经相当成熟,这为哥特建筑和玻璃画的产生提供了必要条件
  • 纵观整个哥特式艺术,它的发展重点是从追求建筑的效果而转向绘画的效果:早期哥特式雕刻和绘画都是巨大建筑的一部分,而晚期的建筑和雕刻则追求平面装饰性的效果,不再追求结实和简洁的处理。

哥特式建筑与罗马式建筑的区别:

  • 哥特式的特点:
  1. 体量和高度都有大突破
  2. 形体向上的动势十分强烈,轻盈的垂直线直贯全身;这种以高、直、尖和具有向上动势的造型风格是教会弃绝尘寰宗教思想的体现,也是城市显示其强大蓬勃生机的精神反映
  3. 由于采用了尖券、尖拱、飞扶壁等建筑形式,哥特教堂内部空间空旷、单纯、统一
  4. 教堂内部采用了大量镶嵌画
  • 哥特式建筑与罗马式建筑的区别:
  1. 罗马式建筑有结实而厚重的墙壁,而哥特式具有轻盈、纤细的结构
  2. 罗马式建筑的窗户很小,而哥特式建筑的窗户尺寸大大增加,可以采用空前规模的彩色玻璃画
  3. 哥特式建筑的平面遵循了带放射状分布的后堂回廊,而罗马式建筑则呈孤立的单元。因为哥特式建筑将罗马式建筑礼拜堂中间的墙去掉了,造成了一种统一的空间效果,两排呈半圆形排列的承重柱对同一空间进行分节。昏暗的罗马式室内被宽敞、开放、充满色彩的光线结构所取代

哥特式建筑代表:

哥特式建筑的代表:法国的圣德尼教堂、巴黎圣母院、夏特尔教堂、兰斯大教堂、亚眠大教堂、英国的科罗斯达大教堂、德国的科隆大教堂、瑙姆堡教堂、意大利的米兰大教堂等。这些建筑在结构力学方面对后世有着积极的影响。

  • 圣德尼教堂:

哥特式艺术开始于法国1140年至1144年路易七世掌玺官苏热重修的圣德尼教堂,而后才开始波及全欧洲。圣德尼教堂首次系统地应用了以肋拱结构为基础的新建筑体系。圣德尼教堂内部有双层回廊、细长的拱门、肋架和支持拱顶的圆柱使其格外通畅轻巧。这种轻巧首先表现在彩色玻璃窗已经扩散到整面墙,其次是内部结构在形体上优雅而富有旋律。圣德尼教堂还体现出一种不同于以往的思想和精神,即对严谨的几何形造型和对明亮光线的追求。

  • 巴黎圣母院:

建于1163年,是哥特式建筑中最著名的。在平面布局中强调的是长度轴心,中堂的若干布局虽然保留了罗马式建筑的特点,但大气的窗户、室内的采光和所有瘦长的造型等等都创造了一种显著地哥特式风格。教堂内部所有细节都充满着上升的直线,这样的空间也相应地具有哥特式“向上高升”的感觉。圣母院内部分为三层,第一层是以柱廊和尖拱构成,第二层是带有侧廊的隔层,第三层是明亮的玻璃窗。三层之间以细长的石柱相连,最后集于肋拱中心,各层皆以尖拱相互呼应、统一。巴黎圣母院的西面工程也别具一格。各个部分在比例关系和组合上极为成功。以中央的圆形玫瑰花窗为中心向四周放射状地分布着门洞、窗户和未完成的塔楼。达到了整体上的完美均衡。这一面最大的特点在于它把所有的细节都互相配合成为一个平衡、协调的整体。

哥特式现实主义:

哥特式现实主义: 12到15世纪是经院哲学高度理性化的时候,它要求教义的理解和形象的再现必须遵循严格的规则秩序,作为教堂的主装饰物雕塑创作也必须遵循固有的程式布局:这一时期的雕塑呈现出越来越脱离建筑结构而走向独立的倾向。其表现手法越来越写实,自觉地模仿自然形象,特别是追求情感的表现,形成了所谓哥特式现实主义。最能体现哥特雕塑成就的是法国夏特尔教堂

彩色玻璃镶嵌画:

彩色玻璃镶嵌画: 哥特式美术时期绘画种类繁多,主要包括彩色玻璃镶嵌画抄本绘画祭坛绘画圣像画等。彩色玻璃镶嵌画是一种用铅条固定小块彩色玻璃形成整体玻璃窗画的艺术形式,盛于中世纪哥特式教堂中,为哥特式建筑增添了光彩。内容有图案、圣经故事等。当光线透过彩色玻璃窗,教堂内色彩缤纷,神秘莫测,是哥特式教堂理想的装饰方式之一。其中以法国布杰大教堂夏特尔教堂的玻璃装饰最为典型。夏特尔教堂的彩色玻璃镶嵌画,使教堂和谐、神秘的效果大大加强,也是至今保留最完整的彩色玻璃镶嵌画之一,以深蓝色和深红色作为主基调,向教堂内投入一种紫色的光。



文艺复兴美术



意大利文艺复兴


文艺复兴首先发端于意大利,这是因为意大利有三个有利条件:

  1. 首先,资本主义在意大利发展的比较早
  2. 意大利有丰富的古希腊罗马的遗迹遗物
  3. 由于城市的兴起,意大利的科学和文字发展得很迅速,为美术的发展提供了极为有利的条件

意大利文艺复兴的开端:

意大利文艺复兴的开端,主要指13世纪到14世纪。12、13世纪,十字军的远征疏通了地中海地区的贸易通道,意大利地处交通要道,操纵着东方与西欧的贸易往来。佛罗伦萨、威尼斯、锡耶纳等城市出现了大量手工业作坊,形成了人数众多的市民阶层,也开始形成了以城市为中心的市民文化。造型艺术在这个时期也出现了新的倾向,尽管与哥特式传统有着密切的联系,但对古代罗马艺术的关注却是产生新的表现形式的重要因素。在中世纪末期,即文艺复兴的先驱中,有雕塑家皮萨诺、画家奇马布埃杜乔乔托等重要人物。

  • 皮萨诺:

在中世纪的艺术家中,皮萨诺是最早表现出对古典艺术感兴趣的雕塑家,其活动主要是在比萨,主要成就表现在为比萨大教堂设计的布道坛的雕刻上,如《基督降生》、《博士来拜》等,人物造型均庄重典雅,衣纹处理厚重而有质感,层次变化丰富,明显带有古希腊罗马的痕迹。值得注意的是:它采用了一种现实主义的艺术语言,使宗教的抽象概念成为了物质的具体形象。这样的形象意味着对现实世界的直接感受和高度的造型表现力。从这一点上来讲,皮萨诺割断了与中世纪传统艺术的内在联系。

  • 奇马布埃:

作品以壁画为主,保存下来的不多,其祭坛画《圣母子》沿袭了拜占庭的传统,但却融入了温馨的世俗情感。

  • 杜乔:

锡耶纳画派的创始人,代表作为《光荣圣母》四周和背面分层有59个圣经故事画面。他的作品将现实的因素和童话式的虚构结合在一起,同时渗入细腻的感情。完美的色彩、细腻的线条节奏使他绘画语言上的两个特点。同时,杜乔擅长讲述故事,他那单纯而又鲜明的表达与当时流行的逻辑混乱的宗教寓言形成了鲜明的对比,也更具有生命力。

  • 佛罗伦萨画派:

是意大利文艺复兴期间的经济文化中心佛罗伦萨形成的一个重要画派。它是文艺复兴时期意大利影响最大的美术流派之一。该画派以资产阶级上升时期的人文主义思想为主导,用科学的方法探索人体的造型规律,吸取古希腊、古罗马的雕刻手法,并应用在绘画上,同时把中世纪的平面装饰风格改为集中透视,由明暗效果,表现三度空间的画法。佛罗伦萨画派注重素描、注重理性、追求严谨、崇高的风格,在以宗教神话为主导的题材中,把抽象的神像画成世俗化合乎资产阶级要求的理想的人,成功地创造了人物画新风格。

  • 乔托:

佛罗伦萨画派的创始人,也是意大利文艺复兴的伟大先驱之一,乔托的艺术创作是中世纪与文艺复兴的分水岭,他不仅表现出卓越的绘画技巧,也奠定了文艺复兴的现实主义基础。乔托的主要创作形式是壁画,在罗马、佛罗伦萨和帕都亚都留下了他的作品,虽然大多是圣经题材,但乔托却以人文主义的精神来理解它们,并按照现实生活中的人们来表现宗教故事。但乔托塑造的还不是个性的而是典型的人物形象,他使人的形象渗透着崇高的道德内容,同时在乔托的笔下开始出现有体积感的浑圆人体,但他并没有掌握科学的透视知识,他所描绘的每一个人体都贯穿着真实的重量感。他所创立的现实主义原则超越了一般技法的范畴,而是作为一种全新的艺术观念对文艺复兴的发展产生了巨大影响。其代表作为《逃亡埃及》、《哀悼基督》

  • 乔托的影响:乔托是中世纪的最后一个画家,也是新时代的第一位画家,尽管他绘画的主题仍以宗教为主,尽管他的绘画还带有近似中世纪蛮族美术的稚气,但他的绘画中潜藏着与宗教文化相对独立的世俗精神与与蛮族美术相对独立的客观精神。实际上,这就是古希腊罗马古典艺术中人本主义精神“模仿说”的本质再现。从其作品来看,虽然它的构图布局几乎没有超越中世纪艺术家的惯例,但在他的画中已经看不到金碧辉煌的装饰趣味和飘然若仙的人物罗列;坚实的体积与纵深的空间反映了乔托的绘画与中世纪绘画的明显差异,这种差异的关键不在于技法,而在于观念。乔托全新的艺术观不仅在他的艺术中创造了质朴、清新、庄严、厚重的审美境界,而且为后来的人们提供了一种研究与表达自然的艺术实验的方式。自乔托以后,西方的艺术家才逐渐认识到,只有可视的客观物质世界,才是获取真知取之不尽用之不竭的重要源泉。

意大利文艺复兴早期美术:

15世纪银行家美第奇家族政变夺取政权,他们用黄金巩固政治威望,其中资助文艺复兴艺术为其加分不少。这使得佛罗伦萨,人文主义的文学艺术也得到了高度发展,以反映世俗生活为己任的艺术为了正确的表现人体,对解剖学产生了兴趣,同时正确的空间表现则需要严格的透视画法,于是佛罗伦萨首先成为了一个科学与艺术结合、成为了一个积极入世的宇宙观的策源地。这种观念也打击了教会的威望与神秘。在艺术上,乔托确立了绘画的现实主义的原则,却没有解决所提出的问题,直到15世纪佛罗伦萨画派的三位艺术大师的出现,即建筑师布鲁内莱斯基、雕塑家多纳泰罗、画家马萨乔(三人被称之为小三杰),他们继承了乔托的传统,将现实主义艺术发展到新的阶段,也标志着早期文艺复兴的来临。

  • 布鲁内莱斯基:

文艺复兴以来的第一个新型建筑家,并在透视学和数学领域做出了重要贡献。其主要的代表作品是佛罗伦萨大教堂。佛罗伦萨大教堂采用拜占庭教堂的集中型制,穹顶呈八角形,跨度为42.2米,属当时欧洲最大的穹顶。为了减弱穹顶对支撑的骨座地测推力,布鲁内莱斯基在结构上大胆地采用了双层骨架券。八边形的棱角各有其主券结构,与顶上的采光亭连为整体。这种壮美的新教堂体现了人文主义思潮的胜利。它被誉为佛罗伦萨共和政体的纪念碑

  • 多纳泰罗:

是15世纪意大利最杰出的雕塑家,他的雕塑创作彻底地摆脱了哥特式风格的痕迹,复兴了希腊、罗马的古典样式。多纳泰罗的前期艺术的核心,是直接研究人与自然为基础的新的写实手法,借鉴希腊罗马古典表现形式为基础的理性化的艺术处理方法。作品中介入作者强烈的个性化表现,晚期的创作特点是有意追求形式上的夸张和变形,脱离古典雕像的理想美和华丽庄严的气魄,强调激情。丑陋和痛苦成为他后期创作的内涵。其代表作《格达密纳塔骑马像》是当时首次出现的完全世俗的形象。他还探索了骑马纪念碑与建筑群的配合与台座的比例关系等。

  • 马萨乔:

继承和发展了乔托的艺术传统,其艺术成就标志着文艺复兴盛期的到来。将解剖学、透视学应用于绘画,结合了科学和艺术,使现实主义艺术进一步成长。其人物开始脱离宗教说教的因素,体现出一种积极入世的宇宙观。他努力使人物处于真实的三度空间中,风景在画面中的出现也使得画面的范围得以扩大,具有辽阔的空间感。马萨乔开始合乎规律地应用透视和数学原则,又不失美学感受,是那个时代现实主义艺术的奠基者,在他身上凝结着确立个人尊严的人文主义思想。他扩大了艺术的主题范围,使艺术充满了朝气。马萨乔的艺术原则不仅成为了15世纪意大利艺术家遵循的典范,也对欧洲美术史上的现实主义画家产生了深远的影响。代表作《出乐园》,突出表现了造型的体积感和空间的丰富感,画面充满了悲剧性的气氛。而作品《纳税钱》以柔和生动的线条和单纯朴素的色彩加强了形的表现力。

  • 波提切利:

是15世纪佛罗伦萨画派的最后一位大师,他注重用线造型,强调优美典雅的节奏和富丽鲜艳的色彩。他的画多取材于文学作品和古代神话传说,不再局限于宗教题材,这就更能自由地抒发个性和世俗的感情。他的名作《维纳斯的诞生》《春》充满了柔情的诗意,尽情表达了画家对美好事物的爱恋,洋溢着人文主义和乐观精神。波提切利用动感的线条来营造形的体积感,创造出一个又一个的幻觉。同时,他又用一系列冷色调进行沉着精致的排比,如海洋的浅绿色、风神的天蓝色服装、维纳斯的金发等。到了晚年,由于佛罗伦萨社会动荡,他又开始向宗教情绪回归,反映了他精神上的危机,这一时期的代表作《诽谤》、《耶稣诞生》等。

  • 《维纳斯的诞生》:表现女神从爱琴海中浮水而出,风神花神迎于左右的情景,构图比较单纯,全画以裸体的维纳斯女神为中心。波提切利效仿希腊古典雕像中维纳斯的形象,但风格全属创新,强调了女神的秀美与清纯,眼神却微觉忧伤,富于含蓄之美。
  • 《春》:虽然指自然节令,却完全用神话人物体现画意。画幅中央端庄而立的是维纳斯女神,她是爱和美的象征,是人性的化身,歌颂维纳斯也就等于歌颂人性,因此作者把它置于正中,主持整个场面。画面背景是一片橘子林(橘子的圆球形暗喻美第奇家族的徽饰)。总的来说这幅画表现了春回大地,花草争艳的景象,并有颂扬美第奇家族之意,但画面却并不是单纯的欢快情调,而仿佛带有一种淡淡的伤感。使作品在世界艺术史上占据崇高地位的是画家塑造的各个人物形象。

佛罗伦萨画派的影响:同时期的翁布里亚画派帕都亚画派。帕都亚画派以曼坦尼亚为代表,而翁布里亚画派则以弗朗切斯卡成就最高,其晚年在双目失明的情况下写出了《论绘画透视》《论正确的形体》,是西方最早的纯绘画理论。

意大利文艺复兴盛期美术:

  • 罗马画派:

即意大利文艺复兴的全盛时期。此时的罗马开始取代佛罗伦萨成为意大利的政治、经济、文化中心。在艺术上形成了以罗马为中心的罗马画派。在艺术巨人中,尤以被称为“文艺复兴三杰”最为突出。他们发展了15世纪意大利美术的成就,彻底摆脱了哥特式美术的消极影响,把科学写实的技巧发挥到近乎完美的程度。创造了文艺复兴艺术的典范之作。他们不仅在绘画领域独领风骚,还在雕塑、建筑、工艺美术等领域功勋卓越,把意大利文艺复兴推向了历史高峰。

  • 达芬奇:

是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一,伟大的现实主义画家,他的天才不限于艺术,在数学、机械工程、医学和地质学方面都有所反映。就艺术而言,他将艺术与科学完美地结合,创造了薄雾画法空气透视法,成功地表现出人物微妙的内心活动,作品含蓄、充满思考。

  • 达芬奇的生平:达芬奇出生在佛罗伦萨附近的一个叫做芬奇的小镇,早年到佛罗伦萨,在韦罗基奥的工场学习,不仅学会了绘画雕塑的技巧,还热衷于科学研究。达芬奇于1482年来到米兰,为米兰大公服务,他在这里完成了一些重要的美术作品,还有为一些建筑、水利工程、军事技术和机械制造商做出了贡献。作品《岩间圣母》就是在米兰时期完成的重要作品,作品《最后的晚餐》则是这一时期为圣玛利亚修道院食堂所做的不朽之作;1503年达芬奇再次回到佛罗伦萨,并创作了举世瞩目的《蒙娜丽莎》。1516年,因国内动乱,以宫廷画家身份去了法国,并逝世在法国。
  • 达芬奇的艺术主张与特点:
  1. 达芬奇要求艺术家以自然为师,要做自然的儿子
  2. 把艺术家的头脑比作放映自然的镜子,主张科学与绘画的结合
  3. 深化表情原理,加深艺术形象的心理活动
  4. 将科学与艺术幻想结合起来,其艺术博大精深,富有哲理
  • 《岩间圣母》:达芬奇使用明确的几何结构来安排人物,即人物被框进了一个等腰三角形,又通过左上方的光源使画面得以平衡。像这样在复杂动态中取得平衡的手法为后世艺术家广泛应用。
  • 《最后的晚餐》:这是达芬奇为圣玛利亚修道院食堂所作,作品占满了修道院食堂大厅的整个墙面。达芬奇挑选了一个关键时刻进行描绘:以耶稣为中心,左右分为两组人物,所有人的性格都是从其动作中表现出来的。达芬奇通过象征争议的耶稣和象征邪恶的犹大之间的戏剧性对比表达自己对人生的看法。
  • 《蒙娜丽莎》:这副肖像画的意义在于通过一个普通女市民的形象表达了人对自身的肯定以及对美好事物的向往。达芬奇不仅用现实主义的创作手法逼真地描绘了一位气质不凡的夫人,更是表现了彻底挣脱宗教禁锢的苏醒的人的灵魂。《蒙娜丽莎》作为人文主义的绘画作品,将现实中的人物情感与艺术创作中的写实手段紧密结合,表现出思想解放的时代特色和科学精神,所以《蒙娜丽莎》是西方绘画中的一件具有里程碑意义的作品。
  • 《救世主》:是达芬奇于1506年受法国国王路易十二的委托而创作的。作品随后被英国国王查理一世收藏。被传给查理二世之后,该画便销声匿迹。画面表现了耶稣为世人祈福的虔诚形象,他右手做出祝福的手势,左手捧着一个酷似水晶球的物体,平静地凝视世人。这幅作品给人带来的感受与《蒙娜丽莎》相似,朦胧的氛围与模糊的线条,尤其是嘴唇的线条,营造了心理上的神秘感,使人体验到一种变幻莫测的情感变化,因此,此画又被称为男版的蒙娜丽莎
  • 米开朗基罗:

文艺复兴三杰之一,著名的雕刻家、画家和建筑师,他的作品外观看似平静,内心却充满激烈的矛盾,充满了英雄主义和浪漫色彩、被压抑的力量与悲壮的激情,充分发挥了人体的表现力。代表作品有《大卫》、《哀悼基督》、《创世纪》、《摩西》、《最后的审判》等,无不在有意无意的流露出人文思想的核心。即人的主动性和人建功立业的能力。

  • 《大卫》:410cm高。米开朗基罗创作它时还不到30岁,但他的艺术风格已经趋于成熟。过去的艺术家们多半表现大卫割下敌人的巨头,已经取得胜利的情景;米开朗基罗表现的则是:大卫左手上举,握住搭在肩上的弹弓,右手下垂,似将握拳,怒目而视地直视前方,处于迎接战斗的状态。从效果上来看,这种矛盾高潮到来之前的状态更加富有吸引力。从思想效果上来说,雕像体现了一种顽强、坚定和正义的精神气质。米开朗琪罗把大卫作为一名保卫共和制城市的青年战士的典型来塑造,这反映了他的政治思想。在艺术技巧上,艺术家以解剖学为基础,对人体结构和全身肌肉的表现十分自然。面部表情也非常逼真,他双眉紧锁,目光炯炯,全神贯注,显示出压制一切敌人的威武姿态。这件作品成为后世艺术家学习雕塑的楷模,是雕塑史上最杰出的作品之一。
  • 《哀悼基督》:当时二十四岁的米开朗基罗受到红衣主教的委托为圣彼得教堂所制作的。因为《哀悼基督》的问世,米开朗基罗才为世人所熟知。
  • 《创世纪》:是西斯廷礼拜堂的天顶画,取材于《圣经》中的开头部分,从开天辟地到灭世洪水和诺亚方舟的故事。整幅作品由九幅中心壁画,和其他很多精美的装饰画共同组成。整个作品一共画到了343个人物,表现出他绘画上的独创性,通过神的题材表现人的伟力,把人的生命获得表现为两只手的接触。
  • 拉斐尔:

意大利文艺复兴三杰之一,在继承古典绘画的基础上综合了众家之长,进一步丰富了古典绘画语言,其作品优雅、秀美,笔下的人物具有温和、高贵的气质。尤其以描绘圣母的形象著称。他所确立的美的样式成为后来学院派的标准之一。代表作有《雅典学院》、《西斯廷圣母》等。

  • 《雅典学院》:在梵蒂冈宫内,拉斐尔一共创作了《雅典学院》、《巴尔纳斯山》、《圣典论辩》三幅壁画,均表现的是一个人文主义者对真理和幸福的追求。其中《雅典学院》是三幅中最为优秀的一幅。也是拉斐尔最为辉煌的作品。无论是人物的组合还是空间的处理,均达到了完善和谐的境界。具体表现在拉斐尔把古代的科学家和思想家安排在一个有拱门的大厅内,两边有阿波罗和雅典娜的雕像。画面正中央是柏拉图和亚里士多德,一个指天一个指地。他们的手势分别代表了各自不同的学说。在他们周围还有很多姿势各异的学者和科学家,他们各自的也用特定的姿态表明他们各自的身份和学说。风格纯真优美、庄重清晰、和谐简洁,标志着人文主义思想在文艺复兴时代美术的最终胜利,也标志着人文主义思想与古代希腊、罗马文化的密切联系
  • 《西斯廷圣母》:拉斐尔是描绘女性形象的大师,其笔下的圣母是平民妇女的形象,体现出慈悲、善良、温顺的高尚品质,引起人对生活的憧憬。圣母的形象是世俗的,但带上了几份贵族气质,其中有名的是《西斯廷圣母》。

威尼斯画派:

  • 威尼斯画派:

是对15-16世纪威尼斯美术家和美术风格的总称,它是集中体现意大利文艺复兴美术成就的画派之一,威尼斯画派更多的摆脱了封建礼教的束缚,美术题材从宗教转向了世俗,画面追求欢快、激情和狂热的调子。他们对色彩特别敏感,着重表现欢乐的现实风情,赞美世俗生活,讴歌人体美,描绘自然风光,具有明显的世俗享乐情调或田园牧歌情调,这一切都使得威尼斯画派的艺术家为意大利文艺复兴演奏了一段美丽的终曲。代表画家有贝利尼、乔尔乔涅、提香、丁托列托等。威尼斯画派艺术的最高理想,就是充分显示现实生活的一切美好享受,此时人文主义的审美观是一种人性解放的审美观,它是在普遍的群众渴求中孕育出来的。

  • 贝利尼:

被认为是威尼斯画派的创始人,与同时代的画家相比,他更加注重风景的描写,把自然景色诗意化,使作品充满宁静和淡雅的情调。即使在圣母的形象中,他也没有忘记以优美的风景做背景。在他晚期的一些作品中,色彩明朗鲜艳,线条富于音乐性,这种和谐优美的基调促进了威尼斯画派的发展。在贝利尼的作品中,情节的戏剧性已经退到次要的地步,而色彩和素描的表现力成为了首要的因素,这是威尼斯画派的共性。代表作《有小树的圣母》一扫传统的宗教气氛,用几乎刺眼的色彩安排揭示出人物内心的壮丽感受和精神状态。

  • 乔尔乔涅:

贝里尼的学生,也是从贝利尼风格过渡到威尼斯画派全盛时期的人物。他诗一般的画面,有丰富的人文主义内涵。第一个严格意义上的威尼斯画派画家。他的作品中有高度抒情。他进一步延续了贝利尼的探索,大自然在作品中开始起着日益重要的作用。代表作品《田园合奏》《沉睡的维纳斯》《三个哲学家》。 其中,《三个哲学家》分别画了三位东方哲学、中世纪哲学和人文主义思想的哲学家,其中在代表人文主义思想的青年身上倾注了自己的理想。

  • 《田园合奏》:是一曲对美丽大自然和对幸福人生的赞歌,画面中的两个女裸体分别对应着两位诗人吟唱的内容。
  • 《沉睡的维纳斯》:表现的是美丽的女神沉浸在睡梦之中,她的生命活力已经融入到了自然之中。这幅画在形体、色彩、柔和的线条和景色的层次上都达到了高度统一。
  • 提香:

是文艺复兴盛期威尼斯画派的代表,他是贝里尼的学生、乔尔乔涅的同学,威尼斯画派中唯一一位可以与“三杰”比肩的绘画大师。 他的青年时代在人文主义思想的主导下,继承和发展了威尼斯画派的绘画艺术,把油画的色彩、造型和笔触的运用推进到新的阶段,画中所含的情感饱满而深刻,洋溢着欢欣的情调和旺盛的生命力,能揭示人物的内心世界。他中年画风细致、稳健有力、色彩明亮。晚年笔势豪放、色调单纯而富于变化,在油画技法上对后期欧洲油画发展有较大的影响。 从艺术语言上来看,提香晚年的作品要解决的问题是进一步深入理解色调的相互关系与明暗的规律,日趋完善造型处理上的笔法运用与色彩安排,绘画的色彩和谐问题以及不拘神墨的笔触表现问题。提香艺术的优点也正在于此,即笔触运用的方法为造型表现提供了更多的可靠性。正因如此,提香被誉为近代油画技法之父。也是在这一点上对17世纪的画家如鲁本斯等人产生影响的。代表作有《乌尔比诺的维纳斯》《天上与人间的爱》等。

  • 《乌尔比诺的维纳斯》:提香中后期作品的典型,他用一个放荡少妇的形象,真实反映了当时威尼斯人生活方式的一个侧面。形象的逼真、生动,情节的风俗化处理,加强了对世俗生活欢乐的认同感。因此,这幅画明确的反映出提香现实主义的艺术观。
  • 委罗内塞:

1533年搬到威尼斯,这时的威尼斯已经度过最繁荣的时期,这时的贵族、商人抓紧最后的时间享乐,而委罗内塞把这些内容搬入了画面,每幅作品都是人物众多、场面宏大,形形色色的人物都充斥其中,当然其中还包括耶稣的形象。正是因为过分随便地画宗教题材,委罗内塞还被宗教裁判所传讯,成为美术史上一场有名的官司。

  • 丁托列托:

是在威尼斯画派中别具一格的,他的艺术思想是“把提香的色彩和米开朗基罗的形体结合起来”。其画面同样是具有宏大的构图,复杂激烈的人物动态和异乎寻常的透视角度。

  • 柯罗乔:

是与委罗内塞、丁托列托同时期的画家,在画风上受威尼斯画派的影响较大,画面上色调明快,诗意盎然,妇女形象美丽动人,代表作《圣夜》、《丽达与天鹅》等,已经可以看出巴洛克艺术的前兆。

样式主义:

  • 样式主义:

是16世纪中期出现在意大利佛罗伦萨的一种艺术风格,上承文艺复兴,下起巴洛克风格。样式主义源于意大利语“样式”,兼指形式和风格以及生活风度,含有高雅优美之意。但从17世纪开始逐渐含有贬义,有装模作样的讽刺意味。主要艺术家有瓦萨里、蓬托尔莫、帕尔米贾尼诺《长颈圣母》等,他们都是倾慕米开朗基罗和拉斐尔的古典风格而务求新奇的艺术家,他们有意识地追求某种极端的形式,热衷于用复杂的形象表达骚动不安的内心和压抑的情感。

  • 样式主义的特点:技巧十分精湛,但追求奇异刺激的效果,而不是宁静与和谐。往往采用不符合常理的幻想式构图,喜欢表现裸体,人体比例常常是夸张变形的。画面人物众多但姿势扭曲,迷恋透视法。色彩光怪陆离,更多是为了表现而非真实自然。主题晦涩,只有内行人看得懂。也正因如此,样式主义无法长久,最终被富有生机活力的巴洛克艺术所取代。

尼德兰文艺复兴


中世纪的尼德兰,包括现在的荷兰、比利时、卢森堡、以及法国东北部的一些地区。由于条件优越,尼德兰很早就成为了欧洲西北部重要的水陆交通中心,手工业发达,商业繁荣,也是欧洲资本主义经济十分发达的地区,因此文艺复兴时期的尼德兰也取得了辉煌的成就。尼德兰文艺复兴具有自己的特点,,一般是风格沉静肃穆、严谨写实、注重细节刻画,也注重画面的叙事性和寓喻性,虽多表现宗教题材,但明显地流露出对现实生活的热爱。至16世纪初,风景画和风俗画已发展成为独立的绘画载体。尼德兰还发明了油画材料和技术,直到15世纪时已经较为完善,有“欧洲油画故乡”之称。著名代表有 杨·凡·埃克老勃鲁盖尔等。

15世纪的尼德兰绘画:

  • 尼德兰画派:

大量的祭坛画与独副木版画。因为脱胎于中世纪哥特式艺术,总的倾向是:严肃、静穆、人物形象不够生动自然。但画家对世俗生活和周围环境的兴趣大大增加,作品中便不时体现出现实主义倾向。

  • 康宾:

尼德兰画派的主要奠基人,他长期在图尔奈工作,其代表作有《受胎告知》《耶稣诞生》等,虽然是宗教画,却通过某些细节的描绘,使画面流露出市民生活的情趣。当时在尼德兰还没有形成独立的风景画,他在《耶稣诞生》的右上角描绘了阳光下的美丽风景,有城堡、湖泊和道路,虽然这些风景并非实景写生,大多是假想,但从中可以看出后来独立形成绘画科目的风景画的端倪。

  • 扬·凡·埃克:

尼德兰画派的主要奠基人。是早期尼德兰画派最伟大的画家之一,也是15世纪北欧后哥特式绘画的创始人。更是油画形成时期的关键性人物。大部分的作品是宗教画,却突破了宗教画的传统技法。非常重视对人物性格与心理的刻画的,非常注意写实,细心研究了光和色的表现。对油画材料方面做出了重要贡献,在他的笔下展示了现实世界丰富多彩的景象和现实人生的生活,冲破了中世纪的禁欲主义,体现了人文主义观念,为尼德兰文艺复兴开辟了道路。代表作有《教堂中的圣母》《根特祭坛画》《阿尔诺芬尼夫妇像》

  • 《教堂中的圣母》:于1425年创作。刻画了无比亲切的圣母形象,体现了世俗思想和画家在描绘室内光线时候独具匠心的探索,使它成为了尼德兰早期室内画的代表,也是17世纪荷兰室内风俗画的先声。
  • 《根特祭坛画》:是根特市圣贝文大教堂的一组祭坛画,这是扬·凡·埃克与胡波特·凡·埃克于1432年共同完成的。平时两翼闭合,可以看到外侧,节日庆典时两翼打开,显现出内侧的画面,整个祭坛画内外侧共由23个画面组成。内侧中间的4个是主画面,上面中间为上帝,两侧为圣母和施洗者约翰,下面是祭坛画的主体部分《羔羊的礼赞》,画家热烈地赞颂了人类与自然、对现实世界采取了肯定的积极态度。
  • 《阿尔诺芬尼夫妇像》:这是一幅新婚夫妇的全身肖像画,也可以视为一副出色的风俗画,画家静心刻画了一对现实生活中的人物,他们宣誓对婚姻信守忠诚,表现了他们的内在情感,也表现了当时市民阶层的道德观念,这幅画被认为是“欧洲艺术中第一幅心里肖像画”。
  • 维登:

在维登成为画家并获得图尔奈市艺术家称号之后,于1450年去了意大利,备受欢迎和尊敬。意大利文艺复兴者称他为扬·凡·埃克以来尼德兰最优秀的艺术家。他的活动扩大了尼德兰画派在国际上的影响。在其存世的作品中,主要是宗教画,也有少数肖像画,其中以《一个青年妇女的肖像》最为出名,这位端庄、纯朴的女子则是尼德兰妇女的典型形象。

  • 扬斯:

15世纪中叶的北方,随着经济的兴旺发达,文化艺术也十分昌盛,以哈姆勒为中心形成了北方画派。其中最重要代表画家是德尔克·波茨扬斯。扬斯受前辈波茨的影响。

  • 《旷野中的施洗者约翰》:画家刻画了典型的尼德兰农民形象,还精心绘制了树木、动物和飞鸟作为画面背景,风景优美,展现出一片开阔的旷野笼罩着静谧、平和的气氛。
  • 《耶稣诞生》表现出了强烈的明暗对比。这一特点在17世纪的荷兰绘画中得到了充分的发展,扬斯是一位独创性的艺术家,甚至被认为是17世纪荷兰画派最早的奠基人。

15、16世纪之交的尼德兰绘画:

15世纪末16世纪初的尼德兰经济繁荣、资本主义生产关系进一步发展,意大利文艺复兴的先进文化也被介绍进来,人文主义思想在尼德兰知识界广泛传播,反封建的要求日益强烈,罗马教廷与天主教会的堕落也进一步暴露,社会产生了日益强烈的宗教改革要求。此时尼德兰进入文艺复兴盛期阶段,产生了诸如博斯等杰出绘画大师,与此同时,风俗画与风景画形成。

  • 博斯:

通过幻想式的漫画形象,开创了一种崭新的绘画风格,冲破了尼德兰传统绘画中虔诚肃穆的宗教气息,站在进步的人文主义立场上,把批判的矛头主要对准了天主教会,反映了宗教改革前人民群众反对天主教会、反对封建思想的情绪。写实性的表现手法同浪漫主义的表现手法相紧密结合,形成了博斯独特的绘画语言。代表作有《愚人船》《干草车》等。他对20世纪超现实主义有直接的影响,被誉为“先于文字的弗洛伊德”

  • 风俗画与风景画:

尼德兰风俗画形成于15/16世纪之交。

  • 马苏斯:

是风俗画的创始人之一,代表作《兑换银钱的人和他的妻子》生动表现了银行家的活动与生活。马苏斯常常与风景画家帕提尼尔合作,由帕提尼尔画风景,马苏斯画人物。

  • 帕提尼尔:

在帕提尼尔的作品中,风景占据了最主要的画面,为尼德兰风景画的形成做出了重要贡献。他的风景并不是实景写生,而是具有幻想式的全景图的特点和人为雕琢的痕迹,代表作《地狱湖风景》


德国文艺复兴


德国文艺复兴发端于15世纪,在德国美术史上将1420年左右到1540年这段时间称为文艺复兴时期。这个时期许多艺术家对人的生活环境和生活现象表现出关切、热心于描绘自然环境,人物的造型则强调真实感,凡此种种反映出了文艺复兴时期人文主义者肯定现实生活、肯定人性、歌颂大自然的倾向。

德国文艺复兴时期的绘画:

15-16世纪,德国经济得到显著发展,已经出现了资本主义生产关系的萌芽,但政治上仍处于封建割据的状态,从而导致阶级矛盾的尖锐,此时的德国,社会矛盾集中体现在反教会的斗争上。在强烈的社会风暴的冲击下,肖像画和风景画开始作为独立的画科出现,特别是版画达到了当时欧洲的最高水平。德国文艺复兴时期的美术作品以深刻严肃著称。此时期的绘画艺术家代表有丢勒、格吕内瓦尔德、老卢卡斯.克拉纳赫、多瑙河画派、荷尔拜因等。

  • 丢勒:

德国文艺复兴时期最伟大的艺术家,他多才多艺,学识渊博,不仅是油画家,还是铜版画家、雕刻家、建筑师、在建筑与绘画理论方面也有著作出版。丢勒继承了德国民族美术的传统,又广泛接触过南、北欧的进步文化,逐渐形成了自己的艺术风格,作品中充满了人文主义精神,即使在宗教画中也洋溢着对生活的热爱,塑造了真实、生动的人物形象。丢勒的故乡纽伦堡是当时德国重要的经济文化中心之一,有比较活跃与自由的空气。他曾精心创作自画像及德国当代人物肖像,这些肖像均刻画了资产阶级上升时期的人物,他们意志坚强,充满自信,同时还具有日耳曼人严峻、刚毅的性格特征。代表作有《自画像》《奥斯瓦尔德.克雷尔》等。在铜版画方面,丢勒的作品反映出更广阔的社会生活,是最早反映农民与下层人民生活的画家之一。铜版画代表作有《农民和他的妻子》《三个农民在谈话》《农民舞蹈》、《骑士、死神和魔鬼》等。

  • 格吕内瓦尔德:

是与丢勒同时代的伟大艺术家,但是关于他的生平资料极不完整,但可以明确的是他受宗教改革的进步思潮影响很大。他甚至被卷入1525年的农民战争中,《伊森海姆祭坛画》是他传世最重要的作品,也是16世纪德国艺术的瑰宝之一。

  • 多瑙河画派:

16世纪德国风景画形成,成为独立的绘画科目,多瑙河画派为此做出了巨大贡献。这个画派不是学院意义上的画派,确切的应称之为“多瑙”风格,标志着风景画的一种风格。多瑙河画派代表艺术家是阿尔特多费尔和胡贝尔。

  • 阿尔特多费尔:

所创作的《多瑙河风景》是德国绘画中第一幅没有人物的纯粹风景画。

  • 荷尔拜因:

1519年加入了巴塞尔画家公会,创作了大量的壁画、肖像画,祭坛画和书籍插画。最后成为了英国的宫廷画家。那个时代北欧最伟大的肖像画家,具有深刻观察能力、心理把握能力和细节刻画能力,且他的油画技法与尼德兰有共同性,在局部和整体的关系处理上达到极致,常常表现出描绘对象的高贵、静穆与专注,对英国肖像画产生了深远的影响,代表作有《在伦敦的法国使节》《亨利八世肖像》等。

德国文艺复兴时期的雕塑:

德国文艺复兴时期,雕刻由晚期哥特式发展而来,出现了一批杰出的雕刻家,这些雕刻主要是宗教题材,但表现出了较多的世俗因素,而且逐渐发展成为具有民族特色的宏伟纪念碑风格。代表艺术家有蒂尔曼.里门施耐德、维特.施拖斯、亚当.克拉夫特、汉斯.维藤等。


西班牙文艺复兴


14、15世纪西班牙美术:

西班牙地处欧洲西南部,历史上有很长一段时间受阿拉伯人的统治。西班牙文艺复兴从13世纪后半叶就显露端倪,14、15世纪是西班牙文艺复兴早期。早期文艺复兴美术主要产生于沿地中海一些经济发达地区,最主要的画派是加泰罗尼亚画派瓦伦西亚画派

  • 西班牙文艺复兴产生的条件:
  1. 一为国内条件,即西班牙长达数百年的反抗阿拉伯人的斗争逐渐取得胜利,这一胜利为西班牙文艺复兴提供了有利的环境。
  2. 二为国外条件,即意大利和尼德兰的文艺复兴对西班牙产生了影响,如14世纪意大利画家来西班牙访问,15世纪尼德兰著名画家扬.凡.埃克在西班牙受到加泰罗尼亚国王的热情招待等。
  • 西班牙文艺复兴的总体面貌:不同于意大利,它缺乏雄厚的人文主义传统,人文主义不能再西班牙扎根的原因在于西班牙的王权、贵族和教会的势力太大,资本主义的发展却又先天不足。由于宗教裁判所的干涉,美术中很少有裸体形象,特别是女性裸体的描绘。从绘画方面看,由于受艺术品订货人所支配,令创作题材集中于两方面:一是歌颂国王、贵族和帝国历史,二是描绘宗教故事。
  • 14世纪的西班牙绘画:14世纪的加泰罗尼亚画派最有名的画家费尔列尔.巴索被叫做”西班牙的乔托“。代表作《牧人来拜》《崇拜圣母》。
  • 15世纪的西班牙绘画:15世纪西班牙绘画得到了很大程度的发展,逐渐摆脱了中世纪绘画的影响,出现了第一批优秀的艺术家,例如瓦伦西亚画派的哈伊姆.费雷尔以及加泰罗尼亚画派的哈.乌格特,以及向意大利学习者波.贝鲁盖特等。

16世纪西班牙美术:

由于16世纪上半期西班牙政治统一,艺术中心也随沿海迁移至内地。整个16世纪西班牙艺术的发展可以分为两个时期:

  • 发展时期:1566年之前为发展时期,这时正是查理五世统治时代接受了大量的人文主义思想。代表艺术家有塞维利亚画派的阿连赫.费尔南德斯、瓦伦西亚画派的华内斯以及阿尔梅吉纳
  • 保守时期:1566年之后为保守时期,腓力二世继承了王位,他要求艺术要为巩固帝国服务。腓力二世大力扶持宫廷古典主义,以格列柯拿沃连吉科埃里奥为代表。
  • 格列柯:

是16世纪下半期西班牙地方画派中最著名的,其作品常常反映出苦闷、沉思、怀疑、骚动不安的情绪,这与他所处的社会和时代有关。格列柯怀才不遇,思想充满矛盾:他不满西班牙上层社会,也无法从贵族圈子里走出去和下层人民接触。他用一双悲剧性的眼睛注视着现实,正如美术史论家芬克斯坦所说:”在格列柯看来,周围的整个世界都在崩溃。“他笔下的人物和风景常常是变形的,这正是他激动不安的心情的反映。早期代表作有《奥尔加斯伯爵的下葬》,晚期代表作有《拉奥孔》、《揭开第五印》、《托莱多的风景》等。均别具一格地反映了西班牙的那个危机年代。

  • 《奥尔加斯伯爵的下葬》:是格列柯非常重要的作品,这幅画的意义在于它既表现了奇迹,又不完全相信奇迹,重在表现复杂矛盾的心情,这种心情也代表了画家本人的心情,他的作品好像不是把人引向宗教,而是引向社会,引向人们对社会的沉思。
  • 《拉奥孔》:是格列柯晚期的代表作之一,格列柯既是一位画家,也是一位哲学家,尤其是其晚期作品更表现出变形和躁动不安的特色。《拉奥孔》是一幅表达怀疑情绪和人生痛苦的作品,气氛极度悲剧感。此时的拉奥孔正在与毒蛇做死亡前的对话,面露悲壮之情。一对复仇女神站在旁边作壁上观,她们好像是历史的见证者。有趣的是画面的背景就是托莱多的风景,这表明如此悲剧就发生在人们的身边。
  • 格列柯肖像画:格列柯是一位传神写真的能手,擅于深入细致地刻画人物的内心世界,着重表现人物的眼和手,个性和职业特点,遵从真实的原则。
  • 格列柯的圣母形象:在优美的圣母像上包含着他对人生的追求,透露着人文主义的思想。

法国文艺复兴


14世纪的法国没有形成独立样式的美术,以教堂、住宅、诗集、福音书、盒子等装饰为主。15世纪,由于法兰西郡主们的爱好,使尼德兰文艺复兴沿着塞纳河,在第戎、里昂等地扩展开来,产生了卢瓦尔画派,其创始人是让.富盖,他被誉为”法国肖像画之父“。到16世纪产生了枫丹白露画派

  • 枫丹白露画派:

是16世纪活跃在法国宫廷的美术流派。弗朗索瓦一世大兴文化之风,从各地招募文化艺术人才,融合当地的哥特式传统,以意大利样式主义风格装饰其枫丹白露宫,注重绘画和装饰相结合,讲究线条韵味,追求技艺的精巧完美,具有浓厚的贵族文化气息,画派成就集中体现在枫丹白露宫以及内部绘画装饰,在制作技巧上注重绘画与浮雕结合,推动了绘画与工艺结合的趋势。代表艺术家有罗索普里马蒂乔卡隆古赞父子等。



17、18世纪美术



17、18世纪意大利美术


16世纪下半叶,意大利内忧外患,文艺复兴衰退。到16世纪末至17世纪初,意大利学院派艺术(威尼斯地区)、巴洛克地区(罗马地区)和卡拉瓦乔为代表的现实主义美术(伦巴底地区)在相互联系又相互斗争中产生,并回合于罗马,并最终以巴洛克艺术占上风。巴洛克艺术影响了洛可可和浪漫主义艺术,卡拉瓦乔现实主义的影响就更大了,不仅影响了当时欧洲各国的现实主义艺术,还对18世纪的市民艺术、19世纪的批判现实主义艺术产生了深远的影响。

17世纪意大利学院派美术:

  • 学院派:

欧洲的学院派美术最早产生在意大利,当时最著名的学院是博洛尼亚学院。大约建于1590年,其创始人是著名的画家卡拉奇兄弟。学院产生的原因之一是为了继承先辈大师的艺术传统,总结先人的经验,并在此基础上培养新的艺术人才;二是企图把年轻的艺术家引向所谓正路,使他们不受样式主义美术卡拉瓦乔美术的干扰。学院派的主张是力求定出一些法则,使人们遵循,如强调绘画中的最高标准是:米开朗基罗的人体、拉斐尔的素描、柯罗桥的典雅和风韵、威尼斯的色彩等。所以说学院派艺术一开始就具有折中主义的特色。由于过分强调法则,所以学院派画家比较保守、缺乏创新精神。其作品的题材也比较狭窄,大多描绘宗教或神话,而对世俗生活题材往往不感兴趣。在技法上偏重素描而轻视色彩。以上这些特点均为古典主义美术的发展奠定了基础。

  • 卡拉奇三兄弟:

分别是路德维奇.卡拉奇、阿格斯提诺.卡拉奇以及阿尼巴.卡拉奇三人,其中最为著名的是阿尼巴.卡拉奇,阿尼巴.卡拉奇擅长大型壁画 ,他为罗马法塞尔的风景宫所作的天顶画尤为出色,风格近似米开朗基罗,构图宏伟,人物生动。《酒神巴库斯和阿里阿德涅》就是这一天顶画中的一副,其古典主义风景画的代表作是《逃亡埃及路上休息的风景》。表现生活题材的作品有《吃大豆的人》、《肉店》。

卡拉瓦乔的现实主义:

  • 卡拉瓦乔:

是17世纪现实主义艺术的杰出代表,也是一位具有独特个性和风格的艺术家,被称为“第一个推开17世纪欧洲现实主义艺术大门的人”。卡拉瓦乔现实主义是与样式主义艺术、学院派艺术相对立的。卡拉瓦乔的艺术从不遵循古典模式,不承认任何既定法则,其旨趣是描写亲眼所见的真实,描绘生活中平凡的或下层生活中的普通形象。作品虽大多冠以宗教的标题,但极具世俗性,具有一定的民主色彩和社会批判因素。在表现手法上,卡拉瓦乔采用特有的“酒窖光线法”,这个手法后来被伦勃朗委拉斯贵支继承并加以发展,其代表作有《参拜圣地的圣母》《圣马太蒙召》等。

  • 卡拉瓦乔的影响:卡拉瓦乔是17世纪意大利现实主义的开创者,影响了17、18、19世纪整个欧洲现实主义美术的发展。他的追随者很多,例如鲁本斯、委拉斯贵支、伦勃朗等人。其中西班牙现实主义受其影响最大。

巴洛克艺术:

  • 巴洛克:

是17世纪广为流传的一种艺术风格。其名称含有贬义,是18世纪末古典艺术理论家用于嘲笑17世纪意大利艺术、文学风格而使用的。巴洛克艺术产生于16世纪下半期,盛期是17世纪,进入18世纪以后,除了北欧和中欧地区外逐渐衰败。巴洛克艺术虽然不是宗教发明的,但它是为教会服务、被宗教利用的。

  • 巴洛克艺术的特点:
  1. 具有豪华特色
  2. 具有浓郁的浪漫主义色彩
  3. 富有激情性
  4. 具有运动感
  5. 表现语言的综合性
  6. 具有浓厚的宗教色彩
  • 贝尼尼:

贝尼尼是意大利巴洛克风格中最著名的雕刻家、建筑师、画家。他和卡拉瓦乔完全不同,一生显贵,为好几代教皇服务,荣耀非凡。贝尼尼具有自由意志信念,有信心、能力与百年前的米开朗基罗抗衡;并主张把米开朗基罗的造型风格与提香的绘画风格结合起来,造型精确、富有力度;与此同时,贝尼尼还注重人物形象的情感因素表达,强调动感,是对意大利艺术风格传统继承性发展的第一人。代表作有《大卫》、《阿波罗与达芙妮》、《圣德列萨祭坛》、《四河》喷泉、以及圣彼得大教堂前的广场和柱廊。

  • 《阿波罗和达芙妮》:是一件脍炙人口的作品,这幅作品表现了两个处在运动中的人体,给与人轻盈、优美、乘风向上和如梦如幻的感觉,这件作品后来轰动罗马。
  • 《圣德列萨祭坛》:标志着贝尼尼雕刻的顶峰。这组雕刻由两个人物组成,一个是女圣徒德列萨,另一个是天使。这里虽然描写的是宗教传说,但贝尼尼却使其带有世俗色彩,旁边的包厢里雕刻着订货人卡尔纳罗一家,这件作品反映了作者的人文主义思想,表现了人类对美好生活的追求与渴望。
  • 《四河》喷泉:规模巨大、水池中央有一座假山,加上四周有四个巨型人像,分别象征着世界四大河流:尼罗河、恒河、多瑙河和南美的拉普拉塔河。喷水池里面的水是从四面八方隐蔽处喷射出来的,这是巴洛克建造喷泉的一贯手段。
  • 圣彼得大教堂前的广场和柱廊:贝尼尼不仅是天才雕刻家,同时也是著名的巴洛克建筑师。他在教廷任总建筑师时,曾受教皇的委托建造圣彼得大教堂前的广场和柱廊。这座广场是椭圆形的,面积约三公顷半,中间有一个方尖碑,两边各有一个喷水池。它与一个小梯形广场相连。广场的两侧有4排托斯卡柱式的巨柱,共计284根,气势雄浑。
  • 贝尼尼的评价及影响:贝尼尼的艺术不仅继承了文艺复兴人文主义精神的传统,也继承了希腊艺术的传统,他是米开朗基罗之后、罗丹之前最有才能的雕刻家之一,他一再告诫学生既要继承传统,又不能墨守成规。它有为宗教服务的一面,但又表现出强烈的世俗情结。他是个艺术全才,特别是在雕刻方面,丰富了雕刻的手段,技艺娴熟,擅长表现光和运动。他的局限性主要表现在:由于身居高位,在艺术创作上日益脱离生活。

意大利18世纪美术:

  • 绘画:进入18世纪,意大利各派艺术急剧衰落,这时只有威尼斯画派还继续保持了一定的繁荣。但仍然是流派繁杂,主要有晚期巴洛克、古典主义、罗可可和卡拉瓦乔等风格。此时的地方性画派代表人物有擅长表现光线变化的博洛尼亚画派克列斯比,具有浪漫主义和戏剧性色彩的热那亚画家阿芒雅斯科、以及专门表现下层人民的齐培尔等。
  • 雕塑:18世纪末最著名的新古典主义雕刻家安.卡诺瓦,是一个向19世纪艺术过度的人物。其作品除肖像外,多以神话题材为主,这些作品形式典雅、庄重、优美,所雕刻的人物具有线条圆润、流畅、静中欲动、姿态自然等特点。代表作有《丘比特之吻》等。

17世纪佛兰德斯美术


17世纪佛兰德斯的美术现象是错综复杂的,既反映出本国宫廷贵族、教会、商人的审美趣味,也反映了外来艺术的影响,如意大利威尼斯画派、博洛尼亚学院派、卡拉瓦乔现实主义,还有巴洛克风格,同时还体现着强大的尼德兰民族艺术传统的作用。这些因素相互融合、相互影响,形成了具有鲜明特征的佛兰德斯画派。形成了以巴洛克风格为核心的宫廷绘画,与与之相对应反映世俗等题材的世俗性绘画两大体系。

宫廷绘画:

  • 巴洛克艺术与弗兰德斯画派的关系:巴洛克艺术产生于意大利,突出表现在建筑与雕刻领域,而巴洛克绘画却在佛兰德斯宫廷绘画中获得充分发展,并达到辉煌的巅峰。佛兰德斯艺术家们在长期的艺术实践中使宏伟华丽的巴洛克风格同尼德兰传统绘画的诸多因素结合起来,形成了一种新的、具有浪漫主义倾向的独特画风,即巴洛克绘画风格:笔法自然流畅、色彩鲜亮华美、构图富有变化、形象生动自然。佛兰德斯画派以巴洛克风格为主,佛兰德斯画派的主将就是巴洛克绘画最杰出的代表鲁本斯。
  • 鲁本斯:

是佛兰德斯巴洛克风格的代表画家,誉满欧洲的绘画大师,他的创作题材广泛,对欧洲近代绘画产生了深远的影响。鲁本斯一生创作的作品数量惊人,题材十分广泛,有宗教画、神话画、历史画、风俗画、肖像画、风景画、动物画等等。鲁本斯的成功在于他将宏伟豪华的巴洛克艺术风格与尼德兰民族艺术传统融合起来,形成了装饰性很强的、具有浪漫主义倾向的独特画风:作品场面宏大,人体造型丰满雄健,造型粗狂豪放、笔触自由奔放,作品形象生动,色彩明亮,装饰性强,并富有一股澎湃的动势和热血涌动的激情,极具运动感、想象力和戏剧性。1615年到1620年,这是鲁本斯创作的关键时刻,产生了非常重要的代表作,此时的鲁本斯发挥丰富的想象力与大胆的创造精神,画了许多剧烈冲突的场面,也展示了画家驾驭宏大场面构图、众多人物造型和剧烈运动节奏的高超技巧,表现手法完全转向了巴洛克风格,其中重要的作品有历史画《亚马孙之战》、《强劫留西帕斯的女儿》等。他描绘的人体总是生机勃勃、健康丰满。在男性魁梧的身躯中蕴藏着巨大的生命力;女人体也几乎是同一类型:健壮而丰硕,甚至有点过于肉感,这完全取自于当时贵妇人的形象。

  • 《亚马孙之战》:描绘了希腊神话中一个勇敢善战的妇女部落与希腊人在一座石桥上奋勇拼杀的场面。千军万马不停地在桥上冲刷奔跑,天上的云和河的水都在翻腾咆哮,这般激烈运动的节奏给人以强烈的震撼,迸发出一种爱国主义与英雄主义的激情。
  • 《强劫留西帕斯的女儿》:是一件神话题材的作品,也是鲁本斯最优秀的代表作之一,描绘希腊神话中两个热情英武的孪生兄弟抢劫两个美貌娇艳的孪生姐妹为妻的故事。借古代所谓“抢婚”的风俗,用以歌颂勇士们对爱情的大胆追求,体现了画家的人文主义思想,肯定与赞美“人”与“人生的快乐”。他把抢劫与挣扎的动作作为构图的基础,人物姿态与手势的夸张性使画面十分生动而富有变化,两兄弟棕褐色与两姐妹白皙的皮肤形成色块的鲜明对比,色彩非常亮丽,装饰性与戏剧性达到完美的结合,充分体现出艺术家特有的驾驭复杂构图的能力和坚实的造型功力。作品在暴力的表象中讴歌生命的激情,而鲁本斯娴熟绘画技巧的运用增添了画面的艺术情趣和美感。
  • 凡.代克:

肖像画独树一帜,画面色彩亮丽,洋溢着优雅豪华的贵族气派,既显示了威尼斯画派对他的影响,也反映了鲁本斯那种巴洛克华丽风格对他的熏陶。他笔下人物形象是沉静而内省的,具有安详的面部表情,沉静的目光。因为主要描绘对象为宫廷贵族,所以形成典雅华贵的风格。画家还突破了英国传统肖像画比较呆板的构图,精心安排了人物的姿态以及手势并配以华丽的服饰,这使他笔下的人物具有高贵文弱的气质、偏偏优雅的风度。对18世纪英国最杰出的肖像画家雷诺兹、庚斯勃罗、劳伦斯等人的创作都有借鉴与启迪的作用。代表作有《查理一世行猎像》、《查理一世的三个子女》等。

世俗性绘画:

世俗性绘画主要是描绘普通人的生活、描绘下层人民形象的绘画艺术。代表艺术有约丹斯、泰尼尔等。

  • 约丹斯:

其描绘下层人民生活的世俗性绘画获得高度评价,其作画笔法自然、流畅、色彩鲜亮绚丽、画面气氛热烈,激荡着乐观主义精神,体现了巴洛克的艺术风格。他在反映民间生活的作品中,人物的形象和气质都不是贵族而是平民的,保持着纯朴的自然风貌,体现了鲜明的民族特征。代表作有《豆王节欢宴》、《萨提尔在农家做客》等。

  • 《豆王节欢宴》:表现了民间节日的狂欢景象。画面中热闹的氛围表现了佛兰德斯市民在庆祝节日时大吃大喝的生活情趣和豪放乐观的性格。所有的画面均安排得满满的,且采取了群像的近景特写方式,从视觉上拉近与读者的距离,使读者极易受到人物情绪的感染而引起共鸣。

17世纪荷兰美术

17世纪是荷兰绘画的黄金时代。17世纪的荷兰因为资产阶级革命的胜利而促使经济和文化的欣欣向荣,成为当时欧洲先进思想的中心之一。在这一时期,荷兰绘画摆脱了对宫廷贵族和天主教会的依附,开始为资产阶级和新兴市民阶级服务,用写实手法在作品中表现普通市民生活和自然风景等。作品具有生动写实、朴实亲切、通俗易懂、雅俗共赏等特点。绘画逐渐普及到中、小资产阶级和市民阶层中去。并成为一种商品大量进入市场。一方面使美术在反映现实生活的深度和广度上有了很大的发展,另一方面也使绘画在题材和体裁方面产生了专业分化,在肖像画、风俗画、风景画、静物画和动物画方面都取得了突出成就。其中,风景画、静物画也成为了独立的绘画课目,推动了欧洲美术的发展。 17世纪荷兰最重要的画家有伦勃朗、哈尔斯、维米尔以及风景画家雷斯达尔、霍贝玛,静物画家考尔夫、克拉斯等。

荷兰画派

  • 荷兰画派:

继承了15、16世纪尼德兰民族艺术传统,以写实、纯朴为特点,很少受到巴洛克风格的影响。由于荷兰人能够充分认识到自身的价值和能力,于是如何表达人的自尊心和自信心,如何反映人的现实生活,情感与愿望,成为了荷兰画派的艺术家们所关心的课题。它们把目光投向现实世界,描绘日常生活和熟悉的各阶层人物以及美丽的大自然。荷兰画家把现实生活作为艺术创作的来源,新兴的资产阶级和中下层平民开始成为绘画的重要角色,代表艺术家有哈尔斯、伦勃朗等。

  • 哈尔斯:

17世纪荷兰杰出的肖像画家,荷兰现实主义绘画的奠基人,他用流畅奔放、挥洒自如的大笔触表现出豪爽自信、形神换备、栩栩如生的人物形象。哈尔斯的肖像作品主要分为单人肖像画和团体肖像画两类。

  • 单人肖像画:多表现荷兰市民健康、愉快、充满生命力的形象,反映出革命胜利后荷兰人民朝气蓬勃的精神面貌。作品多选取半身近景构图,注意面部表情的刻画,善于表现人物的性格特征和心理状态,画面生动活泼,不矫揉造作。代表作品有《吉卜赛女郎》《弹曼陀铃的小丑》等,其中《吉卜赛女郎》的任务仿佛无拘无束自由生活着,使人联想到画面之外还有其他人物,构成一个情节,洋溢着浓郁的生活气息。
  • 团体肖像画:哈尔斯接受团体委托,创作了一系列团体肖像画。画面人物情绪高涨,气氛活跃,充满了荷兰人自信、自豪的时代气息。作品中人物安排错落有致,突破了传统的呆板、平整的布局,努力营造一种热烈的气氛。但不足之处在于由于订件者要求画面中每个人都要有平等表现的机会,从而导致画面缺少中人物和主题,代表作有《圣乔治射击手连军官的宴会》
  • 伦勃朗:

是17世纪荷兰最杰出的现实主义艺术大师,在肖像画、风俗画、历史画等多方面都有惊人成就,一生坎坷却始终坚持现实主义的创作道路,为欧洲现实主义艺术的发展做出了贡献,也使17世纪的荷兰绘画在世界美术史上放射出夺目的光彩。伦勃朗的作品皆取材于现实生活中实实在在的形象,即使描绘宗教题材,也将其世俗化、生活化。尤其擅长刻画人物的性格与心理特征,并将17世纪意大利艺术家卡拉瓦乔的酒窖光线法加以发展,形成了自己的独特画风。代表作有《杜普教授的解剖学课》《夜巡》,以及大量的《自画像》和铜版画等。

  • 《夜巡》:荷兰独立后,随着资本主义工商业的发展,带有风俗题材性质的团体肖像画应运而生。该作品创作于1642年,是一幅描绘阿姆斯特丹射击手连队的肖像,但艺术家突破一般肖像作品的表现手法,用主题性情节表现连队成员因执行一件紧急任务而出发前的情景。画面整体处理得富有戏剧性,人物动态各异、形象生动,明暗变化强烈,突出表现了不忘前人反抗西班牙统治者的英勇斗争,决心保卫祖国的英雄气概。作品打破了巴洛克风格的豪华与奢侈,确立了现实主义的艺术创作原则,在艺术性和思想性上具有不可低估的价值。
  • 肖像画与《自画像》:伦勃朗的肖像画生动传神,独具风采,更加接近普通的荷兰平民,体现了以纯朴和真实为其特点的荷兰民族气派。伦勃朗尤其擅长画老年人的肖像,即苍老的容颜和深邃的眼神,蕴藏着深刻的思想和生活哲理。伦勃朗还喜欢画自画像,透过他的众多自画像,可以看到这位大画家的生活历程,也可以了解他思想感情的变化:青年时代的形象开朗乐观、充满自信;中年的肖像显示出画家进入不惑之年的成熟与刚毅;晚年的面容已出现道道皱纹,眼神中却依然充满智慧与信念,只是增加了几分宽容和慈爱。

荷兰小画派

  • 荷兰小画派:

17世纪是荷兰绘画的黄金时代,除了哈尔斯与伦勃朗为代表的现实主义绘画大师外,还涌现出一批出色的画家,被称为“荷兰小画派”,得名原因有二:一是作品画幅比较小,适宜于市民阶层悬挂室内以装饰居室之用,二是不表现重大的社会题材,特别注重对生活细节的描绘,迎合市民阶层的审美趣味。风格朴实生动、雅俗共赏。多表现妇女梳妆打扮、弹琴唱歌、读书写信或做轻微的家务等,表现了荷兰艺术在蓬勃发展过程中的局限性。代表艺术家有霍赫、维米尔等。

  • 霍赫:

1655年加入德尔福特画家公会并转向风俗画。德尔福特画派特别注意表现自然光,描绘柔和阳光的室内景象。霍赫所表现的室内景象也具有这一特点,光线由门外或窗外射入,柔和均匀地漫洒在房间里和人物身上。他力求表现生机勃勃的愉快、温暖的气氛,喜欢用亮色,画面有偏暖的色调。继承了尼德兰传统绘画敦厚、朴实的特点。代表作《卧室》

  • 维米尔:

是一位风俗画家,又常常被看作是“荷兰小画派”的代表画家,作品流露出清新、恬静和诗意,以一种抒情的情调给人以美的享受。维米尔的传世作品近40幅,其中只有《德尔夫特风景》和《小巷》两幅风景画,数量不多,却展现了故乡美丽而宁静的风光。维米尔一生贫困,大部分作品却表现舒适、安闲的中产阶级家庭生活,表现周围熟悉的妇女,喜欢将通常的家务劳动诗意化。画面简洁,人物很少,大多只描绘一个妇女,其人物神情安详自然,衣饰朴实大方,维米尔特别喜爱使用蓝色和柠檬黄两种色彩组成和谐的色调,赋予画面以静谧、优雅的气氛。与此同时,画面往往有一扇敞开的窗子,明亮的光线从窗外射入,使室内充满轻柔和煦的自然光,维米尔极为出色地描绘了光的微妙变化,画面生动传神,充满宁静、安适的生活气息。《倒牛奶的女仆》《戴珍珠耳环的少女》《花边女工》是其代表作。

荷兰风景画和静物画的艺术成就

  • 荷兰风景画:

17世纪是荷兰风景画发展过程中的一个关键时期,形成了完全独立的风景画科。因为16世纪的风景在帕提尼尔和老彼得.勃鲁盖尔的大胆探索下,虽然取得了支配地位,但并没有使风景摆脱人物而存在,风景仍然是人物活动的背景。直到17世纪,人物形象只是作为风景的点缀出现或完全消失,风景画发展成为完全独立的绘画体裁。荷兰画派的艺术家们描绘了沙丘、海滩、风车、牛群、平坦的土地、茂密的森林这些典型的荷兰风光。无处不流露着他们对祖国秀丽山河的热爱之情,从而也为荷兰风景画的发展做出了自己的贡献。代表艺术家有杨.凡.戈因、谷波、维尔德、雷斯达尔、霍贝玛等。

  • 霍贝玛:

是17世纪荷兰风景画的典型代表,作品犹如优雅的田园抒情诗,在人们面前展示了荷兰乡村的宁静与美丽。那里阳光明媚、绿树成荫转动着的水车使静止的画面有了悸动的生命。

  • 《米德尔哈尼斯的道路》堪称举世闻名的杰作,独具匠心的构图使画面开阔而庄严,洋溢着明朗乐观的情绪,是一首大地的颂歌。
  • 雷斯达尔:

擅长表现湍急的河流、飞泻的瀑布、山间的城堡和荒凉的废墟。50年代形成自己独特的风景画风格:气势雄伟、激情澎湃、充满英雄史诗般的悲壮感。由于健康原因,他的创作生涯很短促,但却以其卓越的艺术成就被誉为17世纪荷兰最重要的风景画大师。

  • 荷兰静物画:

17世纪荷兰静物画发展成为独立的绘画科目,一些优秀的静物画家细心观察各种日常器皿、珍肴果品,对它们做了十分细致入微的描写,极为真实生动。代表艺术家有克拉斯、考夫尔、贝耶林等。

  • 考夫尔:

是17世纪荷兰最杰出的静物画家之一。


17、18世纪西班牙美术


17/18世纪的西班牙美术总体来说分为三个时间段:17世纪上半期、17世纪下半期以及18世纪。各时段的艺术大致情况:进入17世纪,昔日的西班牙大帝国日益衰弱,逐渐降为二等国。但是艺术上,美术人才辈出,在17世纪上半期出现了一个“黄金时期”,此时期的代表艺术家有里贝拉、苏巴朗以及委拉斯贵支。进入17世纪下半期,由于西班牙政治、经济的进一步衰退,西班牙美术的“黄金时期”就此结束。在马德里等地,古典主义逐渐抬头,并日益占据统治地位,唯一例外的是塞维利亚画派仍保持着繁荣。进入18世纪,艺术在西班牙完全跌入谷底,而后由戈雅打破了这种万马齐喑的艺术局面,使西班牙艺术重放异彩。

17世纪上半期西班牙绘画

17世纪上半期,西班牙进入了艺术史上的“黄金时期”。此时的西班牙是一个宗教法庭凌驾于一切的国家,绘画几乎完全被贵族和天主教会垄断。一方面,艺术家受到这种宗教文化的束缚,另一方面,他们也有种冲破束缚的巨大动力。由于绘画对象是贵族和天主教会,神话题材、风景画、静物画、风俗画很少,世俗题材以肖像画居多,大型壁画没有发展条件。总体风格受到意大利的影响很大,具有庄重、朴素、沉着的特点。

  • 西班牙美术繁荣主要有三个条件:
  1. 西班牙文学的有力影响
  2. 地方画派中现实主义力量的存在和发展
  3. 卡拉瓦乔艺术的影响
  • 波德格涅斯风格:

是西班牙的卡拉瓦乔主义,这一名词含有小酒店和小饭馆之意,来源于当时古典主义理论家的嘲讽。

  • 里贝拉:

作品直接受卡拉瓦乔艺术的影响,将社会的真实一面毫不粉饰地呈现在人们面前。里贝拉的宗教题材绘画具有世俗性,以《圣巴多罗买的殉教》《圣伊涅萨》最为典型。与此同时,里贝拉的肖像画是富有农民气质的肖像画,更加鲜明地表现了画家朴素、先进的美学思想,表明美和智慧来自于下层人民,虽以古代哲学家命名画作,但其形象是按照西班牙的流浪汉、农民画出来的,呈现出真实、自然、粗犷、豪放的特点,具有浓郁的乡土气息,代表作有《跛足者》《笑着的德谟克利特》等。

  • 《圣巴多罗买的殉教》:意在歌颂理想中的英雄,虽然画的是殉教,但却很少有宗教气息,画面的人物好像是那不勒斯的渔民,很是忙碌,正准备起航出海,这种世俗化正是卡拉瓦乔艺术的特点。
  • 苏巴朗:

塞维利亚画派的重要代表之一,是一位修士,他的艺术描绘寂静的僧侣世界。他的宗教画没有虚幻的景象,总是缺乏宗教气息,却充满了世俗生活地情趣,给人以朴素、亲切而真实的。其代表作有宗教画《圣玛格丽达》、《圣母的童年》

  • 委拉斯贵支:

17世纪西班牙最著名的宫廷绘画大师,他研究了意大利文艺复兴时期的作品,尤其是在提香作品中对色彩的运用对他启发很大,但对于他的艺术创作影响最大的是卡拉瓦乔现实主义。在他看来,真正的美和健康的力量来自于普通人民,所以他总是自觉或不自觉地以平民阶级的视觉去观察现实。17世纪30年代至40年代,是委拉斯贵支肖像画创作的重要时期,此时期的肖像画基本可以分为三类:一类是宫廷肖像,其次是亲友的肖像,第三类是表现下层人民的肖像。在表现上层人物的宫廷肖像中,其最大的特点是从不粉饰和美化,而是把上层人物内心的空虚和庸俗浅薄不加掩饰地表现出来,因此被称为“真理的画家”,代表作《教皇英诺森十世肖像》等。第二类是亲友肖像,表现的自然流畅、真实亲切,如《拿扇子的妇人》。第三类是表现下层人民的肖像,也是最具特点、最有价值的:其人物形象更加多样化,心理刻画深刻而又复杂;同时又真实生动,具有时代的特点,有时还包含对社会的批判意味,如《伊索》。此外,他还创作了宫廷丑角和侏儒,以强调他们悲惨的命运。晚年的代表作有《宫娥》《纺织女工》等。

  • 《教皇英诺森十世肖像》:这幅作品是委拉斯贵支1649年第二次去意大利时完成的,这幅作品既表现了教皇英诺森十世凶狠、狡猾的一面,又表现了这个76岁老头精神虚弱的一面。画面上,火热的红色调子表现了特有的宗教的庄严气氛,白色的法衣和红色的披肩形成了诱人的色调对比,笔触显得十分自由,表现了画家高超的技巧。
  • 《宫娥》:创作于1656年,是一幅有着风俗特色的宫廷生活画,在宁静的宫廷中,委拉斯贵支正在给国王夫妇画像,由于小公主玛格丽特的突然到来引起慌乱的场景。作品高达3米,画面中每一件物品都有实物大小,笔法精湛,毫不敷衍,质感、形体、空间、光线的处理都恰到好处。该作品有两个突出特点,一是它具有风俗性的特色,从生活情趣出发真实描绘宫廷中的日常生活;二是画家打破宫廷肖像固有的原则,并没有像传统绘画那样把国王夫妇摆在画面的中心,而是将他们摆在画面中的次要位置,这是对宫廷肖像画的一种改革,画面中的人物也没有呆板地排列在一起,而是处于自然状态之中。
  • 《纺织女工》:这幅画描绘了两个不同阶层的人物。一边是正在欣赏壁毯的宫中贵妇,一边是马德里皇家织造厂里的疲惫女工,这样的对比与艺术家当时不满的情绪有关,在这幅作品中,委拉斯贵支满怀激情地为纺织女工唱出了热情地赞歌。

17世纪下半期西班牙绘画

17世纪下半期的西班牙,其政治、经济进一步衰败,在艺术上,自委拉斯贵支去世之后,“黄金时期”也基本结束。这时在马德里,古典主义逐渐抬头,并且日益占据统治地位。17世纪下半期,唯一的例外是塞维利亚画派还保持着繁荣,以艺术家穆里略和莱亚尔为代表,在马德里画派中,以米兰达和柯耶罗最为突出。

  • 穆里略:

是17世纪下半期塞维利亚画派的重要代表之一,他是“黄金时期”艺术传统的继承者。他的艺术生涯受委拉斯贵支和凡.代克的影响。他的作品基本上可以分为两大类,一类是宗教题材画,强调世俗化的特点,表现人间的情趣。人们常称他为“西班牙的拉斐尔”,就在于他不仅擅长画圣母,而且他在圣母画中表达了一种人文主义的*莱亚尔: 作品充满了狂暴的力量,有象征主义和神秘主义的特点,这种骚动不安的艺术反映了人文主义思想的危机,也影射了17世纪下半期西班牙帝国的动荡和衰落。在画面上,他喜欢表现光,但这些光不是现实的光而是幻觉的光,是心灵之光。代表作品有《死亡的胜利》等。

18世纪西班牙绘画

18世纪西班牙处于低谷时期,这时期有大批的外国艺术家涌入西班牙,由于不了解西班牙人民的生活以及西班牙的传统,对西班牙的影响不大。真正打破18世纪艺术万马齐喑的是戈雅。戈雅的出现有着划时代的意义,不仅使西班牙的美术从18世纪末走上了一条富有创造性的艺术道路,也对欧洲的艺术产生了重要影响。

  • 戈雅:

是18世纪末19世纪初,西班牙出现的一位伟大的现实主义画家,被誉为欧洲浪漫主义美术的伟大先驱,是浪漫主义现实主义的大师。戈雅生活的时代,是西班牙处于君主专制政体最腐败的时期,教会势力横行,人民生活贫困,加之拿破仑帝国的入侵。戈雅用他的艺术反映自己所经历的社会变革状况。戈雅的画风奇异多变,从早期的巴洛克式风格到后期类似表现主义的作品,他一生总在变化,虽然他从没有建立自己的门派,但对后世的现实主义画派、浪漫主义画派和印象派都有很大的影响,是一位承前启后的过渡性人物。

  • 艺术特点:戈雅的艺术具有鲜明的民族特性现代性和实际的历史感。它的民族性表现在深深扎在西班牙的土地上,有着西班牙画家刚毅的气质,充满激情。同时,它直接继承了17世纪现实主义艺术的优秀传统。它的现代性表现在画家总是跟着时代前进,用自己独特的艺术语言传达时代的音符。戈雅艺术中的实际历史感表现在他把真实的历史展现给人们看。在描绘社会和历史事件的过程中,他总是爱憎分明,充满了战斗的热情。此外,在表现手法上,戈雅善于运用隐喻的讽刺手法,强化服装掩盖下的贵族气,使之与空虚的心灵产生对比。
  • 戈雅的创作:戈雅的世界观是充满矛盾的,他的一生都在向这个病魔的世界斗争,主要分为创作的转折时期与创作的热情战斗时期。创作的转折时期是指18世纪90年代,在此时,戈雅早期乐天无忧的情绪被愤怒和冷静的思考所代替,创作了不少亲朋和同代人的肖像画,如《穿衣的玛哈像》、《伊莎贝尔肖像》等,这些肖像都充满了时代精神,是对人类尊严和美的歌颂。但在此时期,戈雅最重要的代表作是《卡普里乔斯》、油画《疯人院》等,1808至1814年,戈雅的创作进入热情战斗时期,此时的西班牙经历了第一次资产阶级革命,而人民掀起了反拿破仑入侵,反贵族和宗教的斗争。其中最重要的作品是《1808年5月3日夜枪杀起义者》和大型铜版组画《战争的灾难》等。

17、18世纪法国美术


17世纪被法国称为“伟大的世纪”,是作为近代法国及西方革新的基础科学和哲学崛起的文明盛世,也是各种美术思潮席卷法国并发展为国际性文化风暴的变革时期,先后产生了巴洛克艺术、古典主义美术和反映市民生活的绘画。 18世纪的法国已经成为欧洲文化的主宰,由于财富的高度积累,皇家的富裕使得流行于宫廷的巴洛克艺术逐渐让位于罗可可艺术。与此同时,表现第三等级以及市民生活的绘画也大量出现。

古典主义

法国的17世纪被称为路易十四时代,这位称霸欧洲的君主不忘建立统一的官方艺坛。为国王及其精英服务的艺术把现代和古代思想、天主教和世俗思想兼收并蓄,并将现实描写带上神化的外表。它崇尚古典精神,表现出严正、高贵、酷爱秩序的特点。其主要画家都到意大利观摩学习,甚至长期居住,他们以希腊、罗马为典范,受到卡拉奇折中主义、卡拉瓦乔强烈对比的手法以及威尼斯色彩的影响。

  • 古典主义:

始于16世纪末17世纪初的意大利学院派艺术,17世纪时期在法国与颂扬王权的需要相适应,获得了高度发展,对欧洲美术的发展有广泛影响。古典主义美术重古代,以古希腊、罗马和文艺复兴盛期的艺术传统为典范,以历史、宗教和神话为题材,并赋予象征的内涵;重理性,强调纯客观的描写,排斥感情和想象,追求理想美。重典型,强调普遍的典型表现,排斥特殊个性的表现。作品一般具有高贵典雅、构图稳定和谐、造型严谨明确、色彩纯净明丽等特点;重素描,往往以线和轮廓为素描造型,讲求简练、明确、清晰地艺术语言以及形式的规范。17世纪法国古典主义代表艺术有普桑、勒布伦、洛兰等。

  • 普桑:

被认为是最正统的古典主义画家和“法国绘画之父”,作品取材于神话、历史和宗教故事。画幅不大,但是精雕细琢,力求严格的素描和完美的构图,人物造型庄重典雅,富于雕塑感;作品构思严肃而富有哲理性,画面冷峻中含有深情,具有稳定静穆和崇高的艺术特色。作品《阿卡迪亚牧人》《诗人的灵感》是其典型的代表作。其中《诗人的灵感》既崇尚古代艺术,又善于发掘自然的美,既服从感觉,又尊重理论,既有纯熟的技巧又有高昂的热情。

  • 普桑的影响:17世纪下半叶,普桑绘画的艺术形式成为法国皇家美术学院官方的标准,并且形成了一种官方的审美:普桑主义,反映了普桑绘画在法国具有巨大的影响力。因此,很多法国画家都探索和学习普桑绘画的艺术形式,比如大卫、安格尔等人。大卫的《求乞的贝利萨里》就是以“普桑的画法为榜样的。”大卫曾说:“如果在主题上我受到高乃衣的启发,那么,在绘画技巧上,普桑是我学习的榜样。”后印象派大师塞尚曾说“每次我从普桑那里回来,我便更了解我是谁。”塞尚画面中坚实的形体、几何形的结构,是普桑绘画艺术形式在一定程度上的映现。此外,普桑在英国及其他国家也产生了很大的影响力,普桑的构图、素描、色彩以及非凡的想象力影响了很多艺术家。普桑不仅继承了古典主义艺术的理想范式,更开拓了古典主义艺术的新境界。
  • 勒布伦:

是路易十四的首席宫廷画师,是皇家美术学院的领导者,在推行太阳王的文艺政策,提倡古典主义、左右社会趣味、确立学院派美术教育等方面均起着重要的作用,对法国美术走向有相当的影响。在美术学院普桑派与鲁本斯派之争中他支持前者,从而使学院的种种规范成为金科玉律,被一代代人沿袭下去。代表作《塞古埃大臣》宏伟壮观,画中人物春风得意,雍容华贵,服装与坐骑富丽堂皇,马两侧的两排随从安排得错落有致,动态神情极具变化。

  • 素描和色彩之争:发生在17世纪末的法国,从皇家美术学院内部开始,结果影响到整个18世纪画坛的风气。争论双方的领袖一边是路易十四的首席宫廷画师勒布伦,一边是他的继任者米涅尔。勒布伦推崇法国古典主义大师普桑,认为“启迪心灵的素描高于刺激感官的色彩”。米涅尔则标榜佛兰德斯巴洛克巨匠鲁本斯,主张“能够强烈表达人的感觉的色彩比素描更忠于自然”。勒布伦去世后,鲁本斯派占了压倒性优势,鲁本斯以及威尼斯画派的色彩大师提香、委罗内塞等成为法国画家争相追摹的对象,从而为法国画坛新风——罗可可绘画的出现开辟了道路。

罗可可

18世纪的法国绘画之所以取得公认的领先地位,是由于它的画家把握了时代的精神,步入繁荣的欧洲正需要对女性彬彬有礼的交际往来、巧妙幽默的言谈举止和更加轻松的艺术风格。

  • 罗可可艺术:

“罗可可”一词由法文单词而来,意为用贝壳、石子堆砌的假山。罗可可主宰了18世纪前半期,他以上流社会贵族男女的享乐为对象,描绘了全裸或半裸的妇女和精美华丽的装饰,趣味甜俗,具有纤巧、柔媚、华丽、精致的特征。由于法国国王路易十五的情妇蓬巴杜夫人是罗可可艺术最有力的保护人致使美化妇女成为压倒一切的艺术时尚,因此罗可可风格也被称为“蓬巴杜风格”。罗可可艺术虽不免浮华做作,缺乏对于神圣力量的感受,但却以法国式的轻松优雅使绘画完全摆脱了宗教题材。轻松愉悦、舒适豪华的场景取代了圣徒痛苦的殉教,从而使艺术转向反映现实生活方面迈进了一大步。代表艺术家有华托、布歇、弗拉戈纳尔等。

  • 华托:

作品多取材于戏剧,以理性驾驭感觉,运笔用色腾奇烁妙,树立了纤弱苗条的女性典型形象,并创造了一种绘画的新样式,即描绘盛装男女在大自然中聚会、游玩、谈情说爱等享乐场面的雅宴画。华托在这种极富想象力的景象中营造出梦境般的优雅气氛,但总是带有淡淡的哀愁。

  • 《舟发西台岛》:华托代表作。描绘了一群情侣依依惜别地离开神话中的爱情之岛,返回现实生活之中,每个人物的姿态都被赋予了同爱情有关的象征意义。
  • 布歇:

运用明亮的色彩和新颖手法削弱素描的明暗对比而加强色彩透明感,使古典神话题材尽力极妍,笔下的形象大胆近乎色情。代表作《沐浴的戴安娜》等。

  • 弗拉戈纳尔:

常常直接描绘上流社会贵族男女的风流韵事,笔法精巧,风格柔媚。与此同时,他常常采用大块的厚色,飞舞的笔触,创作了不少充满生活气息的作品。如《读书的姑娘》等。

  • 《秋千》,弗拉戈纳尔代表作,描绘了一个少女故意踢落鞋子,要为他荡秋千的男士去拾,在取悦妇女上可谓登峰造极。

反映市民生活的绘画

  • 勒南兄弟:

17世纪,勒南兄弟是法国古典主义之外另一倾向代表,他们的艺术受佛兰德斯和荷兰艺术的影响,以写实为主,直接描绘农民。三人在画面的签名均为“勒南”,其中以路易·勒南成就最大。路易·勒南的作品以描绘农村风俗为主,构图庄重,情节单纯,形象沉着稳定,主色调喜欢用灰绿、灰棕,并带有忧郁的情调,反映出一种人类尊严的崇高意识。代表作有《农民进餐》、《农民家庭》等。 18世纪,随着罗可可风格遭到猛烈的抨击,艺术的美化逐渐让位于再现生活,以理性反对自由放任,以回归自然反对矫揉造作的风俗画、静物画取代了装饰画、历史画。以格勒兹、夏尔丹为代表。

  • 格勒兹:

在1761年沙龙展出《乡村的订婚》大获成功,从而开辟了风俗画的新路。

  • 夏尔丹:

擅长画静物画和风俗画,善于在平凡中发现美、表现美,并以一种朴实、单纯的画风描绘市民阶层的日常生活,宣示了艰辛劳作,简朴诚实等美德。其作品笔调自然,质感逼真,使人感受到画中的温暖、生命、时代气息。代表作《集市归来》、《勤劳的母亲》、《铜水罐》等。有人把华托、夏尔丹以及莫里斯·康坦·德·拉图尔并称为揭开法国18世纪绘画新篇章的三巨头。



19世纪美术



19世纪的社会发生了巨大的变革,变革的标志是资产阶级在各国发动夺取政权的革命,先后确立了自己的统治地位。其中,法国于1789年爆发的大革命以及其后复辟与反复辟的斗争,1831年和1848年的资产阶级革命,其影响波及整个欧洲。而1871年巴黎公社的革命运动更表明无产阶级的崛起。法国不仅引领了19世纪整个欧洲的政治和思想斗争,而且在文学艺术领域掀起了新兴的思潮和运动,如新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象主义、象征主义等,也对欧洲其他国家产生了重要的影响。与此同时,日本浮世绘、英国风景画也反过来推动了法国画风的变革,促进了印象主义的产生。此外,19世纪的美国也开始向欧洲的主流靠拢,而俄国的批判现实主义美术与文学、音乐也在世界艺坛独树一帜。 19世纪西方美术的大趋势是从反映社会生活、推动社会变革到反映市民的世俗趣味,从崇高走向平凡,从严肃走向轻松。艺术家们更关注艺术语言的表现力,反叛学院和古典的思潮逐渐兴起。到19世纪最后30年,美术领域中更重视语言的表现性、象征性和抽象性,关注夸张、变形美和装饰效果。


19世纪法国美术


19世纪法国绘画在造型艺术中取得了压倒一切的地位。科学的飞速进步使人们既渴望发明创新,又不断地产生厌倦,这就造成欣赏趣味上的巨大差异,并形成新古典主义、浪漫主义、批判现实主义、巴比松画派、印象派、新印象派、后印象派等各派,大放灿烂之花的局面。

新古典主义

  • 新古典主义:

兴起于18世纪后半期,流行于19世纪前半期,在法国表现尤为典型,它与法国资产阶级大革命相结合,成为具有时代革命意义的美术流派。新古典主义美术仍保留古典美术的基本特点,但又根本不同,是古典主义美术的飞跃。它以古代理想美为典范,同时又从现实生活中吸取营养,它强调理性原则,同时又富于时代精神和思想热情,多表现历史题材和现实题材,借古喻今宣扬共和理想,直接表现斗争宣传英雄主义,正是这种现实性、时代性使之成为新古典主义,代表画家有大卫、安格尔。

  • 产生的背景:
  1. 首先是受到法国大革命与拿破仑的有力推动
  2. 罗马庞贝古城的大规模发掘掀起了古典主义美术热潮,德国艺术史家温克尔曼著《古代艺术史》
  3. 人们对劳民伤财、萎靡不振的罗可可艺术的反感和厌倦
  4. 新古典主义地学者式的热情与智慧适应了新兴资产阶级的价值观,尤其是他们的道德思想和社会意识。
  • 新古典主义与古典主义的区别与联系:

古典主义是新古典主义的过渡,在重视古代这一点上,它们有着共同的美学观点:重规律、重典雅、重素描、重传统等。新古典主义和古典主义都是文艺复兴在特定历史与特定需要下的继续。其不同之处在于古典主义强调回到古希腊去,要求的是资产阶级的个人主义,与封建主义有着对抗,艺术上倾向感官享受,没有题材限制,色彩与线条并重,体现典范的美学观,如和谐、明晰、严谨、普遍性和理想化。新古典主义则强调回到古罗马,公众利益至上,要求全社会的规范,为了祖国可以牺牲自己,与封建主义妥协,在艺术上要求理性的内容,以英雄人物和神话题材为主,强调素描造型的重要。

  • 大卫:

法国新古典主义的创始人,他是法国大革命时代政府的官方画家,革命的拥护者和参与者,随着大革命的到来,他的艺术倾向由表现女性的肉感变成了宣扬视死如归的坚强,主要从古希腊、古罗马的英雄人物故事中选取创作题材鼓舞革命。所以,在大卫笔下,无论是手持利刃的战士,还是披布于肩的哲人,无不刚毅坚强,勇于牺牲。其代表作有《荷加斯兄弟的宣誓》《苏格拉底之死》,无疑起到了推波助澜的作用。其代表作还有《马拉之死》《萨宾妇女》等。作为古典主义艺术大师,他在艺术界的影响极为深远,他的墓碑上写着“法兰西近代画派复兴者”。

  • 《荷加斯兄弟的宣誓》:是大卫的经典代表作之一,这是一件暗示共和、宣扬为国牺牲精神的巨幅作品,以三个圆拱门将整个画面分为三个部分。左边是在父亲面前宣誓的三兄弟,他们有着强壮的体魄、匀称的比例,以及大多以直线构成的形体和姿势。中间是手举武器带领儿子们宣誓的老父亲。右边则是由曲线和柔软姿势表现的几位妇女像。画面突出地显露出一种古罗马式的庄严感,男子的刚毅和女子的柔弱对比鲜明。尽管构图平淡,人物姿势过于戏剧化,但仍不失为一幅唤醒人们革命斗志和牺牲精神的具有鼓动性的作品。
  • 《马拉之死》:作者大卫带着崇敬的心情,以严谨而刚毅的写实手法,描绘刚刚发生的悲剧——革命者马拉被刺死在浴缸里的场景。其构图简洁单纯,人物造型追求纪念碑雕像效果,给人一种庄严肃穆的感觉,色彩的强烈对比更突出了马拉的英雄形象。该作品在当时法国大革命的背景中具有强烈的号召力,是画家一生中意义最大的肖像性历史画,也是新古典主义的典型作品。
  • 《萨宾妇女》:晚年的大卫对革命阵营内的自相残杀痛心疾首,于是创作了《萨宾妇女》,作品表现被劫掠后与罗马人结婚生子的勇敢地冲入战阵,以血肉之躯隔开如林剑戟,使自己的丈夫和父兄化干戈为玉帛的场面。
  • 安格尔:

是继大卫之后法国新古典主义美术大师,也是新古典主义最后的大师,19世纪上半夜法国画坛的保守派领袖,他强调理性的原则,重视素描和线条的作用,忽视色彩的表现作用,并反对直接表达感情和想象,其作品庄重、典雅、精美。追求“绝对的美”。安格尔对革命不感兴趣,是一位看重艺术形式,倾向于唯美主义的古典画家,他认为造型的形式美才是绘画的根本,其保守代表作有《瓦松平浴女》、《大宫女》、《泉》等。与此同时,由于时代潮流的影响,他的艺术还带有一些夸张的浪漫情调。

  • 《大宫女》:安格尔精于观察,对形体的追求以现实为基础,但这并不妨碍他进行夸张。《大宫女》通过拉长人体,加强线条的流动感和近似平涂的笔法,创造出接近东方美的新趣味。
  • 《泉》:是安格尔众多人体作品中最杰出的一幅。《泉》中女孩的造型在整体上是遵循古希腊雕刻的原则,但更为细腻微妙。画家严格遵守比例、对称的原则,女孩的形体姿态遵循古希腊创造的S形曲线美。《泉》是安格尔一生追求的美神,也是他一贯倡导的“要拜倒在美前去研究美”的典范。《泉》把古典美与写实的现实美完美地结合起来。这幅画的奥秘在于画家表现了人体姿态从不平衡到平衡的变化,他抓住了人体内部结构微妙的关系,女孩身体的曲线运动中展示出了一种类似水波的曲线,这种身体的曲线使得那从水罐里流出来的直线型水柱相形见绌。古典主义画家从不表现人物的个性,这幅画充分体现了古典主义的精神和技巧。因此,画中人物面部毫无表情,这更加强了女孩“无邪”的神态。身体的动势表现出开放与禁锢的双重意义。

浪漫主义

19世纪上半叶,法国经过大革命的洗礼之后,资产阶级的地位逐步确立,人权思想深入人心,尊重个性、强调自我、注重个人情感成为新的时代风尚。这时尽管新古典主义在艺术界仍占有优势,但它所崇尚的那种不变的美的模式和对客观对象的执着研究,同时代精神格格不入,成为束缚艺术发展的陈腐教条,代之而起的是强调主观情感、追求个性表现的浪漫主义艺术。早期的浪漫主义受到拿破仑的压制,1814年3月,联军进入巴黎,4月6日拿破仑下召退位,路易十八随即登上王位,路易十八为了缓和第三等级和拿破仑党人的不满情绪,在意识形态领域实施较为宽松的政策。但时局仍让人不满,是资产阶级人士感到失望,借以抒发胸中的积愤。与此同时,还受到了德国海涅、英国雪莱和拜伦浪漫主义诗歌,以及西班牙戈雅艺术和英国风景画的启发与刺激,在复辟年代里,一些苦闷的知识分子在文学和艺术上顺势掀起了浪漫主义运动,代表艺术家有热里科德拉克洛瓦

  • 浪漫主义:

是19世纪在法国掀起的新的文化思潮。“浪漫”意为虚构、传奇,浪漫主义分为积极浪漫主义和消极浪漫主义。法国浪漫主义反对官方学院派,突破了古典主义美术的束缚:在题材上,艺术家倾向于中世纪或异国情调的东方题材、悲剧性题材和文学题材,在造型方式和颜色技法上,使用了鲁本斯、罗可可的具有起伏感的表面和不对称的程式,主张创作自由和艺术独创性,重视表现艺术家的个性、情感和想象,并善于用象征、寓意和夸张对比的手法,通过对剧烈运动感和强烈的情感来表现激烈奔放的感情。此外,法国浪漫主义美术还注重与时代精神、社会斗争相结合,成为了积极的浪漫主义。

  • 热里科:

是法国浪漫主义的开派人物,其成就在于热里科的艺术是由浪漫主义向现代迈进的关键一步:他率先向文艺复兴的古典传统挑战,扩大了视觉再现的方式,认识到由于传统再现方式的束缚是艺术家常常处于被动地位。自此,艺术个性化、能动创造性和艺术自身价值逐渐有了主导地位。代表作是《梅杜萨之筏》

  • 《梅杜萨之筏》:1816年,“梅杜萨”号军舰由于指挥者无能,触礁沉没,军官乘救生艇逃命,并对试图登艇的士兵开枪。义愤填膺的热里科当即创作了巨幅油画《梅杜萨之筏》。该画采取金字塔式构图,右下角是已经被浸泡变色的尸体,左边是抱着儿子的遗体,衰弱的无力动弹的老水手,第三组人是坚持了14天的幸存者,他们发现了海平面上的一点帆影,正在把最健壮的一个黑人推到高处挥舞衣衫。这幅巨作首次在英国展出时,便被人视为浪漫主义的伟大宣言。
  • 德拉克洛瓦:

是法国杰出的浪漫主义画家,有浪漫主义的狮子之称。他情感丰富,知识广博,有多方面的才能,还擅长音乐,有较高的文学修养。他美妙的日记,成为了他所生活的时代的记录,在艺术理论上德拉克洛瓦也颇有建树,德拉克洛瓦把热烈的感情视为艺术的生命,认为艺术家应当把感情从一切理性法则中解放出来,应当去认识和洞察理性之外的秘密,他相信灵感的作用,具有丰富的形象力。他以动态对抗静止、以粗犷对抗极端工整、以强烈的主观性对抗过分的客观性,以光和色对抗素描。色彩成为绘画的主要问题:以无穷的变化对抗僵化完美、以人物的个性化对抗严整的类型化。德拉克洛瓦用色彩笔触淹没了造型的轮廓,摒弃了对象的雕塑感,现实的美丑皆可入画,以此对抗高贵雅致。代表作有《但丁之舟》、《希阿岛的屠杀》、《萨达纳巴尔之死》、《自由引导人民》等。

  • 《但丁之舟》:是德拉克洛瓦这头浪漫主义之狮的第一声狮吼。其创作源自德拉克洛瓦看到热里科的《梅杜萨之筏》时所受的感动催化而成。冥河里荡漾着不详之波,炼狱中闪现着熊熊烈火水中的鬼拼命而徒劳地扒着船帮,希望回到阳界。作品部分保持了古典主义的传统,加强了色彩的表现力,形成了色彩的音响效果(两种或多种色彩对比交响的效果),并首次发现了补色原理,开创了现代色彩的观念,即冷暖对比。
  • 《希阿岛的屠杀》:1824年是美术史上划时代的一年,吉洛德和热里科相继去世,使当年古典与浪漫之争的代表变为安格尔和德拉克洛瓦,而后者的《希阿岛的屠杀》标志着浪漫主义盛期的到来。画家取材举世瞩目的事件,表现希腊人民所遭受的凌辱。土耳其骑兵把希腊妇女拖在马后,婴儿在已被折磨致死的母亲身上爬来爬去寻找乳头。悲天悯人的艺术激起了对被压迫者无限的同情。
  • 《自由引导人民》:这时的德拉克洛瓦想象力达到顶峰,象征着法国的浪漫主义到达了顶峰。作品取材于1830年法国七月革命,表现了硝烟弥漫的巷战场面,以一个象征自由的女神形象为主体,她高攀三色旗,手持上了刺刀的步枪,率领着起义者冲锋陷阵,逼人的氛围和枪林弹雨的场面仅在五六个人物上得以体现,具有高度的概括和夸张能力。画面气势磅礴,色调炽烈,用笔奔放,具有强烈的感染力。画家以奔放的热情歌颂了这次工人、小资产阶级和知识分子参加的革命运动。高举三色旗的象征自由神的妇女形象突出地体现了浪漫主义的特征。

批判现实主义

宗教对于解决当代社会问题的无能为力和科学技术在社会实践中的应用,使人们对进步充满深刻的信念,渴望在艺术中看到自己生活的时代。1848年的一代画家也都具有求新的要求和直接观察的兴趣,热爱即刻可及的现实。故1848年到1870年是现实主义大放光彩的时代。

  • 批判现实主义:

盛行于19世纪中后期,欧洲乃至世界美术史上具有广泛影响的美术思潮,在欧洲各国均有重要的成就,它是在同僵化的官方艺术和浪漫主义美术斗争中发展起来的,既反对古典主义的因袭守旧和理想化,也反对浪漫主义的虚构和脱离生活,以描绘生活真实为最高创作原则,提出了描绘当代生活和自然风貌的主张,具有真实性、思想性、批判性和民主性等特征,表现手法质朴、深沉,以法国和俄罗斯的成就最为突出。在法国,以库尔贝、米勒、杜米埃,以及巴比松画派卢梭、杜比尼等艺术家为代表。

  • 库尔贝:

是美术史上第一个公开打出现实主义旗号的艺术家,故被称为现实主义的旗手。1855年,在他交送世界美展的11件作品中,最重要的两幅《奥尔南的葬礼》和《画室》落选,他撤回全部作品,自租场地举行“现实主义——库尔贝40件作品展”。库尔贝是一位画路极其宽广、手法极为多样的大师,不管是风景、静物,还是肖像、动物,亦或是农村、城市,他的画作如同他所宣称的那样,“我要根据自己的判断,如实地表现出我所生活的时代的风俗和思想面貌。”

  • 《奥尔南的葬礼》:堪称绘画中的“人间喜剧”。挖掘工、死者的亲朋好友、维持治安者、法官、公证人、教士、市长都得到了入木三分的表现。虽然除了个别人物外,他们都是例行公事,表示哀悼,无任何其他表情、动作,构图基本上把所有人安排在一条直线上,库尔贝却能把画面组织的引人入胜,而且对各个人物的心理都颇具匠心的考虑,把他们的奸诈、贪婪、虚伪都毫不留情地揭示出来。源自生活的真实美摧毁了新古典主义的理想美,也摧毁了浪漫主义的夸张美,代表了个体主义的时代精神。
  • 《画室》:是库尔贝生活环境的集中反映,画面中有他最好的朋友——为现实主义而战的评论家和画家,有各种年龄的模特儿,有象征人民的罢工工人和爱尔兰妇女,还有一个正在聚精会神地观看画家创作风景的小孩儿。这些毫不相干的人被安排在一个画面之中,没有任何做作之处地概括出这幅画的副标题:我的十年生活。
  • 米勒:

在美术史上,是一位典型的农民画家,一方面源于他出身于农民家庭,一方面在于其创作题材主要是法国农村生活。米勒的这种充满同情的真实描绘获得了深刻的社会意义:是表现劳动人民“真正的人性”的“伟大诗篇”。画面整体和谐统一,艺术语言平静,造型概括且有雕塑般的力度,情调含蓄,色调浑厚,苍茫沉寂,给人以质朴凝重,感情真挚动人的印象。所塑造的农民形象崇高庄严,富有纪念碑意义,充满庄重和人道主义精神,在形式上,追求浑然一体的表现效果和画面整体的和谐统一。其代表作有《晚钟》《拾穗者》等。

  • 《晚钟》:是世界上最普及的艺术作品,这是19世纪法国批判现实主义的代表艺术家米勒定居于巴比松村后的创作。它描绘了一个平凡而耐人寻味的生活场景:在暮色苍茫中,随着远方教堂晚钟的钟声,一对年轻的农民夫妇垂首祈祷。其主题不单是对命运的谦恭和柔顺,更重要的是人们缅怀在大地上辛勤劳动,流尽汗水以养育众生的农民。米勒在法国绘画中确立了真实反映农民日常生活和艰苦劳动的新型风俗画,而《晚钟》便是这一主题的佳作。
  • 《拾穗者》:是现实主义风格的典型代表,画面描绘了农村秋收之后,人们从地里捡拾麦穗的情景。米勒采用横构图,让纪念碑一般的人物出现在森林尽头的旷野上,三个穿着粗布衬衫和沉重木鞋,费力地弯下腰,在收割过的田里寻找遗落麦穗的农妇成为了画面的主体,他们分别戴着红、蓝、黄色的帽子。画家没有做任何的美化,甚至都看不清他们垂向地面的脸,但却歌颂了劳动的神圣。
  • 杜米埃:

是反映城市生活的巨匠,杰出的政治讽刺画家,批判现实主义的代表,既有版画也作油画,代表作有《三等车厢》、《高康大》、《立法肚子》。

  • 《三等车厢》:描绘乘坐在火车第三等车厢的一批普通乘客,通过对乘客面貌的刻画表现了法国底层人民生活概貌和思想,充分诠释了画家对劳动人民命运的关心。
  • 罗丹:

是法国19世纪杰出的现实主义雕刻家,从《塌鼻梁的人》开始,就以生活为基础进行创作。他把传统人像雕塑单指某个人的做法改变为面向人类的共性,如《思想者》是指整个人类的思索。罗丹追求美的本质与自然的爱,认为艺术与宗教,与对自然的爱是同义语,其雕刻中体现了美的本质——即生命。他关心空间的丰富性,表现上的写意性与雕刻与环境的关联性等。其作品强调了雕塑刻痕的使用,赋予其美学价值,加强了不同光线下的特殊美感。代表作品有《青铜时代》《地狱之门》《思想者》《巴尔扎克纪念碑》等。

  • 《思想者》:罗丹采用了现实主义的手法来表达人文主义精神,雕像人物俯首而坐,把右肘放在左膝上,手拖着下巴和嘴唇,目光下视,表情痛苦地陷入沉思、冥想之中。罗丹用此形象表达了但丁对于地狱中的种种罪恶以及目前眼下的人间悲剧进行思考,在对人类表示同情与爱惜的同时,内心隐藏着苦闷以及强烈的思想矛盾。相对于罗丹其他的雕像作品,沉思者被认作主观能动性的寓喻而被广泛认知,也被世界各地广泛运用。
  • 巴比松画派:

是19世纪中叶法国写实主义的画派,也是典型的法兰西民族风景画派,因该画派的画家生活在巴黎东南方的巴比松而得名,该画派的画家厌倦都市生活,向往回归和赞颂大自然,专心描绘平凡的法国乡村风景,采用“对景写生”的方式力图真实再现自然景色,强调户外生动自然的效果,作品流露出率直、质朴之情,对后来的印象主义画家产生了重要影响,代表艺术家有卢梭、杜比尼、柯罗等。

  • 卢梭:

画风沉郁浑穆,尤擅描绘树木的性格和森林沼泽的深邃。代表作《橡树林》出色地刻画了阳光下的草地和在浓重树影中嚼草饮水的牛群,兴趣盎然,美不胜收,他对空气感和光的探索,对同一景致在不同时刻的气氛变化所做的研究,更是为印象派的出现开辟了道路。

  • 杜比尼:

是对印象派影响最大的巴比松画派艺术家,因为他首先研究外光,去捕捉天光云影,暮色晨曦。作品《奥尔特沃兹的水闸》以瑰丽的天色取代了透明的山岭,赢得了“画水的贝多芬”的美誉。

  • 柯罗:

他被有些评论为巴比松七星,他忠于自己的眼睛,形成了一种抒情诗一样的艺术,以《孟特芳丹的回忆》为例,画面像是一首梦幻曲,婀娜多姿的巨树舒展开臂膀,带着朦胧的树冠,伸向天穹。湖泊、草地都蒙上了一层轻纱,暗部突破了传统的沥青色,发出神秘的紫灰振响。

象征主义

  • 象征主义:

约19世纪末在法国和西方各国出现的一种思潮。19世纪下半叶的一个重要特点是:诗歌向着绘画靠拢,绘画向着诗歌飞跃。象征主义就是这一特色的代表,同时是对当时的社会生活感到不满的一种反应,但是他们却不敢面对现实,更不愿直接表达自己的意思,于是他们采用象征、寓意的手法,在幻想中虚构另一个世界,抒发自己的愿望,于是就产生了近代象征性的艺术风格。象征主义流派强调主观、个性,并以心灵的想象创造某种带有暗示和象征的神奇画面,他们不再把所见到的事情真实地表现出来,通过特定形象的综合来表达自己的观念和内在的精神世界。 法国是19世纪绘画艺术的中心,在法国象征主义的主要代表是摩罗夏凡纳雷东。象征主义在欧洲各国均有表现。

印象主义

进入19世纪,法国的社会繁荣、发展与萧条现象矛盾而统一地共存着。在社会政治思想方面,由于马克思《资本论》、达尔文《人类起源》、麦克斯韦《电学和磁学论》以及尼采《悲剧的诞生》等问世,导致文学艺术不可避免地具有双重性:与传统风格相联系的一面和追求标新立异的一面。印象主义、新印象主义、后印象主义、象征主义等就是这样一些有双重性的艺术思潮和流派。他们从不同的方面以新的视角真是地、科学地描绘客观世界(包括光和空气氛围),描绘艺术家身边的现实,表达他们的感性和理性认识。当然在这些新的潮流中,也不可避免的会有“颓废”的成分——在创作中舍弃崇高的理想。 欧洲艺术从传统形态向现代形态的过渡,经历了印象主义、新印象主义和后印象主义。虽然19世纪先后出现了古典主义,浪漫主义和现实主义的潮流和风格,他们都具有不可否认的革新意义,但从印象主义起,欧洲艺术的现代风采方显端倪:它们开辟了绘画语言的新天地,它们用新的技巧展示了客观世界和人们主观精神世界的丰富性,它们拓展了人们的审美领域,他们为艺术家发挥个性提供了新的可能等。无论是内容还是形式,都发生了巨大的变革,革新的锋芒愈加明显,从而引发了20世纪初对传统艺术的全面突破,出现崭新的面貌,但同时也孕育着新的危机。

  • 印象主义:

是个松散的艺术团体,没有明确的纲领,在19世纪60-70年代以创新姿态登上法国画坛,其锋芒是反对陈陈相因的古典画派和陷入矫揉造作的浪漫主义,谋求艺术的创新与自我发展:在现代科学技术(尤其是光学)的启发下,注重绘画中对外光的研究和表现,作品大多记录的是瞬间的印象,为捕捉稍纵即逝的生活场面和自然景象,他们故意不求构图的完整性,而追求偶然和率直的效果,进而忽视物像的形,这种忽视物体的持久而永恒的形,醉心于色和光,必然为绘画的形式主义和抽象开创先河,使绘画变革向着现代主义方向迈出了重要一步。由于侧重视觉印象和光色效果,其轮廓线减弱,外形朦胧和模糊,进而排除黑色、运用纯色,追求色调的高明度。与此同时,提倡户外写生,根据直接的观察和感受,描绘阳光下的物像,表现微弱的色彩变化,更多地注意语言本身。代表艺术家有马奈、莫奈、雷诺阿、德加、西斯莱、毕沙罗,以及美国的女画家卡萨特等人。

  • 马奈:

是最早打破传统的棕褐色调,使画面明亮、有外光新鲜感的画家。早期印象主义画家团结在马奈的周围,形成了与官方沙龙相对应的集团,并举办展览,自称为“无名的画家、雕塑家和版画协会”,但是马奈却从未参加过任何异界印象主义的画展。27岁创作的《苦艾酒的嗜好者》反映了人生的黑暗面,也表示了他对学院传统的反叛。此画强调光影对比,少用中间色调,用直接写生画法画成,瞬间效果突出,色彩精炼而丰富,尤其注重黑色的作用。而后又创作了《草地上的午餐》和《奥林匹亚》,均是用严谨写实的传统方法画出来的,具有世俗精神的作品。但因为构思的大胆和手法的新颖而遭到官方沙龙的拒绝。

  • 《草地上的午餐》:马奈印象主义的代表作品,将拉斐尔的女神和乔尔乔内的仙女换成了女模特儿,其中一个裸体,一个半穿衣服。她们和两个衣冠楚楚但显然又“放荡不羁”的波希米亚艺术家在树林中消遣娱乐。此画把人物置于同一类树木茂盛的背景中,中心展开了一个有限的深度,与前景中三个人组成的古典式三角形构图的顶点。画面清新、淡雅,技法上抛弃了人们所习惯的光滑用笔,而且不借助线条而是用色彩造型,与此同时,还运用了强烈的色彩和明快的平透色彩,从而彻底改变了传统的厚涂法,使画面变成了二度平面:主题上一反常态地表达对古典绘画常见的教化和情感主题的讥讽与挑战。
  • 莫奈:

是最典型的印象主义画家,也是早期印象主义的创始人之一,被誉为“印象派之父”。印象派的理论和实践大部分都是由他推广的,莫奈突破传统的题材和构图,以视觉经验的感知为主要出发点,以原色作画,造成强烈的效果,且富有写意性,有印象主义特有的率直和某些神秘色彩,其最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法,在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影,也看不到凸显或平涂式的轮廓线。莫奈观察景物细致入微,对光线的变化十分敏锐,于同一场景可以画出十几副作品来,以表现不同的天气和光线。代表作有《印象.日出》、《草垛》、《鲁昂教堂》、《睡莲》、《野罂粟》等。

  • 《印象.日出》:莫奈的这幅油画描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景,多种色彩赋予了水面无限的光辉,并非准确地描画使那些小船依稀可见。作品真实地描绘了法国海港城市日出时的光与色给画家的视觉印象。由于它突破了传统画法的束缚,批评家路易.勒鲁瓦就借用此画的标题,讽刺以莫奈为代表的一批要求革新创造的青年画家为“印象主义”,这一画派以此得名。这幅画在1874年开幕的印象派画家第1次联合展览会上展出,是莫奈画作中最具典型的一幅。
  • 《睡莲》:是莫奈晚年最重要的作品系列。1880年后,莫奈与印象派的其他画家疏远,他在吉维尼造了一座小花园,并住在里面作画。他喜欢把水与空气和某种具有意境的情调结合起来,这样就产生了《睡莲》组画。莫奈把整个身心都投在这个池塘和他的睡莲上面,睡莲成为了他晚年描绘的主题,长达27年。
  • 雷诺阿:

最主要画妇女肖像和裸体,充满欢乐的气氛和感情色彩,画风更具温柔的诗意情调。代表有《包厢》、《煎饼磨坊》、《阳光下的裸女》等,其中《煎饼磨坊》采取多人物的构图,轮廓线减弱,色彩处理柔和,画面有令人陶醉的梦幻感。

  • 德加:

他的画风没有迎合世俗的味道,在技法上也做各种试验和探索,是使用多种技法和材料的艺术家,擅长画历史画、肖像画和风俗画,尤其以画女工,着衣和沐浴的女模特儿以及芭蕾舞演员出众,抓住一瞬间的动作,呈现出色彩温暖,轻快和鲜明的画风,代表作有《预演》、《苦艾酒》、《熨衣妇》等。

  • 西斯莱:

风景画家,法国印象主义运动的核心人物之一,曾受库尔贝影响,更崇拜柯罗。他善于安排细节和处理画面,看似不经心,却富有抒情的诗意。他的画风变化和缓,不像莫奈、雷诺阿那些起伏较大。代表作《阿尔让特伊的塞纳河》。

  • 毕沙罗:

唯一参加过8次印象派画展的人物,他的思想比较激进,有空想主义的色彩。他把绘画上的革新与思想的自由解放联系在一起

新印象主义

  • 新印象主义:

产生于19世纪末的法国,“新印象主义”一词是由改派的理论家费内翁在美术杂志《现代绘画》上首次使用,其含义是追求绘画中的光和色的表现上进一步发展的,新印象主义发展了印象派的光色原理,但认为印象主义的作画方式过于感性,他们主张以光学科学的原理和理性分析来指导艺术实践,“制造有秩序的合理的美”,并给转瞬即逝的光和色以永恒的形式,是对印象主义的修正和科学化。该画派作画多采用色彩分割理论和色点的形式,是对印象主义的修正和科学化。该画派作画多采用色彩分割理论和色点的形式,因此,也被称作“分割主义”或“点彩派”。新印象主义在某些方面恢复了绘画中物象的具体性和实在性,但由于过分注重法则,使绘画丧失了直观的生动性。代表艺术家有修拉西涅克

  • 修拉:

新印象主义的创始人,仅活了32岁。普法战争期间参加过国民自卫军,1881年退役后专事绘画。有广泛的兴趣和爱好,研究过美学和光学,并从现代光学理论中演绎出色的色彩分割法,即在画面上使用小块的纯色,不在调色板上调混颜料。这样,中间色是在观赏者的眼中自然混合而成的,这种方法使颜色的调和达到最鲜明的效果,增强绘画的色彩对比度,开创了绘画的新境界。他特别注意色彩和线条的运用,具有艺术表现的理念化和秩序感,虽然在技法上明显地保存着印象主义的特点,但整体效果比印象派更简练概括。最典型的代表是《大碗岛星期天的下午》。1887年之后,修拉越来越注重用一种图式来表达自己的观念和情绪,作品的理性精神很强,反映出某种程式化的倾向,这时期代表作有《骚动》、《游行》、《马戏团》等。

  • 西涅克:

生卒于巴黎,家庭富裕,艺术道路顺畅。21岁时便参与了独立派画家协会,首次展出自己的作品并结交修拉,两人密切合作,很快便奠定了19世纪末最重要的艺术运动——新印象派的理论基础,即著有《从德拉克洛瓦到新印象主义》,并团结了毕沙罗、克罗斯等志趣相投的人。此外,西涅克还是一位航海家,他游历并画下了法国所有港口,作品多为水彩画,铅笔的线条和震颤的色彩交织在一起,运笔自然而流畅。西涅克的油画作品,力求达到他所谓的“最和谐、最明亮、最多彩的艺术效果”。代表作有《威尼斯水上城市》、《科恩卡尔港》等。

后印象主义

  • 后印象主义:

这个词在20世纪20年代之后普遍使用,它被用来泛指印象主义之后观念和实践上与印象主义相左的艺术潮流,从本质上说后印象主义是对印象主义的否定。后印象主义直接影响了20世纪法国画坛的两大新思潮:注重画面结构的立体主义(受塞尚影响),以及注重色彩、线条动力和节奏的野兽主义(受梵高和高更的影响)。代表艺术家有塞尚、梵高、高更,他们从各自的角度,探讨艺术表现的本质。

  • 塞尚:

后印象主义的典型代表人物,反对印象主义因迷恋外光和色彩而破坏物像的实体结构和持久感,并在深入研究自然中专注于物质的具体性、稳定性和内在结构的表现。不同于印象派画家用快速作画的方法捕捉表面印象,塞尚对色彩与明暗作沉着而深入的分析,他遵从的是古典艺术的原则,声称自己是从自然中学习普桑的做法。他对物像体面结构的研究暗示了之后的立体主义理论。塞尚用色彩的团块表现法来描绘物像的体积、深度,用色彩的冷暖关系来造型。他用几何因素构造的形象结构厚实、严密,给人以沉重、压抑之感。但又充满结构、色彩的美和诗意。由于他无视传统的素描、色彩和透视,故而引起20世纪绘画艺术走向偏离,开启了具象的解构和抽象的建构。所以被称为“现代派之父”

  • 梵高:

是后印象主义情感表现的代表人物,他对印象主义的反对表现在更加侧重于精神性的表现,同时,梵高还反对分割色彩,大胆地采用平面的鲜明色调,并注重线的作用。即在画面中,更加注重提高色彩的强度、明度和张力,把色彩和线的表现力提高到一个新的境界,追求单纯感和表现力,充满对生命的爱,倾诉了内心强烈的感情。梵高在19世纪末欧洲艺术情感表现的浪潮中成为登峰造极式的人物,对挪威画家蒙克德国表现主义画家影响深远。代表作静物画《向日葵》、室内画《夜间咖啡馆》、风景画《星空》等。

  • 高更:

属于综合主义象征主义原始主义的代表人物。高更主张舍弃细节及特征的描绘,把感受加以压缩,强烈而集中地表现印象、观念和经验三者的综合,从而使艺术具有有力感和率直性,并且具有普遍的象征意义。这些观点为后来的“综合主义”奠定了基础。1891年,他到南太平洋法国殖民地塔希提岛居住,1901年,又迁到多米尼各岛,并病故于该岛。期间,他从土著人的生活和文化中吸取营养,并把土著人理想化,创作了许多表现土著人的神秘、庄严、痛苦的作品。高更的艺术活动反映了欧洲艺术回归原始、追求生命本源,追求奇异、粗犷的倾向,与文学中象征主义的思潮一致,因此,高更被称作是法国绘画中象征主义的首领。高更还吸收了东方绘画、黑人雕刻、中世纪宗教艺术和民间版画的一些手法,创作了一种有内在力量的装饰性画风,代表作《我们从哪里来?我们是谁?我们到哪里去?》是他在女儿出世之后创作的。


19世纪德国美术


19世纪德国经历了从封建主义到资本主义过渡,结束了长期的领土分裂与专制制度的小国割据,成为中央集权的国家,社会生活的大变革也促进了美术界的变化,艺术家由主要服务于教会和贵族逐渐转为自选题材进行创作。19世纪下半叶,尤其是30年代德国开始工业革命之后,人们日益重视社会现实生活,于是在19世纪40年代,德国出现了现实主义美术的复兴,50年代至70年代经历繁荣期,产生了不少颇有影响的艺术家。此外,德国还出现了“德国-罗马派”、象征主义以及外光派等艺术流派。

浪漫主义

19世纪的德国,在北方以德累斯顿为中心聚集了一些信仰新教的画家,以弗里德里希为代表,他们的创作以风景画为主,因此称为早期浪漫主义风景画家。在南方维也纳有一些信仰天主教的年轻画家组成了路加兄弟会,他们后来到了罗马,被意大利人称之为“拿撒勒派”。

  • 弗雷德里希:

与英国著名风景画家康斯太勃尔、特纳一起被称为风景画新道路的开拓者。他的风景绝不是对大自然景物的单纯模仿,也不是脱离实际的主观臆想,而是将自然的真实写照与艺术家的内心感受融为一体,赋予风景画以深层的内涵。代表作品《台岑祭坛画》被视为弗里德里希创作风格的宣言书,于1808年圣诞节对外公布展出,立即引起了保守派的公开指责,并掀起了一场保守派与坚持浪漫主义创作原则的革新派之间的争论,最终以弗里德里希的胜利告终。

现实主义

19世纪30年代,德国开始了工业革命。随着经济与科学技术的发展,人们日益重视社会现实生活,于是在19世纪40年代出现了德国现实主义美术的复兴,19世纪50年代至70年代经历了繁荣期,产生了不少颇有影响的艺术家,其中以门采尔最具代表。

  • 门采尔:

19世纪德国最杰出的现实主义绘画大师。门采尔在绘画领域的众多门类里都作出了杰出的贡献,即作版画插图,也绘制油画,他的素描、速写更是生动传神。他选取的绘画题材十分广泛,反映了各阶层人物的生活,真实而深刻地表现了他所处的时代。代表作有《轧铁工厂》,以油画形式反映现代工业生产最初阶段的代表,歌颂了产业工人的创造力,也揭示了紧张劳动的艰苦与残酷。

德国-罗马派:

是19世纪60年代至70年代德国新出现的一个画派。以费尔巴哈为代表一批艺术家不愿适应资产阶级观众口味而逃离德国的现实,他们迁居罗马,认为在那里仍然存在古代文化的氛围。他们喜欢选取古希腊神话为绘画题材,创造了具有古典色彩的、高贵自尊的理想人物。

象征主义:

19世纪80年代,欧洲出现了象征主义文艺思潮,强调艺术家的主观创造。此派的画家多用象征、比喻的手法表达自己的感情、想象,具有神秘色彩。这些作品脱离现实,但也反映出当时欧洲一部分知识分子对现实的不满,感到无出路的世纪末状态。德国象征主义以勃克林(在德国从艺的瑞士人)为代表。

外光派

19世纪下半叶,在德国出现的新流派、新风格中,尤以外光派绘画成就突出。利伯曼、科林特以及施勒福格特并称为19世纪德国三大外光派画家。

  • 利伯曼:

是一位优秀的外光画家,也是一位杰出的现实主义大师,许多作品都是以普通劳动者为主人公,表现出鲜明的民主倾向,相当深刻地反映了19世纪下半叶德国的社会现实。以《拉伦的纺纱女工》为代表。


18、19世纪英国美术


18世纪以前,英国本土并没有出色的一流美术家,也没有自己的美术学院,这一局面一直持续到18世纪上半叶,才出现了英国历史上有影响的艺术家,他就是荷加斯。荷加斯是肖像画家,而肖像画作为英国200年来唯一的绘画题材和样式的格局,也在18世纪被打破了。因为此时期欧洲的浪漫主义、古典主义、象征主义、唯美主义等各流派、思潮逐渐被介绍到了英国画坛并逐渐取得了成就,其中以风景画最为突出。

18世纪英国肖像画

18世纪的英国绘画,以荷加斯、雷诺兹、庚斯博罗等人为代表。

  • 荷加斯:

是18世纪上半期最杰出的油画家、版画家和美学家,被称为“英国绘画之父”。从荷加斯开始,英国产生了反映英国现实生活和人民思想感情的画家,并形成了英国独特的风格。荷加斯的主要作品是铜版画和油画风俗组画及肖像画,代表作《妓女生涯》、《浪子生涯》、《文明婚礼》等,这些作品被称为“社会道德题材”,以连环画式的形式呈现故事情节,对当时社会不公正现象进行深刻的揭露和辛辣的讽刺,因此这些作品有讽刺风俗画之称。荷加斯的肖像画不同于当时流行的理想化肖像,他善于突出人的个性和社会特征,如《卡拉姆肖像》等。与此同时,荷加斯还是一位理论家,著有《美的分析》一书。

  • 雷诺兹:

1752年回到英国后成为了英国最负盛名的肖像画家。雷诺兹是最典型的上流社会画家,英国传统的贵族气派和新兴资产阶级的绅士风度被他用意大利古典主义风格融为一体,引起整个欧洲的注目。他的作品具有巴洛克的气质,形象真实生动,色彩富丽堂皇,注重心理刻画。其主要的美术理论文献《演讲录》,内容包括艺术见解和美学观点,被当时人称为“艺术的语录”。代表作有《蒙哥马利三姐妹》

  • 庚斯博罗:

是和雷诺兹齐名的画家,同时也是竞争者。庚斯博罗是英国画派在色彩上较有成就的画家,尤其擅用蓝色,罗斯金称他是“鲁本斯以来最伟大的色彩画家”。他的肖像画具有罗可可的艺术特征,色彩绚丽精致,用笔潇洒流畅。他的风景画不多,但对以后英国风景画的形成有很大的影响。代表作有《蓝衣少年》等。

18、19世纪英国浪漫主义

英国浪漫主义绘画在英国美术史中属于历史画范畴,主要表现在以古代神话、圣经故事和文学作品为题材的大型情节性绘画中。代表艺术家有弗塞里、布莱克等。其中,弗塞里的作品中具有哲理性,素描和油画都保持了复杂的结构,代表作《梦魇》、《弥尔顿画廊》等。

  • 布莱克:

英国浪漫主义画派最重要的人物,同时也是英国文学史上的一位著名诗人,他主要的艺术活动是应书商要求制作书籍装帧和插画。他同情法国大革命,对英国现实抱批判态度,也带有浓厚的宗教情绪,作品蒙上神秘主义的色彩,代表作有《耶和华创造亚当》、《怜悯》等。

英国风景画

  • 英国风景画:

英国风景画的发展是英国美术史上最重要的事件,它对整个西方美术的进程都发生了影响。英国风景画的真正奠基者是威尔逊和庚斯博罗。他们在意大利古典主义和荷兰自然主义风景画的影响下,富有感情地描绘英国的自然风光,使风景画由不为人重视的地位发展为与肖像画、历史画比肩,代表英国风景画最高成就的是特纳与康斯太勃尔。

  • 透纳:

英国绘画史上最杰出的天才之一,他的风景画是人与自然的史诗,画面抒情奔放,充满激情。他改变了传统绘画的叙事性,用自然光色去表达感情。作品大胆采用独特的构图与缤纷的色彩,造成如梦如幻的景象。其作品中贯穿着他的哲学思想,即面对大自然的永恒壮美,人生的历程是短促而虚幻的。因此,大自然在他的笔下具有雄伟的戏剧性力量,表现手法充满浪漫主义的激情,代表作有《奴隶船》《国会大厦起火》等。

  • 康斯太勃尔:

英国十九世纪著名的风景画家。他主张直接向自然学习,人的精神应与自然保持一致,在技法上,他抛弃传统油画的棕褐色调子,发展了油画技法,让自然的草木恢复本来的色彩,作品真实、纯朴、充满生气。他的技法在法国产生了很大的影响,德拉克洛瓦把他誉为现代风景画之父。他的风景画是现实主义风景画的典范。其代表作有《干草车》《麦田》《奔马》等。

拉斐尔前派与伦敦印象派

  • 拉斐尔前派:

19世纪中期,一群英国绘画青年,对英国绘画中片面重视肖像画和风景画的情况不满,也不满作品中单纯追求华丽、缺乏想象的市侩趣味,于是,决心改革艺术,并主张回到拉斐尔之前的时代去,于1848年成立拉斐尔前派兄弟会。之所以称为“拉斐尔前派”,是因为他们认为文艺复兴全盛时期以前的诗歌和艺术都是尽善尽美的典型,而文艺复兴盛期的艺术则包含过多的肉欲,不利于社会的道德教育。因此他们以但丁和乔托为偶像,作为创作的表率。作为一种艺术思潮,拉斐尔前派在欧洲美术史上最先反映出现代工业文明给人民带来的精神上的困惑,它包含的象征主义和唯美主义因素对欧洲19世纪末象征主义艺术产生了很大的影响。代表艺术家有罗塞蒂、亨特、米莱斯等,其中,罗塞蒂是拉斐尔前派的核心和灵魂。

  • 伦敦印象派:

“印象派”一词在英国的概念里,是指任何与批评家传统观念和观众的传统欣赏习惯相悖的方法和风格。1886年在伦敦成立了英国新艺术俱乐部,其目的是集合一批与皇家美术学院不合的青年画家,以西克特和斯蒂尔为核心的10人小组,举办了独立的画展,名为“伦敦印象派”。伦敦印象派标志着英国现代艺术的开端。体现现代艺术精神的是西克特,他的艺术追求反映现实社会中的天然、质朴为特征,这种特质只存在于下层生活中。他的艺术观超出印象派的纯绘画性而带有很强的社会性,他的理论和实践影响了英国一代青年画家。


19世纪美国美术


18世纪的美国人大部分时间都忙于荒野奋斗以求生存,到了19世纪,他们在这些斗争中获得胜利。对大自然的一种怀旧和浪漫的情绪便油然而生,这样风景画开始在美国流行。以美国南北战争为界限,标志着美术艺术开始走向全面的成熟时期,无论是风景画、肖像画,还是风俗画方面都出现了一批掌握纯熟绘画技巧,充分展示自我个性,并且能深刻反映美国人民现实生活和思想情感的艺术家。在殖民时期最重要的画家,也是美国本土培养出的第一个伟大的画家是科普列

哈德逊画派

  • 哈德逊画派:

19世纪下半期,一批风景画家以哈德逊河沿岸风光为题材作画,形成了一个没有统一形式的画派,被评论家惠特里奇定名为“哈德逊画派”:这标志着美国美术开始摆脱欧洲的影响,显示出自己的品格,因此哈德逊画派也被称为美国风景画派。此派画家反对“理想化”、“浪漫化”风格,以画笔描绘所生活地区的风景,表达对祖国大自然的热爱之情。其创始人是科尔,并以杜兰德、英尼斯等人为代表。

  • 霍黙:

是19世纪下半叶美国美术步入全面成熟时期的代表,也是美国第一代风俗画家。霍默早期从事版画创作,主要描绘美国人民乐观的性格,充满生气,在构图和造型上都有一种临场效果,动作的随意性、构图的不完整性为其特征,这与当时版画的新闻性有关。南北战争是霍默艺术的转折点,他作为美术记者随军采访并且根据战地速写画了一批反映战争生活的油画,代表作有《前方来的俘虏》《鹰头、曼彻斯特、马萨诸塞州》等。其晚年在缅因州海岸画的反映渔民生活的画面,气势磅礴、感情深厚,成为美国精神的象征。

此外,这一时期还有伊肯斯卡萨特赖德等艺术家。其中,伊肯斯是第一个接受美国当代都市生活的重要艺术家,并从中创造出有表现力的艺术,他使美国的现实主义传统走向成熟,代表作《泳湾》;萨金特是一位肖像画家,运用着严格的现实主义手法,赖德则是美国19世纪最重要的浪漫主义画家。


19世纪俄罗斯美术


19世纪下半叶,俄罗斯美术在革命民主主义进步思潮的影响下,形成了强大的、进步的艺术思潮,如巡回画派的创立,以及莫斯科绘画、雕刻、建筑、学校对人才的培养等等。

巡回展览画派

  • 巡回展览画派:

19世纪下半叶俄罗斯美术最重要的进步团体和批判现实主义美术的典型代表,其正式名称为“巡回艺术展览协会”,简称巡回画派。该画派以在俄罗斯各大城市巡回展出而得名。创建之初有15位画家,他们遵循别林斯基车尔尼雪夫斯基的美学原则,站在民主主义的立场上,反映人民生活、历史事件和俄罗斯美丽的大自然,坚持批判现实主义的艺术原则,在反映社会现实和扫除农奴制残余的社会变革运动中发挥了进步作用,同时也使俄国美术发展到了一个新的时代。该画派重视作品的民族性、思想性、教育性和艺术性的结合,在风俗画、历史画、肖像画、风景画等领域均有突出成就,其中风俗画继承揭露性传统的同时,主题更加深化和开阔,从表现压迫者与被压迫者个别人之间的冲突转向表现整个阶层之间的冲突;历史画题材中进行的改革对发展民族美术发展有重要意义;风景画题材的发展中,探求民族风景的创作道路取得了极为显著的成就。代表画家有列宾、苏里科夫等。著名的艺术评论家斯塔索夫是理论上的支持者,企业家和收藏家特列洽柯夫是经济上的支持者,克拉姆斯柯依是巡回画派的组织者和思想领导,表达出启蒙主义思想。

  • 列宾:

代表了巡回画派现实主义艺术的最高成就,他擅长各类题材,但始终坚持创作的是以人民的作用为基调的纪念碑式的绘画,如《伏尔加河上的纤夫》;历史画题材方面,具有鲜明突出的历史人物性格,如《索菲亚公主》、《伊凡.雷帝杀子》;肖像画方面,均是19世纪下半叶俄罗斯文化、科学、艺术处于民主主义高涨时期的人物写照;政治风俗画方面,以《不期而至》为代表。

  • 苏里科夫:

在历史画领域具有高度成就的俄罗斯民族画家。代表作《近卫军临刑前的早晨》《缅希科夫在别廖佐夫》以宏大的场面,生动地刻画了众多人物形象,借历史事件影射沙皇对人民群众镇压的现实,获得艺术界的高度评价。巡回展览画派因此吸收他为正式会员。其后又创作了《攻陷雪城》、《叶尔马征服西伯利亚》、《苏沃洛夫越过阿尔卑斯山》等。直到晚年因为观点分歧离开巡回展览画派。其重要作品还有《女贵族莫洛卓娃》、《公主访问女修道院》等。



20世纪美术



二战前的西方现代艺术与流派


欧洲传统艺术一直存在两种倾向,即重理性精神和重情感表现,在现代主义艺术中也有所表现。后印象主义画家塞尚(重视理性)梵高(强调情感)分别成为现代主义的两种趋势。

现代主义美术

  • 现代主义美术:

被泛称为“现代主义”或“现代派”的美术,包括20世纪初以来的具有前卫和先锋特色,与传统美术分道扬镳的各种美术思潮和流派。18世纪以来欧洲哲学中重视个人人格、尊重个人创造性和主体性格的“主体论”,在进入20世纪之后得到更大的张扬。此外,艺术品的供求关系也发生了变化,即艺术品开始走向市场,除出现独立于官方沙龙展览外,还出现了艺术经纪人和私人赞助者、私人画廊等。在美术理论方面,流行“绘画不做自然的奴仆”、“绘画摆脱对文学、历史的依赖”、“绘画语言自身的独立价值”、“为艺术而艺术”等观念,是现代主义美术体系的理论基础。现代主义美术在对待社会、人、自然和自我的关系上失去了平衡,关系是扭曲的。从法国后印象主义开始,即已明显地追求语言的抽象性、表现性和象征性,至20世纪初,这种趋势扩展到欧洲其他国家,但中心仍然在巴黎。这些荒诞、寓意和抽象的语言,主要表现现代人(包括艺术家自己)的精神创伤和变态心理,以及对现实生活消极、悲观、失望的情绪,具有强烈的个人主义和虚无主义。

  • 必然性:一是资本主义社会工业迅猛发展,机器时代到来,改变了人们的生活方式,也改变了人们观察和思维的方法。首先,人们对宏观世界和微观世界的认识,对时间、空间的认识有了质的变化;其次,东西方文化艺术品的交流,尤其是东方艺术品涌入欧洲,也给欧洲艺术家以许多启发。再者,对学院派只重技术的精湛而使艺术表现力贫乏的不满,导致艺术家回归原始,以恢复艺术的活力。二是由于各种艺术的融合与借鉴,从精心完成的鸿篇巨制转向未完成的小稿,追求一种未完成的“残缺”美。

野兽主义

  • 野兽主义:

又称野兽派,诞生于1905年的巴黎秋季沙龙展,因其参展画家粗野狂放的画风被批评家路易.沃塞尔贬斥为“野兽”,从而得名,是西方现代主义的第一个流派。该画派强调用扭曲夸张的形体、狂放的笔触、鲜艳刺目的色彩平涂和鲜明自由的轮廓线造型,并保持画面的平面感和装饰性,尤其强调色彩的表现力,属于泛表现主义的范畴。野兽主义是一个松散的艺术团体,没有共同的行动纲领,于1908年左右解散。主要成员有马蒂斯、佛拉芒克、德安、杜菲、卢奥、唐元等。野兽派的意义在于其回到了梵高、修拉提出的色彩理论,即把主题抽象化,把颜料与其描绘作用分离,这影响了德国表现主义;与此同时,他们超越了后印象派大师,认为绘画既要有表现力又要有结构性。

  • 马蒂斯:

是野兽主义的主将,研究非洲土著雕刻和近东阿拉伯的艺术,对他的新画风产生了影响,他追求原始格调,富有幻想意味,并用快速、粗放有力的笔触造型,以纯粹的色域组织画面,使画面充满律动感。与此同时,他还放弃传统的明暗造型法,吸收东方和非洲艺术的表现手法,富有表现力和装饰性。马蒂斯把绘画比作“安乐椅”,供人消遣和赏心悦目。他说他“梦寐以求的是一种和谐、纯粹而又宁静的艺术”。在他的画面里,有一种特有的阿拉伯饰纹,色彩绚丽,线条流畅,富有表现力和装饰性。代表作有《红色和谐》、《生命的快乐》、《舞蹈》等。

  • 《红色和谐》:是马蒂斯成熟时期的代表作。该作品创作于1908年,描绘的是女主人正在往餐桌上摆放果盘的家庭生活场景,但实际上作品的主题已经微不足道。作品采用了红、绿等鲜艳颜色对比,造成强烈的视觉冲击力,并将画面的三维立体空间向二维平面压缩,强调造型的平面化、单纯化和装饰性,给人以赏心悦目的美感。

立体主义

  • 立体主义:

活跃于1907年至1914年。得名于1908年布拉克在卡恩韦勒画廊展览,评论家路易·沃塞尔在《吉尔·布拉斯》杂志上评论说“布拉克先生将每件事物都还原成了立方体”。立体主义是一个富有理念的现代艺术流派,被看作是现代主义的“分水岭”。它主要追求一种几何形体的美以及形式的排列组合所产生的美;强调多视点的观察方式,把不同视点所观察和理解的形体统摄于一个以表达时间的持续性;主张以平面的、二度空间的画面代替传统绘画的三维立体空间。立体主义的主将是毕加索和布拉克,其他典型代表有格里斯、莱热等。该画派的意义在于空间处理的新观念的建立,是20世纪艺术中抽象与非具象绘画流派的直接源泉。立体主义思潮不仅影响了20世纪西方绘画的发展,而且还有力地推动了西方现代建筑和艺术设计的革新。

  • 立体主义的分期:立体主义主要有两种风格,即分析立体主义综合立体主义两个阶段。分析立体主义注重将一个对象分解成多个视角的几何切面,并加以主观重叠、组合,形成抽象的、支离破碎的形体结构;综合立体主义则利用多种素材的组合和实物拼贴的手法创造一个新的母题,使艺术接近生活中的平凡真实。
  • 毕加索:

出生在西班牙,立体主义的主将,长期在法国进行艺术创作活动,是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家,他和他的作品在美术史上占据了非常重要的地位。青年时期受过学院的写实训练,还受到各种思潮,如象征主义、批判现实主义、自然主义、印象主义、唯美主义等影响。此时的作品近似表现主义的主题,充满了早熟的忧郁。1900年来到巴黎后,受到革新艺术思潮的感染,广泛接触社会下层,在内心世界处于苦闷和忧郁的时期,先后用蓝色和粉红色描绘贫穷的残疾人、病患者、老人等,故被称为蓝色时期粉色时期。1907年他在黑人雕刻和古代伊比利亚人艺术的启发下,尝试把塞尚已经开始的对几何形结构美的追求推向极致,创作了颇具争议的、被认为是立体主义开端的《亚威农少女》,在此后的一年,他的立体主义更加成熟。《弹曼陀铃的少女》被认为是他分析立体主义的代表作。1915年毕加索的画风转向新古典主义,在严谨的造型中,用夸张的手法表达宏伟的气氛,此外,毕加索还是一位具有独创精神的雕刻家。毕加索丰富的想象力和创造性,他的冒险精神和探索精神,给20世纪现代艺术以很大的推动。

  • 《亚威农少女》:创作于1907年,被认为是美术史中第一件具有立体主义倾向的作品。画面着重表现了五位少女的裸体形象以及一些静物。作品采用多视点的方式,画面中的形象皆被处理成几何块面的形式,且人物形象的表现明显受到非洲原始木雕的影响,三维立体的空间被彻底颠覆。该作品因其在创作理念和表现手法等方面的革新而在西方美术发展史上具有里程碑意义。
  • 《格尔尼卡》:是立体主义艺术家毕加索的一副大型壁画。该作品创作于1937年,以德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行为题材,用以抗议反动势力洗劫无辜平民的罪行,表现战争带给人类的灾难:从整体风格面貌上看,作品是一种半写实的风格,即将现实情境的描绘与形象的抽象化、概括化处理进行了有机的结合。从表现手法上看,作品大量运用了象征的手法,如公牛象征强暴,受伤的马象征受苦难的西班牙,闪亮的灯火象征光明与希望等。整幅作品的设色仅限于单纯的黑白灰,空间中所有形体与图像的安排,都经过了精细的构思与推敲,有着剪贴画的视觉效果和严整统一的秩序,从而有效地突出了画面紧张与恐怖气氛。
  • 布拉克:

雕塑家、插画家和舞台美术家,与毕加索同为立体主义运动的创始者,“立体主义”这一名称也是由他的作品而来,立体主义运动中有多项创新也是由他做出,例如将字母和数字引入绘画,采用拼贴的手段等。布拉克的作品多数为静物画和风景画,画风简洁单纯,严谨而统一。1908年,布拉克来到爱斯塔克,这是塞尚晚期曾画出许多风景画的地方。在那里,布拉克开始通过风景画来探索自然外貌背后的几何形式。其中《埃斯塔克之屋》便是当时的一件典型作品。

  • 《埃斯塔克之屋》:作品中,房子和树木皆被简化为几何形,这种表现手法显然来源于塞尚。塞尚把大自然的各种形体归纳为圆柱体、锥体和球体,布拉克则更加进一步地追求这种对自然物象的几何化表现。他以独特的方法压缩画面的空间与深度,使画中的房子看起来好似压扁的纸盒,而介于平面和立体的效果之间,景物在画中的排列并非前后叠加,而是自上而下地推展,这样,使一些物象直达到画面的顶端。画中所有的景物,无论是最深远的还是最前景的,都以同样的清晰度展现于画面。由于布拉克做此画的阶段画风明显地流露出塞尚的影响,因而,这阶段又被称作“塞尚式立体主义时期”。

未来主义

  • 未来主义:

诞生于意大利,是一个渗透于美术、音乐、戏剧、电影等各个领域的广泛艺术思潮和文艺运动。1909年2月20日,马里内蒂在《费加罗报》上发表《未来主义宣言》,宣告未来主义的诞生。未来主义认为客观世界发生了根本的变化,新时代的特征是机器和技术以及与之相适应的速度、力量和竞争,把战争、暴力和恐怖看作是摧毁旧世界、创造新未来所必需的手段,都给予赞美和歌颂。他们还否定一切,诅咒人类的文化遗产和现存文化是腐朽、僵死、毫无价值的,其口号是“摒弃一切博物馆、图书馆和科学院”,反对一切模仿的形式,反抗和谐与高雅的趣味,否定艺术批评的作用。在艺术表现形式上,艺术家利用分解物体的方法来表现运动的场面和感觉,还采用点彩的手法,他们热衷于用线和色彩描绘一系列重叠的形和连续的层次交错与组合,并且用一系列的波浪线和直线表现光与声音,表现在迅疾的运动中的物象。主要的艺术家有巴拉、博乔尼、塞维里尼等。未来主义一方面反映了意大利民族主义情绪高涨的情况下,意大利民族的自我觉醒和自我奋起,艺术家要求创新的强烈愿望。此外,也反映了这个民族的青年知识分子在历史转折时期的仿徨、不稳定、虚无和偏激的弱点。

  • 巴拉:

是从新印象主义转向未来主义的画家,他的代表作有《链子上一条狗的状态》、《在阳台上奔跑的女孩》等。其中《链子上一条狗的状态》描绘奔跑的狗和女人的足,将一连串运动凝缩于画面,给人的感觉是奔跑的狗有几十只脚。

  • 博乔尼:

画家和雕塑家,未来主义的核心人物,未来主义雕塑宣言的作者。他主张从力量和运动的观点来表现客观事物,建议更多地采用抽象符号。代表作《空间中连续的形》。

  • 形而上绘画:

在意大利画家基里科卡拉合作促使“形而上绘画”的形成,形而上绘画对未来主义的形象解体和动感表现表示反对,主张绘画要回到清晰明确的形象,以表现寂静的意境。形而上绘画对尼采描绘的荒无人烟的意大利城镇感兴趣,作品充满非现实的梦幻感。

德国表现主义

  • 表现主义:

1905年产生于德国,并波及全欧洲。德国民族传统带着忧郁,这也是北欧民族的特点,在这社会动荡时期更容易引发新的艺术思潮。德国艺术积淀深厚,孕育了表现主义,它涉及了文艺各个领域的思潮和派别。作为社团,它的主要活动基地在德国。他们对资本主义的都市文明不满,对机械文明压制人性和个性反感,并从东方和非洲艺术中吸取营养,在艺术理念上,他们反对机械地模仿现实,主张“精神的美”“传达内在的信息”,强调艺术语言表现力和形式的重要性。在内容上,他们具有一种强烈的改变现实的紧迫感,注重刻画社会生活的黑暗面,描绘挣扎在生命线上的“渺小人群”,也时常流露出悲观情绪,他们继承了德国中古以来艺术重个性、重感情色彩、重主观表现的特点,在造型上追求强烈的对比,追求变形和扭曲的美,强调表现艺术家内心感情,甚至充满宗教的神秘感。

  • 蒙克:

挪威人,现代表现主义的先驱。作品多以生命、疾病、死亡、性爱和寂寞为题材,用对比强烈的线条、色块、简洁概括夸张的造型,抒发自己的感受和情绪,揭示同代人隐蔽的心灵,表现人们内心世界的痛苦和快乐;他对心理苦闷的、强烈的、呼唤式的处理手法对20世纪德国表现主义的成长起了主要影响,其画风是德国和中欧表现主义形成的前奏。代表作有《呐喊》《青春期》等。

  • 《呐喊》:作品创作于1893年,是蒙克创作的“生命组画”中最为强烈和最富刺激性的一幅,也是他的重要代表作品之一。蒙克以极度夸张的笔法,描绘了一个变了形的尖叫的人物形象,把人类的极端孤独和苦闷以及那种在无垠宇宙面前的恐惧之情描绘的淋漓尽致。作品构图在旋转的动感中,充满粗犷、强烈的节奏。色彩被夸张得富于表现性,但仍与自然保持着一定程度的关联。画面形象扭曲变形。该作品采用象征、隐喻和夸张的表现手法将感情表现推向了极致,揭示了人类“世纪末”的忧虑与恐惧。
  • 桥社:

德国表现主义的第一个社团,于1905年在德累斯顿组织建立,其主要成员有基希纳、黑克尔等。他们凭借乐观主义的精神以及改革社会的艺术和信念,试图建立一个把生活和创作结合为一体的社团,他们提倡到工人区体验工人淳朴的感情,对雇请模特采取平等的态度;宣传艺术不仅有其自身的独立价值,而且还有为人生,为满足人们生存需要的目的;主张创作者和欣赏者处于平等地位。桥社的不少画家画裸体和风景,表现人的自然原始性,歌颂性解放,反抗资产阶级虚伪的道德观。在形式上,他们追求平面感和注重线的表现力。

  • 青骑士社:

是1911年从慕尼黑新美术家协会分裂出来的,由康定斯基、马尔克、马可共同创立的。这是团结在《青骑士年鉴》周围的画家自然形成的一个社团。他们参加编辑部的讨论会、撰写稿件、参加展览。但是他们的风格并不相同,共同的信念就是追求艺术中的精神,对不可见的内在精神比外部世界更感兴趣,他们希望通过抽象的抒情语言给这种内在精神以可见的形和色,把艺术和深刻的精神融为一体。青骑士社对德国乃至欧洲的现代绘画起了推动作用。

  • 康定斯基:

其早期艺术活动对德国表现主义运动的发展具有重要作用,但其真正艺术成就是1911年开启抽象艺术,是西方抽象主义的典型代表。于1909年建立慕尼黑新美术家协会,1911年与马尔克发起“青骑士社”。1923-1933年于包豪斯任教。他强调绘画的自律性,强调色彩和形的独立表现价值,主张艺术家用心灵体验和创造,通过非具象的形式传达世界的内在本质,并在抽象形式的美感与法则、绘画中的音乐性以及创作过程中的偶然性等方面进行了探索。其理论著作有《论艺术中的精神》《关于形式问题》《点、线、面》等,但因为夸大抽象形式的作用和意义而具有片面性。他是“热抽象”的典型代表,在理论和实践上开启了西方抽象主义艺术的先河。

  • 热抽象:是抽象艺术流派之一,其代表人物为康定斯基。康定斯基更注重色彩的作用,认为色彩如同音响,其声音是非常明确的,可以影响人的情感以及精神。从艺术形象上看是点、线、形、色无规律地组合,或随意挥洒构成的作品,造型偏于繁复,画面比较杂乱,色彩起着非常重要的作用,且有较强的运动感。画面显得热烈、躁动、不安。热抽象是从主观感情出发,热抽象创作偏重主观感情,是用来抒发感情,表达某种意趣、意念、幻觉等,作画常为即兴式的。
  • 新客观社:

德国表现主义后期的美术社团。严格意义来说,它不是真正的社团,而是展览会的名称。提倡用写实的手段揭示客观现实,对战争的后果、腐朽的社会,对于失去人性的现实,对市民庸俗气作猛烈的抨击。他们注重细节的真实,让抽象语言服从于真实地揭示客观现实的要求。代表艺术家格罗斯迪克斯贝克曼等。

  • 《狂飙》杂志社以及同名画廊:

是德国表现主义美术活动在柏林的另一个重要据点,主要的艺术家有基希纳科柯施卡。其中科柯施卡善于剖析对象的心理、性格和情绪而引人注意;形式上以富有强烈动感和旋转的笔触以及歪曲客体的变形著称。

  • 维也纳分离派:

是奥地利在德国表现主义影响下产生的一个流派,其代表人物是克里姆特,在20世纪初发展象征主义和表现主义画风上做出了贡献。

  • 克里姆特:

克里姆特把写实的古典主义构图和造型与工艺美术的装饰性色彩和线条相结合,在绘画领域内创造了一种含有怪诞和幻想意味的风格;他还向公认的社会道德准则挑战,在绘画中把人类的淫欲、疾病和死亡放在一起,引起了社会的不满和谴责,如《女人的三阶段》

俄罗斯至上主义与构成主义

  • 至上主义:

是带有俄罗斯玄学和宗教色彩的几何抽象主义,它们摒弃了描绘具体可观物象和反映视觉经验的艺术思潮。其创始人马列维奇所使用的“新象征符号”是一些方形、三角形和圆形,他还常使用单纯的黑和白的色彩,如《黑色方形》《黄、橙、绿》《白之白》等。

  • 构成主义:

是俄罗斯艺术家们对现代艺术的一大贡献。构成最初仅用拼贴形式,俄罗斯艺术家塔特林在莫斯科运用不同材料(如铁丝、玻璃和锯片等)作为悬挂的浮雕构成物,形式的抽象的。后来,他有把这一观点应用到建筑和机械设计,塔特林设计的最有代表性的作品是《第三国际纪念碑》模型

荷兰风格派

  • 荷兰风格派:

是1917年在荷兰出现的几何抽象主义画派,以《风格》杂志为中心,因此而得名。创始人是杜斯伯格蒙德里安,风格派拒绝使用任何具象元素,主张以理性和逻辑为原则,用纯粹的几何形抽象来表现纯粹的精神,在抽象化与单纯化的口号下,风格派提倡教学精神。风格派和蒙德里安的独特创造对西方现代抽象艺术和建筑设计具有很大影响。1928年《风格》杂志停刊,风格派解散。

  • 蒙德里安:

与康定斯基分别称为“冷抽象”和“热抽象”的代表。蒙德里安前期以《红黄蓝构成》为代表,后期受到曼哈顿严格的方块网络规划以及街道中拔地而起的摩天大楼的影响,在画面中表现夜幕、灯光、速度与动感,代表作是《纽约》。他的绘画最初在平面上把横线与竖线加以结合,其间安排原色红黄蓝,间有灰色,之后灰色被排除画面,原色也减到一至两种,如《红与黑》等。他的几何抽象画,表现出爵士乐的节奏,线条由纯黑的直线变成色彩的断续线,反映繁闹都市中的安宁和平静的情绪,代表作有《百老汇爵士乐》。

巴黎画派

  • 巴黎画派:

是对20世纪初在巴黎从事艺术创作,但未参加任何一个现代主义流派的艺术家的总称。他们未结成社团,风格也各有不一,但均采用写实手法。他们中有不少人是来自欧洲其他国家,都是来自“异乡”的流浪汉,由于处于贫困状态、郁郁不得志,有很浓郁的情感表现,风格介于写实主义和现实主义之间,这些都表明20世纪艺术家语言选择的可能性是多样的。代表艺术家有意大利的莫迪里阿尼。

  • 莫迪里阿尼:

用线来驾驭体面关系,在线的柔和、协调中,表现优雅的趣味,创造出一种独特的变形美,色彩的层次丰富而有力。他的作品中含有低沉和哀伤的情绪,其肖像和女人体均具有神韵以及时代气息。

达达主义

  • 达达主义:

1915年由许多国家的年轻人在中立国瑞士的苏黎世组成的艺术社团。这群厌倦战争的人在苏黎世的伏尔泰酒馆里聚会,并在法德词典中偶然翻到达达(玩具小木马的意思)一词,便用来做为社团的名字。达达主义的产生在于当时存在于西欧各国尖锐的社会矛盾,包括第一次世界大战给人们带来的痛苦。达达主义集中体现了现代主义思潮批判传统道德和美学观念的批判精神,抛弃了美学和艺术语言上的追求,以玩世不恭的态度对抗社会现实和价值观。在反抗和嘲讽社会的同时,又看不到社会的前途,具有浓厚的虚无主义情绪,与其说达达主义是文艺流派,不如说它是社会思潮。在反抗、嘲讽、戏谑中使用的手段、媒介,被用来作为新的含有美学价值的语言,他们认为当代社会文明腐化堕落,面对社会,他们从虚无主义出发,提倡否定一切,否定理性和传统文明,提倡无目的,无理想的生活和文艺,提倡自动性和偶然性,以及提倡无思想,不受任何法则约束的艺术,它的目的在于破坏和挑战,即表现“破坏就是创造”,具体的做法是在恐怖的想象范围内运用任何手段,使用垃圾、拼贴实物,或把古典名画改装,用真实的现成品以及综合材料取代传统艺术,其代表人物是杜尚

  • 杜尚:

出生于法国,1954年入美国国籍。他的出现改变了西方现代艺术进程,可以说,西方现代艺术,尤其是二战之后的西方艺术,主要是沿着杜尚的思想轨迹行进的。因此,了解杜尚是了解西方现代艺术的关键。杜尚是二十世纪实验艺术的先驱,被誉为“现代艺术的守护神”、“后现代艺术之父”,达达主义以及超现实主义的代表人物之一。他早期迷恋立体主义和未来主义,代表作品有1912年创作的未来主义风格作品《下楼梯的裸女》。之后,他开始走向反传统、反权威、反美学、反艺术,提倡破坏就是创造。因此,杜尚经常用手指涂画,选取日常生活用品或废旧品等“现成品”进行创作,通过巧妙组合和环境转换完成作品,代表作有《泉》、《带胡子的蒙娜丽莎》、《巧克力研磨机1号》、大玻璃画《新娘的衣服被单身汉们剥的精光》。

  • 新现实主义或新达达主义:二战后,西方一些艺术家重新探讨达达主义的价值,把达达原来作为破坏和挑战的手段看做审美对象,利用大众文化传播媒介,将生活用品和工业废品改装或重新组成美术品,掀起被称为“新现实主义”或“新达达主义”的浪潮,又称波普艺术。

超现实主义

  • 超现实主义:

是在达达主义的基础上发展起来,是一场在文学、美术、戏剧等领域都有所体现的文艺运动。超现实主义作为文艺运动,有比较肯定的信念和纲领,文学上强调自动性的书写,美术上强调偶然因素的结合、无意识的发现、梦境的真实再现,手法上自由地使用写实、象征和抽象。超现实主义美术流派诞生于1924年,其运动的中心在巴黎,超现实主义者以佛洛依德的精神分析学说作为理论基础,致力于探讨人类的先验层面,试图突破符合逻辑与实际的现实观念,把现实观念与本能、潜意识和梦的经验相糅合,以达到一种绝对的和超现实的情境。这使艺术家充分发挥想象力和幻想力,创造画境,许多超现实主义艺术家都具有浓厚的社会参与意识,用美术作为手段干预现实。在表现手法和风格面貌上主要分为两类:

  1. 一是采用写实手法逼真地描绘荒诞世界、怪异形象或个人的梦境、幻想的“偏执狂批判”,代表画家达利、恩斯特等;
  2. 二是用抽象的符号化语言揭示个人潜意识中非逻辑心象的“心理自动化”,以西班牙画家米罗为代表。
  • 达利:

西班牙超现实主义画家和版画家,以探索潜意识的意向著称,与毕加索、马蒂斯一起被认为是二十世纪最有代表性的三个画家。达利惯用不合逻辑的并列事物的方法,把受刺激产生灵感的创作转变流动性的过程,并把这一过程称为“偏执狂的批判方式”。即将自己内心世界的荒诞、怪异加入或替换外在的客观世界,常用分解、综合、重叠与交错的方式,来反映潜意识的过程。有些作品具有神秘感和色情因素,代表作《记忆的永恒》

  • 米罗:

把儿童艺术、原始艺术和民间艺术揉为一体的大师。


二战后的西方现代艺术与流派


抽象表现主义

  • 抽象表现主义:

是二战后第一个具有重大意义的美术思潮,也是美国现当代艺术在西方画坛崛起的标志。抽象表现主义并没有统一的风格,但其共同的特征是反对以往绘画的完整性与技巧性,推崇超现实主义所强调的潜意识自动写作和非理性,追求用抽象化、直接性、即兴式、自动性的创作方式表现潜意识的自我,强调创作行动的自由性和无目的性,把创作过程和创作行为本身提高到重要位置,孕育着以创作者的行为作为艺术传播媒介的因素。抽象表现主义思潮适应了二战后美国人的心理状态和审美要求,表现了美国民族战后昂扬进取的精神,同时也表现了在高度工业化社会里的某种躁狂不安的情绪。抽象表现主义主要包括以波洛克德库林为代表的“行动绘画”马塞维尔罗斯科等为代表的“色域绘画”

  • 波洛克:

是抽象表现主义运动中最有影响力的艺术家,他的“行动绘画”的作画过程是把布绷在地板上,用棍棒沾上油漆,围着画布走动,任期在画布上流淌,他将沙、玻璃碎片等材料掺在颜料里混合成粘稠液体。他的独幅画通常是在流淌的大画布上剪下的,加上抽象的标题。“行动绘画”摆脱了手腕、肩膀的限制,便于艺术家用全身的动作来表现无法自控的内在意识和行为,为西方行动派艺术开了先河。

  • 后绘画性抽象:

是继抽象表现主义之后之后,于20世纪60年代出现了的一种艺术思潮。这群画家对抽象表现主义以笔触、色彩和肌理来表现主观感情表示反对,主张以清晰明确的抽象形式(清晰的轮廓、光滑的大色面)取而代之。又被称之为色面绘画、硬边绘画,一直延续到20世纪70年代称之为“极少派”的抽象主义。

波普艺术

  • 波普艺术:

即流行艺术、大众艺术,后现代主义艺术现象,最早出现在20世纪50年代的英国,真正发展于大众文化发达的美国,其理念是消除艺术与生活的边界,把艺术变成认识生活的工具,波普艺术家利用生活化的媒介和材料制造大众能够理解的形象,结合艺术与工业文明,利用大众传播媒介加以普及。包含新奇、活泼、性感的内容来吸引观众,刺激消费欲望,成为一种消费文明的艺术。波普艺术的精神是准确把握大众文化内涵。波普艺术把现实中实物挪动位置,改变环境,赋予新的含义,也被称为“新达达”“新表现主义”,汉弥顿是英国波普艺术开创者和代表,安迪.沃霍尔劳申伯格是美国波普艺术的代表人物。

  • 安迪.沃霍尔:

最初把注意力集中于一些标准的商标和产品上,如可口可乐,手法为重复表现。在此之后,兴趣转向为探索当代美国民间英雄,把放大的海报和杂志,用丝网印的方式印刷在画布上,使人产生新奇感,如玛丽莲.梦露像,并运用丝网作业无休止地复制,代表作《玛丽莲.梦露》等。

欧普艺术

  • 欧普艺术:

是指利用人类的视错觉所绘制而成的绘画艺术。因此欧普艺术也称“光效应艺术”“视幻艺术”,产生于20世纪60年代的法国。它主要采用黑白或彩色几何形体的复杂排列、对比、交错和重叠等手法造成各种形状和色彩的骚动,有节奏的或变化不定的活动的感觉给人以视觉错乱的印象。欧普艺术是一种与科学亲近的艺术,与今天工艺美术的色彩、立体构成相似,以画面中的线条、色块、波纹,或利用透视原理进行组合,对视觉实施强行刺激而产生动感或其他幻觉。代表人物有赖利瓦萨雷利等。赖利的代表作有《波纹》

后现代主义

  • 后现代主义:

是20世纪50年代以来欧美各国(主要是美国)继现代艺术之后的美术思潮的总称。后现代艺术的概念最早出现在建筑领域,后来逐渐扩展到美术等领域,它的含义并无明确的界定,美国美术史论家L.史密斯把战后西方美术的发展趋势概括为:

从极端的自我转向相对的客观性;

从几乎是徒手制作转变为大量生产;

从对工业科技的敌视转变成对它产生兴趣并探讨它的各种可能性


总体来说,后现代主义以艺术的大众性反对艺术的精英性,以粗俗、生活化反对静雅的艺术趣味,主张艺术的各门类、艺术与生活之间的界限的消失,艺术品不仅要作用于视觉,而且应该作用于听觉、触觉,甚至嗅觉的美学主张,以及艺术的目的是制造”整体情境“等,从而促进了环境艺术、大地艺术、偶发艺术、行为艺术等。

  • 后现代主义艺术的特征:
  1. 企图突破审美范畴,打破艺术与生活的界限
  2. 对主流美术思潮的质疑和对少数民族及边远地区美术的关注,主张多元和承认中心主义
  3. 从传统艺术、现代艺术的形态学范畴转向方法论
  4. 从强调主观感情转向客观世界,对个性和风格的敌视或漠视
  5. 对工业、机械的反感到与之结合
  6. 艺术平民化,广泛运用大众传播媒介
  • 现代主义艺术的特征:
  1. 背弃古典传统
  2. 张扬主体个性,反对模仿再现
  3. 创造个性语言
  4. 偏执独特艺术风格
  5. 热衷多样探索
  • 观念艺术:

诞生于二十世纪六七十年代的国际性艺术运动,其基本理念是审美对象的创造不再是必须和重要的,艺术家的某种观念的表达是创作过程中最重要的。艺术家可通过文字、图片、录音、录像乃至行为等媒介形式实现对观念的表达,让观者和艺术家进入同一审美观念,并重视公众的参与。博伊斯、约瑟夫.科瑟斯是观念艺术的典型代表。

  • 观念艺术最早的作品是杜尚的”现成品“概念,最著名的是《泉》,一个被安置在雕像基座上,署名为R.穆特的现成品小便器,杜尚将之作为一种艺术品,送往1917年在纽约举办的”独立艺术家协会展“上展出。在《泉》之前,很少有什么东西让人们去思考艺术实际上是什么,或它是如何被表达的问题,他们只是假定了艺术是绘画、雕塑等,但是《泉》颠覆了这一切。
  • 约瑟夫.科瑟斯《一个和三个椅子》:是一个文献作品的典型。作品是一个概念”什么是椅子?“随后提出的是”什么是艺术?“、”什么是表达?“这看上去像是一种同义词的重复:”一把椅子是一把椅子“,正如”艺术是艺术是艺术“般重复。三个元素(一张椅子的照片、一把真正的椅子和对椅子的定义)都是从属于这一概念。它们自身并无价值,这是一把很普通的椅子。其定义是从一本词典上影印的,图片也不是约瑟夫本人拍摄的,它根本就没有被艺术家之手碰过。

20世纪70年代以来的美术思潮


  • 极少主义:

又称极少派艺术,在波普艺术之后,艺术积极地向生活渗透,便产生了“综合艺术”,在使艺术品具有“综合感受”方面,出现了“极少派艺术”。极少派艺术的作品像工厂的产品一样,注意标准化、规格化。毫无个性。极少派的美学观是越是共性大的作品被观众认识和理解的可能性越大,个性和特殊性强的作品,只能被少数人欣赏。

  • 极简主义:

是一种哲学思想,价值观以及生活方式,也可以说是一种态度或信仰。而极少主义是种现代艺术流派,主要存在于平面设计、服装设计、建筑设计等方面。从实践上,极少主义产生于20世纪50年代以美国为中心的美术流派。极简主义是二战之后,也就是20世纪60年代兴起的一个艺术派系。应该说,极少主义是极简主义的前身,从画法、想法变成了一种态度,终于在20世纪90年代发展为一种时尚风潮,并得到国内白领阶层的接受。

  • 照相写实主义:

也称“超级写实主义”,兴起于20世纪70年代,利用现代科技成果来创作艺术,该派认为艺术作品应该类似客观、逼真的摄影效果,不带任何主观感情地对现实物像加以真实再现。艺术家以人物形象、城市风光、静物、动物等为主要表现题材,注意细节刻画表现,其以假乱真的逼真效果常给人以冷漠、缺乏人情味的感觉。照相写实主义在绘画和雕塑两个领域成就都非常突出,绘画领域以克洛斯最具代表性,雕塑领域则以安德烈和汉森为代表。

  • 激浪派:

“激浪”一词由拉丁语“流动的”演变而来,产生于1962年的德国,创始人为马纳修斯。他宣传一种“反艺术”和“反有产者享用的艺术”,提倡与日常生活无界线、无区别的艺术形式,如直接呈现实物、运用日常生活用品和某些科技产品,主张艺术创作脱离商品交易。在精神上,激浪派接近复活达达主义,但是他们的作品少了达达主义艺术家的那些明显的政治内容。经过十年来的积极活动,激浪派的主张在偶发艺术、街头行为艺术的形式中得到体现,并通过媒体宣传获得社会效应。其主要活动场所在德国,德国前卫艺术家博伊斯和福斯特尔曾一度卷入激浪派运动。

  • 博伊斯:

博伊斯是西方观念和行为艺术的重要代表人物,他的作品具有社会批评意识,含有浓厚的宗教神秘色彩,代表作《如何对一只死兔子解释绘画》《有油脂的椅子》等。


20世纪现代雕塑


从19世纪末开始,欧洲雕塑逐渐向夸张变形方向发展,以求表现生命的运动,生命与现实的搏斗。在20世纪,欧洲雕塑以布朗库西亨利.摩尔贾克梅蒂以及考尔德为代表。

  • 布朗库西:

是在表现雕塑内在运动和力量方面有突出贡献的雕塑家,他影响整个西方现代雕塑。他把传统雕塑技巧和处理材料能力,用现代意识加以融合和改造,熔铸成自己独特的风格,着眼于造型的纯粹性,把单纯性和表现事物本质联系起来加以认识,代表作有《波嘉妮小姐》《鸟》《沉睡的缪斯》等。

  • 亨利.摩尔:

英国著名雕塑家,他对在现代环境中解决雕像与周围空间关系的课题做了很多探索,在雕塑形体上采用线、孔洞来探索新的空间表现也给我们以启发。他对雕塑创作所下的五条定义是对材料的真诚、三维空间的充分表现、对自然物象的观察力、想象与表达、生命力和表现力。其作品以人体为母题,或躺卧、或坐立、或单人像、或群像。有的放在室内、有的放在室外环境中,以草地、原野、园林树木、云彩为陪衬。他的每件作品都有其本身蕴含的能量。他不追求作品愉悦人的感官,而是表现一种感人的精神力量。他为骨形所迷恋,力图在骨形中表现一种雄健、强大的生命力。他的作品主题是复合的、多重性的,所以耐人思索、回味,而在复合的主题中生存的愿望、要求、趋势占主要地位,给人以精神上的力量,主调是积极的。

  • 贾克梅蒂:

瑞士雕刻家、画家,曾受佛洛依德和超现实主义的影响,也对萨特的存在主义感兴趣。他在领悟传统和研究现实的基础上将雕像的量、块观念加以舍弃,把线作为人体的基本组成因素,刻画出瘦长、憔悴、幽灵似的人体,给人以视觉和心理上的强烈刺激和深刻印象,意图唤起人们对人生存的关注,扩大了雕塑表现和审美的领域。其作品不乏深刻的主题,但缺乏给人光明、进取和奋进的力量。代表作《行走的人》《广场》等。

  • 考尔德:

美国人,活动雕塑的创始人,他用敷着明亮色彩的金属做材料,由轴与线连接,利用极为单纯的动力——空气的流动产生运动。每一对金属片运动的速度都不尽相同,造成动态雕塑“有组织地反复无常”,使建筑环境变得活动而富有生气。


20世纪现实主义美术


现实主义具有两方面的品格,在内容上是关注现实和人生的,在语言上基本上是写实的。只有这两者统一才是完备的现实主义艺术。

  • 珂勒惠支:

是一位对无产阶级和人民大众寄以深厚同情的艺术家。用油画、木刻、铜板、石板和雕塑等形式,表现德国社会的贫困、战争的创伤和工人的悲惨境遇,以及被压迫者的奋起反抗。代表作《织工暴动》《农民战争》等。 珂勒惠支具有非凡的胆识和勇气,面对迫害和压力,她表现出一个女性少有的强烈性格,对自己艺术的追求坚定不移。在艺术上,她继承了德国古老的版画传统,并以新的姿态出现。由过去追求完整性向情感表现和形式感方面转化,推进和丰富了版画语言。作品构图精炼、每一局部都在尽全力地发挥着表达情感的作用,造型具有独到的个性特征,每一个人物都是在强烈的激情驱使下塑造的,具有强烈的艺术生命力。

  • 巴尔蒂斯:

一生从未参加任何派别和社团,他的早期街景和室内景写实而含有魔幻的气氛,受早期文艺复兴、早期现代主义和超现实主义影响,并将其融合。后期作品更加关注人。关注人的内心世界,细致地揭示人的心理状态,色彩也更丰富、亮丽。


世界其他国家和地区的美术


  • 犍陀罗美术:

公元前4世纪末,马其顿亚历山大入侵古代印度西部的犍陀罗,将希腊艺术传入印度。在以后的数世纪里,这里的石工艺发展很快,至贵霜王朝时期,由于国王提倡佛教,犍陀罗的工匠们汲取了古希腊罗马的艺术精神创造了与印度风格相融合的犍陀罗美术。它以石工艺为主,石像的衣纹和面部处理采用了古希腊罗马的雕刻手法,艺术形象生动、线条简练、衣纹质感强。犍陀罗美术随佛教传播到东亚以及东南亚各国,对东方艺术产生了影响。

  • 笈多美术:

笈多王朝是继孔雀王朝之后崛起的又一个帝国,笈多美术在继承贵霜时代具有强烈外来色彩的文化的同时,高扬印度本土的文化传统,把印度古典文化推向巅峰,被誉为印度古典主义的黄金时代。笈多诸王大多信奉印度教,但对佛教采取宽容措施,甚至赠金筹建佛教学府那烂陀寺。笈多美术作为古典主义的范本,也影响了东南亚、中亚以及东亚各地。

  • 浮世绘:

描绘江户时代的“浮世”的歌舞伎和花街柳巷风俗的多彩版画被称作“浮世绘”。其特点是以木版印刷,大量生产,价钱便宜,采用平涂、勾线重彩的画法,背景单纯,使人印象深刻,装饰性强。对日本美人画、日本风景画有着开拓性作用,同时,作为典型的东方绘画形式之一,对欧洲近代美术也产生了一定影响。代表性画家有喜多川歌磨葛饰北斋安藤广重三人。代表作喜多川歌磨《捕鲍女》,葛饰北斋《神奈川巨流》,安藤广重《庄野图》等。





中国美术史





史前-先秦美术



旧石器时代


旧石器时代

  • 旧石器时代的标志是打制石器。
  • 旧石器时代晚期,石器在锐利实用功能前提下,已经具备一定的形式美感。在北京周口山顶洞人和山西朔县峙裕人遗址中,发现了成熟的钻孔技术和装饰物。
  • 我国迄今为止发现最古老的装饰品,是距今28940年前峙裕人制作的一件石墨装饰品
  • 河北兴隆出土的赤鹿角枝残段,是目前所知最早的原始刻画艺术品。

关于艺术起源

  • 劳动说:

艺术起源于劳动,观点来自普列诺汉夫马克思恩格斯的论述,在我国文艺理论界占主导地位。从根本上讲,艺术的起源最终应归结于人类的实践活动。艺术是人类文化发展历史进程中的必然产物,艺术的起源应当是原始社会中一个相当蛮长的历史过程。

  • 巫术说:

艺术起源于巫术,是20世纪以来西方艺术发生学中影响最大的理论,最早由英国人类学家泰勒《原始文化》一书中提出。巫术说对于我们理解原始艺术发生的动力,以及这些艺术在当时的条件下非审美性质具有重大意义。但巫术说仍无法正确解释艺术的起源,因为并非一切艺术都与巫术有关,影响不等于根源。

  • 游戏说:

艺术起源于以外观为目的的游戏冲动,游戏冲动不是动物精力过剩的纯粹体力发泄,而是创造力的自由表现。这种无功利的自由游戏,推动了艺术的发生。最初由德国美学家莱辛提出,后被18世纪德国思想家席勒、19世纪英国哲学家斯宾塞所发展,是艺术起源理论中较有影响力的学说。

  • 模仿说:

艺术起源于人类对自然界的模仿,这是艺术起源论中最古老的理论,始于古希腊哲学家,苏格拉底、柏拉图、亚里士多德等人都支持这一观点。

人从孩提时期就有模仿的本能,人们从模仿中总是得到快感。

—— 亚里士多德



新石器时代


陶器是人类利用泥土烧制而成的实用器皿或陶艺品,是史前人类社会的重大发明。

陶器的发明、磨制石器的应用、出现农业和畜牧业是新石器时代的主要标志。

彩陶及彩陶文化

彩陶是在打磨光滑的陶丕上,用天然的矿物质颜料进行描绘,用赭石和氧化锰作呈色元素,最后入窑经1000度左右的高温烧制而成。由于窑室的封闭不够严密,陶土中的氧化铁、氧化锰得以充分氧化,在橙红色的胎上呈现出赭红、黑、白等各种颜色的图案,形成纹样与造型高度统一,达到装饰美化效果,这种陶器统称彩陶。绘制彩陶纹饰工具大约是原始毛笔或钝头器。

  • 仰韶文化:

发现于河南渑(mian)池仰韶村,距今5000-7000年左右,位于黄河上游,分为半坡类型庙底沟类型

  • 半坡类型:

造型:大口圆底或平底盆

装饰:鱼纹最多,人面鱼纹,直角三角形

手法:写实

风格:朴实厚重

代表:《人面鱼纹彩陶盆》

  • 《人面鱼纹彩陶盆》:出土于西安半坡,仰韶文化半坡类型的典型器物,史前独立性绘画珍品,图案装饰于陶盆内壁,人面呈圆形,头似戴尖顶高帽,眼鼻形象明确,双眼眯成一线,耳旁和嘴旁有双鱼,展现了人面与鱼的生动组合,具有一定的神秘色彩。
  • 庙底沟类型:

造型:大口小底曲腹盆

装饰:带状纹、植物纹、曲边三角形

手法:抽象

风格:节奏韵律

代表:《鹳鱼石斧彩陶缸》

  • 《鹳鱼石斧彩陶缸》:出土于河南临汝,仰韶文化庙底沟类型典型器物,史前独立性绘画珍品,画面上有一只白鹳衔鱼,面向一只装饰考究的石斧而立。记录了鹳氏族兼并鱼氏族的历史事件。构图均衡、饱满,形象简洁醒目。
  • 马家窑文化:

马家窑文化是仰韶文化在甘肃、青海地区的一个分支,上承仰韶文化庙底沟类型,下接齐家文化,最早发现于甘肃临洮的马家窑,按时间先后分为石岭下马家窑半山马厂四个类型。

  • 石岭下类型:

造型:壶、罐、瓶

装饰:鸟纹、弧边三角圆圈纹

风格:简洁舒朗

  • 马家窑类型:

造型:瓮、盆、瓶、罐

装饰:漩涡纹

手法:同心圆为中心、繁彩、内彩

风格:炫动流畅

  • 《舞蹈纹彩陶盆》:出土于青海大通,马家窑文化的代表器物,内壁画着原始人舞蹈的图像。
  • 半山类型:

造型:小口鼓腹双耳瓶

装饰:锯齿纹

手法:多效装饰法、黑彩红彩并用

风格:秀丽精巧

  • 马厂类型:

造型:同半山,口沿外张

装饰:四大圆圈纹

手法:注重整体、盛行陶衣、浮雕发达、镶嵌骨珠

风格:刚健粗犷

黑陶

最早发现于山东历城龙山镇,故称“龙山文化”。又因黑色陶器为主要特征,又称为“黑陶文化”。黑陶以造型取胜,不施彩绘,具有黑、薄、光、亮、棱、鼻几个特点,即色调乌黑、器表光亮,胎质细腻致密坚硬、黑陶是以轮制的方法制作陶丕,胎壁如蛋壳般薄,仅厚0.5-1毫米,故也称“蛋壳陶”。其制作工艺是在陶器烧制结束时从窑顶慢慢注入水,是木炭熄灭产生浓烟,使陶器渗碳而成的。

玉器雕刻

新石器时代中期的早期阶段是我国玉器的孕育时期,我国迄今发现最早的圆雕石刻,是距今7000-8000年前内蒙古敖汗的兴隆洼遗址出土的石刻女神像。新石器时期晚期,是我国玉器发展的第一个高峰期,其中以红山文化碧玉龙和良渚文化大玉琮最为典型。

  • 红山文化《碧玉龙》:1971年出土于内蒙古自治区翁牛特旗,高26厘米,为墨绿色软玉所制成,整体呈玦形,即卷曲成C形,龙首似猪,体较粗大,吻前伸,斜目方鼻,鼻端平齐,双眼突起,鬃鬣向后贴身弯曲上翘,尖尾,无四肢及鳞甲龙。龙背居中处有一穿孔,如系绳悬挂,全龙呈拱背勾尾形态,龙头与龙尾刚好在同一水平线上。这是新石器时代红山文化的杰出代表之一,也是迄今所见最早的玉龙形象。

史前绘画

  • 地画:1982年,在甘肃秦安大地湾遗址发现了仰韶文化晚期的一幅地画。
  • 壁画:是用矿物质颜料涂绘,或用石器雕凿、金属器刻划在山崖石面上的图画。中国岩画分南北两大系统,北方岩画多凿刻,以动物、放牧、狩猎为主要内容,大场面少。南方岩画,多用颜料涂绘,西南地区以人和人的活动为主,沿海地带以祭司巫术最为突出,大场面多。连云港将军崖岩画和内蒙古部分阴山岩画是目前岩画中发现最早的,大约在新石器时代早期或更早,距今约一万年左右。

史前雕塑

史前雕塑大体上可以分为人像雕塑和动物雕塑。其中人像雕塑集中体现在新石器时代,多为女性雕像,这与女神崇拜有关,最为典型的是红山文化遗址女神头像。而1977-1978年在河南密县莪(e)沟北岗遗址发现的一件陶塑人头像,是我国迄今所知年代最早的人像雕塑,属于距今7000多年前的裴(pei)李岗文化的遗物。

  • 红山文化《泥塑女神像》:出土于辽宁牛河梁红山文化神庙遗址,与真人等大,五官清晰、造型逼真、目光炯炯、嘴唇掀动、颇具神秘色彩,是新石器时代红山文化的杰出代表。

先秦美术


先秦时代,青铜冶铸、壁画、帛画、制陶。玉石骨牙雕刻、髹(xiu)漆及纺织手工业的技艺日益精湛,其中以青铜器艺术成就最为突出,固有青铜时代之称。

青铜艺术

是红铜与锡的合金,青铜较红铜,熔点低,硬度大,而且溶液流动性比红铜更好,气孔更少,便于铸造器物形状,使器物表面光滑,花纹更精细。先秦青铜器的发展主要经历了两个高峰时期,即商后期到西周时期,以及春秋战国时期。其种类分为礼器、乐器、兵器、车马器四大类,其中礼器是统治阶级用以区别尊卑等级的,包括炊煮器、酒器、食器、水器、乐器等。

  • 夏代:

奴隶社会的形成期,青铜器时代初期。种类不多,器型较小,质地单薄,纹饰不发达,主要有戈、戚、爵、铃、兽面纹饰牌等。

  • 商代:

奴隶社会发展期,青铜器时代成熟到鼎盛时期。以酒器和食器最为突出。

商前期:造型规整庄重,器壁较薄,纹饰简洁舒朗,代表《饕餮乳钉纹方鼎》

商后期:形制凝重结实、纹饰繁丽、器型丰富,流行饕餮纹等纹饰,代表《司母戊大方鼎》、《四羊方尊》。

  • 饕餮纹:又称兽面纹,商代青铜器上常用的一种纹饰。采用夸张和抽象的手法。造成狰狞的视觉效果,充分体现奴隶社会的精神意义。饕餮纹均是以正面呈现的,眼眶用凸线塑出,鼻子常常位于器物对称轴线或棱角上。饕餮纹结构严谨,外貌凶狠庄严,气氛神秘,充满宗教色彩,给人一种威慑恐怖的感觉。
  • 《司母戊大方鼎》:

出土于河南安阳殷墟,是商代后期王室著名的青铜器,高133厘米,重875公斤,口沿宽厚,腹体方正,柱足和鼎耳粗壮有力。鼎部四面中心均为光洁的素面,四周有夔(kui)龙纹组成的饕餮图案衬托环绕,装饰效果单纯强烈。鼎的内壁刻有“司母戊”三字,意思是商王文丁为祭祀其母亲而铸。其造型庄重,纹饰精工,具有气势,是我国已发现的最大的青铜器

  • 《四羊方尊》:

出土于湖南,商代后期青铜器的代表器物。全器以细密的云雷纹为底,肩部有四羊盘缠,每一只羊各有两只大卷羊角,在装饰手法上集线雕、浮雕、圆雕于一体,把平面的图像和立体的雕像结合。

  • 西周:

奴隶社会的鼎盛时期,形制与纹饰日渐简略,饕餮纹已不多见,流行夔(kui)纹、鸟纹、窃曲纹、重环纹、波带纹等。延续商后期凝重典雅的风格,酒器减少,食器增多,铭文加长。

代表《武王征商簋》、《大盂鼎》、《虢(guo)季子白盘》、《散氏盘》、《毛公鼎》等。

  • 《武王征商簋》:

西周早期青铜器的代表,记载了甲子日清晨武王伐商这一重大历史事件。是迄今能确知的最早的西周青铜器。

  • 《大盂顶》:

铭文为金文,是目前所见西周最大的铜鼎。《大盂鼎》、《虢季子白盘》、《散氏盘》并称西周三大青铜器

  • 《毛公鼎》:

出土于陕西,西周晚期著名青铜器,通高54cm,重34.5kg,大口圆腹,口沿方折,口沿上耸立着双耳,双耳稍向外移,口沿下装饰一条简单的重环纹,半球状深腹,腹下三只兽蹄形足。毛公鼎内腹部的铭文有497字,记述周宣王告诫和赏赐臣下毛公,毛公感念周王,于是铸鼎记事,此鼎为现存铭文最长青铜器,有重要的史料价值。

  • 春秋:

奴隶社会瓦解时期,礼崩乐坏,各诸侯国自行铸器,形成不同风格。此时期,出现模印法、失蜡法等新工艺,流行繁缛的蟠螭(chi)纹蟠虺(hui)纹

代表器物有《莲鹤方壶》、《王子午鼎》、《栾书缶》等。

  • 失蜡法:我国古代铸造青铜器的一种办法,用蜂蜡做成铸件的模型,用别的耐火材料填充泥芯和敷成外范。加热烘烧后,蜡模全部熔化流失,使整个模型变成空壳,再往内浇灌铜液体,便铸成器物,这种铸造方法就叫做失蜡法。
  • 《莲鹤方壶》:

出土于河南,春秋时期青铜器代表作。该壶通高126cm,宽54cm,重64.28公斤。器身上遍饰卷曲缠结的蟠螭纹,两侧有龙形双耳,四角装饰有兽形,圈足下有两个怪兽承托,壶顶四周装饰盛开的双层莲瓣,壶盖上立一展翅欲飞的仙鹤。《莲鹤方壶》突破了商周以来的传统,将商代青铜器的神秘威严和西周青铜器的理性典雅风格转为自由舒展、活泼灵动的新风格,充满了清新与活力。总体来说,构思新颖,设计巧妙,融清新活泼与凝重神秘为一体,被郭沫若先生称为时代精神之象征。

  • 《王子午鼎》:

出土于河南,春秋时期的青铜器。立耳外张,束腰,平底,蹄足内收,口沿下,束腰处,装饰带华丽,器腹纵向装饰有六个结构繁复的怪兽。被认为是目前发现最早的使用失蜡法铸造的青铜器。

  • 《栾书缶》:

是传世最早的错金铭文铜器

  • 战国:

封建社会的开端,以制造灵巧的日用器为主。流行鎏金、镶嵌、镂刻、金银错等装饰手法,此时期,青铜器富丽堂皇、光彩精美。纹饰流行生活气息浓郁的狩猎、习射、采桑、宴乐、攻占、台榭等。

代表器物有:《采桑宴乐攻占纹壶》、《水陆攻占纹壶》。

  • 《采桑宴乐攻占纹壶》:

战国时代著名的青铜器,其形制和图案基本相同的有两件:一件藏于北京故宫博物院,一件出土于1965年四川成都。壶身布满图案纹样,分上中下三层:上层为采桑射猎图,中层为宴乐戈射图,下层为水陆攻占图。这三层画面,每一层都用三角形的连续卷云纹组成的花边分割。画面反映了战国时代的社会生活,具有重要的研究价值。

  • 《蟠虺(hui)纹铜尊盘》:

湖北随县曾侯乙墓出土,表现了精湛的失蜡法工艺,同墓出土的大型铜编钟,造型恢宏庄严,音调洪亮悦耳,是战国青铜器的巨作。

  • 金银错:又称错金银,是春秋战国时期青铜器装饰工艺的一种新创造。这种工艺要求在青铜器上用金银丝或金银片镶嵌成各种图案,然后用厝石再磨错平滑。金银错是我国青铜时代一项精细的工艺,它是我国古代科学技术发展到一定阶段的产物。

三星堆青铜雕塑

先秦时期的雕塑,以商代的雕塑最甚,内容涵盖青铜雕塑、陶塑、玉石雕刻以及战国木雕等几个方面。其中,以四川广汉三星堆商代晚期的大型青铜立人像、商周时期的鸟兽形铜尊卣(you)和铜器座,以及商代的玉石雕刻为代表。

  • 三星堆青铜雕塑:

出土于四川广汉,是商代古蜀国青铜雕塑艺术和铸造艺术的代表,包括青铜立人像、头像和面具等雕塑。采用概括夸张的表现手法,其形象神貌都有一种难以揣摩的静穆感和神秘感。

  • 《青铜立人像》:

1986年夏季在四川广汉三星堆遗址出土。该像高181.2cm,与真人大小接近,头戴华冠,粗眉大眼,身着饰有云龙纹的左任长袍,身微前倾,双臂上举,胳膊平抬,夸张的双手握成环圈状,足腕佩戴脚镯,赤足立于镂饰兽面纹的覆斗形方座上,神态威武严肃。有人推测他是蜀王,也有人认为他是主持祭典的巫师。

先秦绘画

先秦时期的绘画形式,主要有壁画、漆画、帛画。其中,帛画是绘制在帛上的面的画,以长沙楚墓出土的《人物龙凤帛画》、《人物御龙帛画》两幅旌幡性质的战国帛画最具代表。标志着中国古代绘画的独特风格早在战国时代已经形成——战国时期帛画均表达死者生前的场景或生者对死者的美好寄托,女性周边为雉、孔雀等华丽的鸟类,男的舞剑、龙升天,是中国画发展史上重要的里程碑。

  • 《人物龙凤帛画》:

1949年出土于长沙陈家大山楚墓,质地为平纹娟,画中人物为一宽袖长裙、合掌侧立的上流社会女性形象,其上方画一展翅扬尾的凤鸟和一只张举双足,身姿矫健,尾部卷曲的龙。表现的是女子的灵魂在龙和凤的引导下升往仙境的情景。

  • 《人物御龙帛画》:

1973年出土于长沙子弹库楚墓,细娟质地,画中是一位头戴高冠,身穿长袍,一手握剑,一手拉缰,驾龙升天的中年男子形象,内容与《人物龙凤帛画》相仿,形式也近似。



秦汉美术



绘画艺术


秦汉时期的绘画作品,仅见于宫殿寺观、墓葬壁画和帛画。壁画大多以仪仗、宴会为题材,人物为主,车马为辅;帛画以表现天上、人间、地下“三界”为主,体现了引魂升天的主题思想。绘画技法大多采用线描填彩

墓室壁画

  • 墓室壁画:

是根据丧葬的需要绘于墓室中的绘画作品,内容多取材于现实生活、历史故事、神话传说等。其装饰内容多是根据墓室的不同部位所绘,顶部多日月天象,墓室两侧多绘门吏或神兽,主室多绘墓主人生前的生活场景,个别重要部位绘制历史传说等。

  • 盛行原因:主要是官方提倡孝道与厚葬,出现“事死如事生”的思想。所以不惜人力物力,按照死者生前的生活居住条件,为其建造豪华墓室,除了随葬象征侍卫、仆从、侍女的俑和各种贵重物品、生活用具之外,还在墓室内绘制壁画。
  • 西汉前期:

河南永城柿园梁王墓、广州象岗南越王墓。升仙主题。

  • 西汉后期:

洛阳八里台汉墓卜千秋墓烧沟61号墓。题材有日月星象,御龙升天、驱鬼逐疫以及历史故事等。

  • 新莽时期:

洛阳金谷园墓、陕西千阳墓。流行日月星象与四神图像。出现现实生活题材。

  • 东汉前期:

洛阳邙山、金谷园墓、山东梁山后银山墓、辽宁金县营城子墓。题材出现门吏、车骑、男墓主家居宴饮,生活气息增强。

  • 东汉后期:

河北望都一号墓逯家庄壁画墓、内蒙古和林格尔壁画墓为代表。题材以车马仪卫、宣扬封建题材的圣贤、孝子、烈女、义士等历史故事。此时升仙题材明显减少,墓主生前或在另一世界的理想生活增强。

帛画

  • 帛画:

汉代画在帛上的绘画作品颇多,但遗存极少。其中以马王堆T形帛画和山东金雀山帛画以及甘肃武威磨嘴子帛画最为精彩。

  • 马王堆T形帛画:

又称“非衣”帛画,湖南长沙马王堆汉墓1号、3号墓,在内棺棺盖上,均覆盖着“T”字形旌幡帛画,其全长2米左右,构图基本相同,画面分天朝、人间、地府三段。天上为横幅,其余为直幅,上段绘日、月、升龙以及人面蛇身的始祖神,象征天上境界;中段描绘墓主人出行、宴请等人间生活;下段描绘神怪、龙蛇、大鱼、大龟等阴间生物。该画主题是引魂升天,展示了现存可见的西汉绘画卓越的艺术水平。

  • 金雀山帛画:

山东临沂金雀山汉墓出土的一副铭旌,为长条形,全长2米,画面分上中下三部分,上部绘日月、仙山以及琼楼,中部绘墓主宴居场景,有文物门卫,嘉宾相聚,管弦歌舞。下部为龙虎怪兽。


画像石与画像砖


画像石(汉)

画像石与画像砖是以刀代笔,在坚硬的砖石面上,创作了众多精美的图案。因此,作品兼具绘画和雕刻两种因素。

  • 画像石:

是一种雕刻着不同画面,用于构筑墓室、石棺、享祠或石阙的建筑石材。画像石萌发于西汉武帝时期,盛行于东汉,具有绘画性、雕刻性和建筑性。主要表现形式有减地平雕、阴刻线、阳刻线等。题材有历史故事、神话传说、天文星象、社会生活等。主要代表有山东清孝堂山石祠、山东嘉祥武氏祠,以及沂南石墓画像等。

  • 武氏祠画像石:

山东嘉祥武氏祠为东汉晚期武氏墓地三座石祠堂,这三座石祠画像均采用平面减地又加线刻的技法,即将形象以外的石面铲去一层,然后细部用阴线刻画,具有明快醒目的艺术风格。武氏祠画像石几乎包含了汉代画像石中流行的题材,布局固定,并且有严格的空间方位意义,如顶部刻天上神灵、日月星象,侧面墙壁上刻西王母、东王公等仙人形象,其他部位则自上而下刻画出历史故事和生活场景。

  • 汉代画像石艺术特点:主要体现在构图方式、形象塑造和雕刻技法三个方面,主要构图方式遵从了传统法则,即以平面的散点和分层布局,形象按上下层次、左右关系获得在空间中的位置,没有提供纵深延伸的暗示。形象塑造具有形影观察和线描表达两个显著的特点。轮廓线以曲线为主,几乎所有形象都在运动状态。雕刻技法主要有阴刻线、阳刻线和浅浮雕。最普遍的是减地平雕加阴刻线。

画像砖(秦汉)

  • 画像砖:

是秦汉时代的一种建筑装饰构件,与画像石类似,初期多用于装饰宫殿府舍的阶基,西汉中期以后主要用于装饰墓室壁画。其制作工艺是将加工好的泥坯放入木模中制成坯砖,待半干后,去掉木模,部分图像用利器刻画而成。画像砖有实心砖与空心砖两类,画像砖始于战国,盛于两汉,三国两晋南北朝时继续流行,东汉是画像砖的鼎盛时期。画像砖盛行于中原、西南和江南的广大地区,尤以河南、四川两省出土最多,题材表现贵族宴乐,车马出行以及生产生活等。各地画像砖各有特色:山东朴重、四川活泼、河南雄健。

  • 东汉河南画像砖:

以大型长方形空心砖为主。主要采用模印,印出上下两面的装饰花纹,其花纹主要表现树、鸟、虎、人物、楼阁等,大小统一,具有装饰美。

  • 东汉四川画像砖:

实心方砖为主,主要采用阴刻画模套印,具有浅浮雕效果。一般为一砖一画,主题独立完备。多表现下层劳动者生产劳动、车骑出行、社会风俗、神话传说、庭院建筑等。代表为《弋射收获画像砖》

  • 《弋射收获画像砖》:东汉,出土于四川大邑安仁乡,上部为弋射图。下部为收获图,风格清晰隽永,乡土气息特别浓郁,人物动态有同有异,起伏分明,画面富有韵律感。

雕塑艺术


秦汉时代,随着统一的中央集权制封建国家的建立、巩固与发展,国家的财力与人力高度集中,为雕塑艺术的繁盛开启了广阔前景。秦汉王朝的统治者,将雕塑艺术视作宣扬统一功业、显示王权威严、美化陵园建筑、纪念功臣将帅的有力工具,在陶塑、石雕、木雕、青铜铸像以及工艺装饰雕塑方面,均有辉煌建树,成为中国雕塑史上的一个高峰。

秦汉陶塑陶俑

秦汉的陶俑陶塑多为陪葬品,大致分三种类型:一是兵马俑,二是奴婢、伎乐俑,三是动物俑。秦代以秦始皇兵马俑为代表,其数量、规模、气势和写实水平都是无与伦比的。汉代,由于“汉随秦制”,西汉前期,依然用陶塑兵马俑随葬,以汉景帝阳陵陶俑最具特色。东汉,陶塑题材扩大,形象愈加生动传神,手法更为简洁概括,以四川《击鼓说唱俑》最具代表。

  • 秦始皇兵马俑:

是一组大型纪念性雕塑。1970年代发现了陕西临潼骊山北麓秦始皇陵的三座埋葬大型陶塑兵马俑的从葬坑,其中1号坑规模最大,呈长方形,东西230米,南北宽62米,总面积1.3万平方米,数量达6000余件。

  • 秦始皇兵马俑的艺术特点:崇尚写实,手法严谨,人物形象生动,性格鲜明;在整体布局上,利用重复,造成排山倒海之势,形象生动地再现了扫灭六国军队的秦国军队军威。秦始皇兵马俑的发现,打破了西方认为中国古代没有大型写实性雕塑的断言,弥补了秦代美术缺乏实物的缺憾,秦始皇兵马俑以其宏大的场面,众多的数量和非凡的艺术成就,被誉为世界第八大奇迹
  • 汉阳陵陶俑:

位于陕西咸阳张家湾,估计埋藏彩绘陶武士俑总数逾万件,俑高62cm,身穿战袍,由于袍甲以及木制胳膊已朽,出土时均为裸体、无臂。全身结构比例精确、面部刻画较为真实具体。

  • 击鼓说唱俑:

是我国汉代雕塑的代表作品,《坐式击鼓说唱俑》《站式击鼓说唱俑》分别表现了一位正在排忧说唱的艺人,极其形神兼备,四川说唱俑是东汉俑的上乘之作。《坐式击鼓说唱俑》,左手抱鼓,右足高跷,眉飞眼笑。《站式击鼓说唱俑》四肢刻画简略,但动态、神情传神。均惟妙惟肖地塑造了兴高采烈说唱的民间艺人形象。其手法之洗练,形象之生动,神态之活泼,可谓达到炉火纯青的程度。

两汉雕塑

两汉雕塑艺术的成就,突出表现在西汉大型纪念性石刻以及园林、陵墓装饰雕刻上,以赵佗先人墓附近的《跽坐石人》(我国现存最古老大型石刻)、霍去病墓石刻群为代表。

  • 霍去病墓石刻:

西汉纪念碑性质的一组大型石刻,现存陕西兴平。汉武帝在茂陵东面为霍去病选取的墓址,“为冢像祁连山”,以纪念霍去病在河西战役中取得的关键性胜利。现存的霍去病墓石刻,包括《马踏匈奴》等14件,另有题铭刻石2件,全部用花岗岩雕成。作者运用循石造型的手法,巧妙地将圆雕、浮雕、线刻等技法融合在一起,刻画形象以恰到好处、足以表现客体特征为度,绝不做自然主义的过多雕镂,从而加强了作品整体感与力度感。

汉人雕刻,气魄深沉宏大。

—— 鲁迅


  • 《马踏匈奴》:是霍去病墓群雕的主体和代表作,作者运用寓意手法,以一匹气宇轩昂、卓然而立的战马来象征骠骑将军霍去病,以战马将侵略者踏翻在地的情节,来歌颂霍去病在抗击匈奴战争中的勇敢和功绩。雕塑的外轮廓极为精准有力,从马头到马尾做大起大落的处理,马腹以下不做镂空处理,既保证了石雕的整体感,又暗示了匈奴无处可逃的困境。作品形象醒目、主题突出、风格古朴稚拙、凝重稳练,思想性和艺术性达到高度统一,是西汉雕刻艺术成就的代表性作品。
  • 循石造型:西汉大型石雕的共同特点,即因才施艺,较多的保留了原石的形状和质感,稍作加工,取其意似,不做细致刻画;花岗岩的特殊质感与这种古拙质朴的风格结合在一起,形成阳刚之美。
  • 《马踏飞燕》:1969年出土于甘肃武威,东汉青铜雕塑代表作。马昂首嘶鸣,三足腾空,飞驰向前,右腿集全身之力踏着一只飞燕。其大胆的构思、浪漫的手法。给人以惊心动魄之感。作品工艺精湛、造型写实。按古代良马标准衡量此马,几乎无一处不合尺度。被誉为汉代青铜雕塑的奇葩。

秦汉工艺美术


秦汉时代的工艺美术,在陶瓷、玉雕、髹漆、青铜等实用工艺领域,均有新创。

  • 汉代瓦当:

瓦当是建筑用的一种陶制品,它是瓦的头端。主要功能是排水、防水,保护木结构的屋架部分,因其外露,又可以作为装饰。瓦当的主要样式有圆形和半圆形(战国)两种,并且汉代主要流行圆形瓦当。在纹样上,两汉最流行卷云纹和吉祥文字瓦当。西汉末年出现青龙、白虎、朱雀、玄武等四神瓦当,以及“汉并天下”、“长乐未央”等西汉文字瓦当,在长安汉城遗址,还发现“延年益寿,与天相侍,日月同光”为内容的十二字瓦脊,内蒙古包头市出土的东汉时代“单于和亲”瓦当,体现了当时汉族与匈奴的和睦关系。

  • 原始瓷器:

釉陶在商代时已经出现,釉身青绿而带褐黄,胎较硬,呈灰白色,学术界把这种釉陶称为原始瓷器,被认为是瓷器的萌芽。原始瓷器以高岭土做胎,烧制温度高达1100-1200摄氏度,外层在高温下烧成与胎体结合很牢的玻璃釉质,胎质坚硬细腻,吸水性很弱,叩之有金属声。因工艺原始故称“原始瓷器”或“原始青瓷”。器形有尊、罐、豆、瓮、钵等。

  • 陶和瓷的区别:陶和瓷是一种工艺的两个不同发展阶段。瓷是陶的生产的高级阶段,是由陶的发展演变而来。但瓷器的出现并没有导致陶的消亡,而是形成了陶与瓷各自发展的局面。
种类 原料 烧制温度 物理性质 代表器型
陶器 黏土 800 质地松软、有微孔、表面无玻化现象,有一定的吸水性 彩陶、唐三彩、紫砂壶
瓷器 高岭土 1200 质地紧密、坚实、不漏水、表面有玻化现象,敲击有金属声 青瓷、白瓷、彩瓷
  • 《羽人骑天马玉雕》:出土于陕西咸阳,是西汉时期小型观赏玉器的代表作品。高7cm,质地为洁白润泽的羊脂玉。以圆雕形式雕琢而成,表现一位仙人乘天马在云中腾空奔驰,包含着仙人盗药、天马行空的情节构思,其气势宏伟,充满强烈动感,带有浪漫情调,同时也反映出汉人羽化登仙的追求。
  • 铜镜:

是秦汉最大宗的使用工艺美术品之一,其中汉代铜镜,与战国铜镜、唐代铜镜、宋代铜镜合称为中国“四大铜镜”。汉代铜镜具有体薄、平边、圆纽、装饰程式化等特点。西汉前期,延续战国铜镜传统,多采用平雕手法,镜背平整,镜边简略或采用连续弧纹作为装饰。王莽时期前后,主要流行规矩四神纹镜。东汉以来,镜面微凸,便于照出人面全部,盛行云雷纹、蝙蝠镜、画像镜,纽座大而成柿形,并多用吉祥语铭文。

  • 《规矩四神纹镜》:纹镜背面的花纹中有规则的LTV装饰格式。这类铜镜上一般都用青龙、白虎、朱雀、玄武图案作装饰,所以被称为规矩四神纹镜。边缘上有复杂装饰,常见锯齿纹、卷云纹和卷草纹等。加之方座纽、八乳丁,形成方与圆的对比,构成了一个优美的图案结构。


  • 《长信宫灯》:出土于河北满城窦绾(wan)墓,既是一件生活用品又是一件装饰品,是西汉工艺品代表作。灯身通体鎏金,有铭文“长信”二字,其造型为宫女双手执灯形象,灯盘可转动,灯光的光照度和照射方向可调节,宫女的袖子和身体中空,燃烧的烟气可导入体内,以保持室内清洁,达到实用与美观的统一,是汉代工艺雕塑的典范。
  • 《素纱禅衣》:湖南长沙马王堆出土,面料为素纱,衣服边缘为几何纹绒圈锦。素纱丝缕极细,重不到一两,是世界上最轻的素纱禅衣和最早的印花织物。可谓薄如蝉翼、轻若烟雾。且色彩鲜艳、纹饰绚丽。它代表了西汉初养蚕、缫(sao)丝、织造工艺的最高水平。
  • 汉代工艺美术的装饰风格:

可用质、动、紧、味来概括。

  1. 质,即具有古拙、质朴的特点古拙而不呆板,质朴而不简陋
  2. 动,流动的云气纹,产生流动的变化,生动的飞禽走兽,富有生命力
  3. 紧,满而不乱,多而不散,密中求疏
  4. 味,装饰味独具风格,耐人寻味,富有韵味


魏晋南北朝美术



著名画家


魏晋南北朝时期,出现了第一批有历史记载的专业画家,如曹不兴、卫协、顾恺之、陆探微、张僧繇、萧绎、曹仲达、杨子华等。

三国两晋画家

  • 曹不兴:

三国吴人,最早享有盛誉的画家,吴国八绝之一,落墨为蝇。主要画人物,记载中最早的佛像画家。

  • 卫协:

西晋画家,多画人物、道释题材,对六朝重气韵的画风最有影响。

古画皆略,至协始精。

—— 谢赫《画品》


  • 顾恺之:

东晋最伟大的画家,绘画理论家。传神论,重视描绘眼睛。“传神写照,尽在阿堵中。”刻画对象心理特征和精神风貌。肖像均以细节衬托人物个性风貌。追求恬淡寂寞的心理刻画和秀骨清像的类型描写。代表作《女史箴图》《洛神赋图》《列女仁智图》。理论著作《画云台山记》《论画》。提出“传神写照”“迁想妙得”“以形写神”等观点。

  • 《女史箴图》:根据西晋张华《女史箴》而画,共九段,内容是劝诫宫中妇女的封建道德规范,注重线造型,线的力度控制得当,恰如春蚕吐丝、行云流水。将战国以来的“高古游丝描”发展到完美境界。
  • 《列女仁智图》:根据汉代刘向《古列女传》第三卷《仁智传》而作,描绘历史上有智谋、有远见的妇女形象。
  • 《洛神赋图》:根据曹植《洛神赋》而画,创造了人神相恋的梦幻境界,抒发作者失恋感伤。以故事发展为线索,将人物情节置于自然山川中,人物之间的情思不依靠面部表情来显露,而是依靠人物之间的关系巧妙地展现。画中人物洛神含情脉脉,表达出一种可望而不可及的惆怅,是顾恺之“悟对通神”艺术主张的体现。
  • 迁想妙得:即艺术创作中,作者通过联想、移情、想象等心理活动获得主客体之间的情感体验,深思交融,由此达到传神的境界。“迁想”比“联想”更广泛,更有目的性,画家的想象力是出于“迁想”,也是画家“神思”的基础。
  • 以形写神:是顾恺之提出的形神关系论;认为神应以形为依据,如果仅仅形似,而不能反映出绘画对象特有的神、气都不算成功;强调人物画表现人物的精神和气质,但“传神”必须要通过一定的形象表达出来,以达到形神兼备。

南朝画家

  • 陆探微:

南朝刘宋时期最杰出的画家,活跃于5世纪中后期,擅长人物画。谢赫在《画品》中将他评为第一品第一人。他运用草书体势,形成气脉连绵不断的“一笔画”的笔法。画人能做到“精利润媚”、“笔迹劲力如锥刀焉”。

  • 秀骨清像:陆探微创造了“秀骨清像”的人物形象,是对崇尚玄学、重清淡的六朝士人形象的生动概括,“秀骨清像”在当时蔚然成风,并影响到雕塑造型。
  • 张僧繇:

萧梁时期的画家,活跃于6世纪上半期,以绘制佛寺壁画为主,笔法属于“笔才一二,像已应焉”的疏体

  • 张家样:张家样是张僧繇所创造的佛教人物画风格,是古代寺庙中影响最大的式样,它吸取了天竺凹凸花之绘法,一改顾、陆以来“秀骨清像”的人物造型,首创“面短而艳”的、富有立体感的形象,达到“对之如面”的效果。被唐代理论家评价为“得其肉”。张家样是张僧繇区分于其他人物画家的明显标志。
  • 萧绎:

南朝梁元帝,存世作品《职贡图》是宋代摹本,描绘了前来朝贡的外国使节,旁书介绍该国风土人情。

北朝画家

  • 曹仲达:

北齐画家,以画梵像著称,被誉为“曹家样”、“北齐最精工”画家。其风格被称为“曹衣出水”,即用细劲、稠密的线条表现质薄且紧贴身躯的衣褶,犹如刚从水中出来一样。“曹衣出水”是受印度笈多艺术影响,又融入中原画风而形成的的,是佛教艺术最初传入我国几个世纪里中外交融的艺术风格。

  • 杨子华:

北齐宫廷画家,表现当时题材的人物画和贵族风俗画,代表作《北齐校书图》,其人物形象风格鲜明:面型较长,发际线高,额圆面方,呈鹅卵形。


画学理论


魏晋南北朝时期,绘画自觉并独立成科,在人物画、山水画方面,出现了对后世影响深远的一批理论著作。其中,顾恺之《论画》谢赫《画品》是绘画史上最早的理论著作,他们的理论奠定了古代画史、画论的发展道路,其核心精髓是重气韵、重表现人物风貌、气质、重传神写照。其次,还有孙畅之《述画》宗炳《画山水序》以及王微《叙画》等。

  • 顾恺之《论画》:

前半部分是画评,后面是摹写要法。提出人物画的“传神”,并强调了绘画技巧的重要性。《论画》的重要性在于将绘画的一般性论述上升到理论高度,开辟了中国古代艺术理论的研究领域。“六法”的产生、古代绘画对气韵、神采的追求,都受到了他的理论的影响。

  • 谢赫《画品》:

谢赫是南齐的画家、理论家。《画品》是古代第一部对绘画作品、作者进行品评的理论文章,对曹不兴以来的27的画家分品第高下。《画品》中提出了绘画的社会功能:

明劝诫,著深沉,千载寂寥,批图可鉴。

—— 谢赫《画品》


  • 六法论:南齐画家、理论家谢赫提出的绘画品评的标准:

气韵生动,骨法用笔,应物象形,随类赋彩,经营位置,传移摹写。

—— 谢赫《画品》


  • 六法论的意义:中国古代绘画进入了理论自觉的时期。后代画家始终把六法作为衡量高下的标准。宋代美术家郭若虚说:“六法精论,万古不移”。从南朝到现代,六法被运用着、充实着、发展着,从而成为中国古代美术理论最具稳定性、最有活力的原则之一。对于画家来说,六法论是全面的、最高的要求,一般是很难完全达成的,各擅一节足矣。
  • 孙畅之《述画》:

第一部传记体画史著作。记述了汉代到南朝宋、齐的画家传记。

  • 宗炳《画山水序》:

宗炳是南朝刘宋时期的画家、理论家,也是著名的佛学家。他在《画山水序》中提出“山水以形媚道”,晚年画山水于居所四壁,“卧以游之”。《画山水序》即是中国山水画理论的起点和基础,也最早将老庄道家思想贯彻到画论。他还提出了“畅神说”

  • 畅神说:打破了“君子比德”的美学观,表现了一个新的美学思潮的兴起,即变儒家成教化、助人伦的道德传统为审美体验功能。其认为自然山水形象能给人带来精神的愉悦和美的享受。畅神说的核心是要求艺术创作的表现对象具有内在的生命力,这种生命力只能来自于主体精神的贯注,这种贯注来自于主体与对象之间的水乳交融。畅神说体现出审美经验的终极旨归在于帮助主体寻找人生的意义与价值的真谛。
  • 王微《叙画》:

排除了山水画的地图实用价值。其畅神说反映了当时的画家对自然山水娱情作用的认识,他还认为山水画应该独立成科,把山水画提高到圣人经典般的高度,王微还提出书法笔势可用于山水画,乃是后世述画相通论之始。他提出“写心论”,与宗炳“以心写画”相得益彰。最后,要求山水画“怡悦情性”,可称为文人画之滥觞。


绘画遗迹


魏晋南北朝时期的绘画遗迹,主要有河西魏晋墓室壁画、高句丽墓室壁画、东晋南朝模印砖画,以及北朝石刻线画与漆画等。

东晋南朝模印砖画

多见于墓壁的模印砖画,最具特色的是《竹林七贤与荣启期》。

  • 《竹林七贤与荣启期》:竹林七贤与荣启期是南朝时期砖画的重要表现题材,出现于数座南朝墓中,以南京西善桥大幕出土的作品最具代表性。该砖画发挥了线条的表现力,体现了秀骨清像的审美风尚,画中人物个性鲜明,是当时传神理念的典型显现。

雕塑艺术与书法篆刻艺术


魏晋南北朝时期是古代雕塑史上一个重要的发展时期,佛教雕塑在此时处于主体地位,出现了第一位有历史记载的雕塑家戴逵,且擅长佛教雕塑。 至于书法篆刻艺术,魏晋南北朝是其重要发展阶段,各种书体均已出现,如钟繇的楷书,“二王”的草书等。

  • 戴逵:

是东晋著名画家、最具影响的雕塑家,擅长佛像雕塑,改善外国传入的佛像式样而创造出为当时民众更能接受的雕刻形式。他曾用10年时间创作5尊佛像,成为“瓦罐寺三绝”之一,戴逵与儿子戴顒(yong)创造的佛像样式称为“二戴像制”

  • 二王:
  • 王羲之:

王羲之,字逸少,人称王右军,其成就是变章草为今草、变革楷书和行书。被誉为“书圣”,代表作《兰亭序》

  • 王献之:

自幼采各家之长,尤以行、草著名,为魏晋以来的今草、今楷做出了贡献,被誉为“小圣”,代表作《鸭头丸贴》《洛神赋》,世称“行世小楷无出其右”。


石窟建筑艺术


魏晋南北朝时期,佛教建筑兴盛,形成石窟、寺院、佛塔三种建筑形态。就石窟建筑而言,中原地区的云冈石窟是北魏皇室开凿的第一座大型石窟建筑,并以此逐渐形成以云冈石窟、敦煌莫高窟、天水麦积山石窟、洛阳龙门石窟为代表的魏晋南北朝四大石窟

  • 克孜尔石窟:

位于新疆拜城,原属西域龟兹(qiu ci)境内,是我国开凿最早、地理位置最西的大型石窟群,开凿于公元3世纪,8-9世纪逐渐停建,其延续时间之长在世界各地是绝无仅有的。克孜尔石窟共有4个石窟区,现有石窟236个,其壁画深受印度佛教艺术的影响,融合本地艺术传统,形成了鲜明的龟兹风格。内容以本生故事、姻缘故事和佛传故事为主,画面构图简洁、线条奔放、色彩强烈,采用了源于印度的凹凸法,立体感很强。在洞窟券顶画满菱形格,一格描绘一个故事或一个坐佛,是龟兹壁画的独特面貌。

四大石窟

  • 云冈石窟:
  1. 位于山西大同武周山南麓。石窟依山开凿,东西绵延1公里,现存主要洞窟45个,分东、中、西三区,是我国规模最大的石窟群之一,
  2. 北魏皇室开凿的第一所大型石窟,最早由沙门昙曜主持修建的5所被称为“昙曜五窟”
  3. 昙曜五窟规制宏大,平面呈椭圆形,里面为穹窿顶,造像多为三佛。五个石窟主体造型象征五世帝王,突出宣扬“皇帝即是当今如来”思想。主尊形体造像充塞窟内空间,异常高大,是君权与神权统一的象征。
  4. 雕像粗壮雄伟,面型方圆,鼻梁直挺,衣纹简洁流畅,反映出中亚造像的特色。
  • 麦积山石窟:
  1. 位于甘肃省天水市,始建于十六国时期,后经西秦、北魏、北周、隋唐至宋元各代开凿和重建。
  2. 石窟层层雕凿在一峰独起,状若麦积的悬崖绝壁之上。
  3. 石窟造像以泥塑为主,其中北朝塑像是麦积山石窟艺术的精华。
  4. 由于地处南北分界,麦积山石窟受各方文化影响,其清新秀丽而又浑厚质朴的艺术风格在北方石窟中独树一帜,较早形成了具有中国特点的佛教石窟艺术体系。
  • 龙门石窟:
  1. 位于河南省洛阳市,开凿在东西二山上,又称伊阙,是北魏迁都洛阳后再次开凿的石窟,
  2. 北魏时期的代表洞窟有宾阳洞古阳洞莲花洞石窟寺洞等,其中,古阳洞是龙门石窟较早开凿的,在书法碑刻“龙门二十品”中,十九品选自古阳洞。
  3. 造像多为身材秀挺、百容瘦削的秀骨清像。具有民族特点和中原风格,是形成中国是佛教艺术体系过程中重要一环。
  4. 龙门石窟在唐代再次成为大规模宗教活动中心 ,唐代完成的奉先寺造像是龙门石窟中规模最大、最具有代表性、艺术最为精湛的一组摩崖型群雕。
  • 敦煌莫高窟:
  1. 主要包括敦煌、安西境内的石窟,其中重要的有三处:敦煌县的千佛洞莫高窟和安西县的榆林窟
  2. 莫高窟位于甘肃敦煌鸣沙山东麓,先后经历了十六国至明清11个朝代的建造,集建筑、雕刻、绘画于一体,全面、系统地保存和反映了我国佛教艺术的发展演变过程。
  3. 莫高窟壁画唐代,艺术水平达到极深,题材广阔,场面宏伟,色彩瑰丽,从人物造型到风格技巧都达到了空前水平。宗教绘画中出现了大量现实生活的场面,神像具有人的形象气质。大幅的经变画,特别是《西方净土变》,表现佛所居住的西方极乐世界,以巨大的场景画出楼台殿阁、七宝莲池、歌舞伎乐等物象,是大唐繁荣经济的反映。
  4. 莫高窟彩塑的突出特点是泥塑与色彩、壁画相结合达到统一效果。唐代是莫高窟彩塑艺术的最高峰,在规模、内容、气魄上,均超越其他时代。
  • 盛唐塑像:盛唐造型上有一个特点:菩萨形象的世俗化和女性化,最典型是南大像北大像等巨型佛像。从工艺上说,追求质感、精细雕刻,比如面部五官的处理。

大足石刻

  • 大足石刻:

位于重庆市大足区境内,是唐宋时期的宗教摩崖石刻,以佛教塑像为主,儒、道教并陈,有“东方艺术明珠”之称。其时间跨度从九世纪到十三世纪,现存石刻群75处,5万余尊宗教石刻造像,总计10万多躯,铭文10万余字,其中以宝顶山北山摩崖石刻最为著名,是中国晚期石窟造像艺术的典范。大足石刻证明了佛教、道教和儒家思想和谐相处的局面。其规模之宏大、艺术之精湛、内容之丰富、保存之完好,世界罕见,故与四大石窟齐名



隋唐美术



人物画


唐代是中国绘画走向成熟的时期。尤其是人物画获得了重大的发展。首先在继承传统的同时,又有进一步成就的是初唐的阎立本。与此同时,活跃于画坛的少数民族画家尉迟乙僧等人,主要以画外族人物、佛像以及奇珍异兽闻名。盛唐以后,产生了吴道子“吴家样”周昉“周家样”为代表的道释人物画新样式,因此,唐代人物画坛呈现名家辈出,流派纷呈的繁荣气象。

  • 阎立本:

初唐宫廷画家,工于写真,尤擅故事画,取材多是贵族、官宦以及宫廷历史画,用于借鉴贤愚、弘扬治国安邦大业。他对传统继承发展,人物动态拘谨而重面部特征的刻画,线描细劲坚实,被称为“铁线描”,设色浓重艳丽。代表作品有《步辇图》《历代帝王图》等。

  • 《步辇图》:描绘的是贞观十五年,唐太宗下嫁文成公主与吐蕃王松赞干布的联姻事件,选择了唐太宗接见吐蕃使臣禄东赞的情节加以描绘,其表现手法为“铁线描”加以深沉的设色,重视面部特征刻画,成功的塑造了人物形象和性格特征。其中,禄东赞及其随从的举止、相貌有着强烈的高原民族特色;唐太宗的形象则表现的更为成功,在深沉谦和的外表中流露出深才大略和非凡气度。
  • 《历代帝王图》:此画描绘了西汉至隋朝十三位帝王像,画中帝王鲜明的外貌特征体现出每一个帝王不同的心态、气质和性格。从画像上来看,虽然有程式化的倾向,但在人物个性刻画上表现出了很大的进步,个性鲜明。画中按照等级森严的封建伦理观念,遵从“主大从小,尊大卑小”的人物安排原则来处理大小和前后。以重色晕染衣纹,色彩效果凝重,人物造型准确,用线为粗细均匀的“铁线描”。体现出初唐人物画的特征。
  • 尉迟乙僧:

和阎立本同时代,擅长描绘佛像和外国人物,他画“外国鬼神,奇形异貌,中华罕继”。采用“铁线描”设色侧重晕染的方法。以他为代表的西域绘画风格令人耳目一新,为后唐画家追求更为成熟的绘画语言和技巧表现创造了良好的条件。

  • 吴道子:

盛唐画家,被誉为“百代画圣”,创作成就首先体现在宗教绘画上,创作了三百余堵壁画。以“地狱变相”题材最为出名。传为吴道子的作品有《地狱变相图》《送子天王图》等。吴道子上溯张僧繇立体画法,向下影响了北宋武宗元、李公麟的人物画。同时,吴道子还发展了张僧繇洗练概括的笔墨绘画技巧,即所谓“笔才一二,像已应焉”“笔不周而意周”

  • 吴带当风:吴道子以书法用笔入画,创造出顿挫起伏、变化丰富、错落有致的“兰叶描”,状若“莼菜条”,富有强烈的节奏感和运动感,取得了“天衣飞扬,满壁风动”的视觉效果,这种艺术风格,人称“吴带当风”。吴道子为了强调线条的表现力,有意识地在画面中压缩色彩的比重,突破了南北朝以来铁线描施重彩的风格,开创了雄浑奔放、墨彩兼备的新画风,世称“吴装”。此外,他还创作了一些“只以墨踪为之”的“白画”,为后世白描之先声。
  • 吴家样:“吴家样”与曹仲达的“曹家样”,北宋带评论家概括为“吴带当风,曹衣出水”。北宋画家武宗元笔下的人物被认为是“造吴生秘奥”,体现了吴派的影响。
  • 仕女画:

仕女画在初唐受到重视,盛唐时期的张萱和由盛唐入中唐的周昉代表了其后的高度成就。

  • 张萱:

盛唐宫廷画家,擅长人物画,尤工仕女题材,着重描写深宫妇女被遗弃冷落寂寞的生活,画卷中充满了欢乐情节。其女性形象“曲眉丰颊,浓丽丰肥”,是盛唐人物画的典型风格。代表作品《捣练图》《虢(guo)国夫人游春图》

  • 《捣练图》:分不同情节描绘了从事制作劳练的贵族妇女,这些妇女大多曲眉丰颊,体态肥硕,服饰繁缛华丽。全卷分为三段,开始一段为四个妇女在捣练,中间一段是络线、缝制,最末一段是把练熨平。三组人物之间联系自然、生动、合理。
  • 《虢国夫人游春图》:以盛唐宫廷贵族妇女出游为题材,画的杨贵妃姐妹三月三日游春的场景。此画不依靠背景,仅以一组人物的配置、马的跑动和色彩运用,便衬托出春天的气息。
  • 周昉:

生活于盛唐安史之乱由盛而衰之际,仕女画继承和发展了张萱的画风,在宗教画方面也形成了独特的风格,是唐代最具代表性的画家之一。周昉的仕女画有衣纹劲简,色彩柔丽,丰厚为体的特点。体现了中晚唐贵族的审美情趣。其用笔秀润匀细,但已不同于张萱笔下的欢愉活跃,而流露出一种郁闷寂寥、百无聊赖的情绪。代表作品《挥扇仕女图》《簪花仕女图》

  • 《挥扇仕女图》:以长卷描绘了宫中嫔妃生活的哀怨,深刻揭示了人物的心理特征。全图共13人,分段情节为独坐、抚琴、对镜、刺绣、倚桐等。全图以表情之物为衬托,人物安排在秋日、哀婉的气氛中。画中妇女体现出周昉所创立浓丽丰腴的式样。
  • 《簪花仕女图》:此图分为四段,分别描写妇女采花、看花、漫步、戏犬的情形,人物线条简劲圆润而有力,设色浓艳富贵而不俗。构图采用平铺列绘的方式,卷首和卷尾的宫女均做回首的姿势,是典型的唐代仕女画标本型作品,代表了唐代现实主义绘画风格。
  • 周家样:在宗教画方面,周昉将观音菩萨画于水月清幽的景色里,突出对象的圣洁,即所谓“水月观音”之体,这种风格被称为“周家样”。这与“张家样”、“曹家样”、“吴家样”合成“佛教四样式”

山水画


初盛唐之际,山水画已脱离了人物故事而独立成科,到盛唐,出现了画法工致、赋色浓丽的青绿山水和笔迹豪放、水墨简淡的破墨山水两大流派。其中,展子虔、李思训画山水树石笔格遒劲细密,开创了金碧山水一脉,而吴道子画山水笔迹豪放,于是“山水之变始于吴”。此外,王维以诗入画创“破墨”山水,抒写文人情怀,为后世宫廷绘画以及民间宗教画所继承,王洽画松石山水则疯癫狂放,创“泼墨”之法,为文人画的形成和发展奠定基础。再者,张璪“外师造化,中得心源”的艺术主张从一个侧面说明了艺术家对山水画的创作与理解。自此,山水画自立门户,形成中国古代绘画独特的发展体系。

唐代青绿山水

  • 青绿山水:

我国古代山水画形式之一,青绿山水多以线勾勒山水树石形状,以石青、石绿填色,其画法工致,赋色浓丽,画面金碧辉煌,有装饰意趣,反映出浓厚的宫廷与贵族审美气息。现存青绿山水作品大都是古代服务于宫廷或宫廷画院的画家所作。唐代青绿山水画家以展子虔、李思训、李昭道父子为代表。

  • 展子虔:

擅长山水画,被誉为“唐画之祖”,代表作有《游春图》

  • 《游春图》:是我国发现最古老的山水画卷轴,也是我国存世最早的一副真正意义上的山水画,画上有宋徽宗赵佶写的“展子虔游春图”六字。该图以青绿勾填法描写了全景式构图的山川、人物,尚无皴法,树木直接用粉点染,艳丽的设色,体现朴拙而真切的描绘自然景色的能力。开启李思训、李昭道金碧山水之先河,开创青绿山水之端绪。画面采取俯瞰式构图,获得“远近山川,咫尺千里”的效果。画面游乐于山川的人物,是在追求“超然物外”、“画外有情”的艺术境界,形成了隋唐山水画的新格局。
  • 李思训:

史称“大李将军”,唐人推崇其为“国朝山水第一”《江帆楼阁图》被认为是李思训的作品,运用“勾斫(zhuo)”“钉头皴”表现山石结构再填以青绿重彩,富丽堂皇,明显带有贵族欣赏意趣,显示出盛唐艺术的辉煌气势,被后世誉为青绿山水典范

  • 李昭道:

李思训之子,史称“小李将军“设色用笔稍变其父法,被认为“变父之势,妙又过之”,创“斧劈皴”《明皇幸蜀图》表现安史之乱时,唐明皇入蜀避难,在崇山峻岭之中跋涉的情景。

唐代水墨山水

  • 王维:

著名诗人,是唐代影响深远的山水画家,引领水墨山水一派。王维没有山水画作品留存,但据记载,王维作品线条劲爽,用笔利落,王维的创举在于以诗入画,创造简淡抒情的意境。

味摩诘之诗,诗中有画,观摩诘之画,画中有诗。

—— 苏轼


王维的创举还在于以水墨代青绿渲染,创“破墨”“雨点皴”山水技法,大大发展了山水画的笔墨意境,并且以辋川为题材,为文人山水画的形成和发展奠定了基础,明代画家董其昌提出的“南北宗论”更是把王维推为“南宗之祖”受众多画家追随。

  • 张璪:

唐中期画家,作品多以水墨作山水松石,意趣追摩王维。他的名言“外师造化,中得心源”强调通过摹写山水来传达人物的主观性情。

  • 外师造化,中得心源:

此论点出自张璪,是中国绘画史上的不朽名句,该观点强调艺术创作既要以大自然为师。又要经过艺术家内心的感受和孕育。“外师造化”,与“中得心源”的有机结合,才可以创作出好的作品。“外师造化,中得心源”强调了通过摹写客观事物来传达人物主观性情,对绘画中主客观关系作了深刻的概括。


唐代花鸟画


花鸟画在唐代独立成科,出现专擅花鸟的画家,薛稷以画鹤知名,边鸾擅画孔雀。而晚唐避乱入蜀,工龙水竹石花鸟猫兔的刁光胤则对黄荃等西蜀画家有直接影响。公淑墓出土的《牡丹芦雁图》是目前所见独立成副最早的花鸟画。此外,康萨陀因其细致的观察和表达,花鸟画呈现“初花晚叶,变化多端”的新画风;以及作为独立分科的鞍马绘画在唐代也备受瞩目,以盛唐时期的韩幹和韩滉为代表。

  • 薛稷:

擅画鹤,创造了屏风画“六扇鹤样”

  • 边鸾:

“牡丹第一、正面鸟雀第一、折枝第一”,其花鸟设色鲜明,浓艳如生。

  • 韩幹:

擅画马,注意写生,韩幹画的马膘肥体壮、生机勃勃,代表作《照夜白图》《牧马图》

  • 曹霸:

画史称为曹将军,曾修补《凌烟阁功臣图》

  • 韩滉:

擅画牛,代表作《五牛图》。用线勾勒,略施晕染。


绘画理论


绘画史论著作隋唐时大量涌现,体裁更为丰富:品评著作、绘画的断代史、绘画著录、绘画通史等。到中晚唐之际,中国古代画学史论著述体例和画学体系逐渐确立。

  • 裴孝源《贞观公私画录》:

现存最早一部绘画著录,开创绘画史料学先例。

  • 朱景玄《唐朝名画录》:

又称《唐画断》,是中国现存最早一部绘画断代史。按“神、妙、能、逸”四品记述唐代画家共120人。

  • 张彦远《历代名画记》:
  1. 是我国第一部体例完备,史论结合,内容宏富的绘画通史著作。
  2. 全书共十卷,大致可以分为三部分内容:绘画史理论绘画著录画家传记
  3. 《历代名画记》继承和发展了中国史论结合的著史传统,以当时绘画实践所能达到的理论认识为指导,在占有尽可能丰富的材料基础上,作绘画历史规律的探讨和理论归纳。专辟叙论部分,集中阐述绘画发展的史论认识。
  4. 首先阐明绘画的功能:“夫画者,成教化,助人伦,穷神变,测幽微。与六籍同功,四时并运”
  5. 又对谢赫“六法”作了进一步阐发,强调了“气韵”、“骨气”之间的辩证关系,提出“笔不周而意周”,作画在于“得意”的主张。
  6. 在阐释顾恺之、陆探微、张僧繇、吴道子等画家笔法风格特点时。又指出古代绘画中存在着“疏”“密”二体的发展线索和唐以来师资南北传授系统
  7. 张彦远《历代名画记》是一部系统的绘画史学名著,在中国绘画史学发展上具有承前启后的划时代意义,是研究中国古代绘画史的经典文献。

书法艺术


隋唐书法主要承袭六朝,特别是王羲之七世孙智永禅师所创“永字八法”,为隋唐书法所宗奉。唐代书法家有被誉为初唐四大书法家的虞世南、欧阳询、褚遂良、薛稷为代表的初唐四大书法家,以及颜真卿、柳公权、张旭、怀素等人。

  • 颜真卿:

擅楷书、行书,以大楷著称,字如锥石,浑厚雄强。字字谨严,颇有庙堂气,代表作《东方画赞碑》《大唐中兴颂》《祭侄文稿》等。

  • 柳公权:

晚唐书法家,重骨力,时有“颜筋柳骨”为誉,其楷书代表作《玄秘塔碑》意气充足,行书墨迹有《蒙诏帖》等。

  • 张旭:

苏州人,好酒,每次大醉呼叫狂走后下笔,甚至以头溽墨而书,以为神助,世称张颠。书写全凭自身意气,草字虽奇怪百出,而求源流,无一点画不合规矩。代表作草书《古诗四帖》

  • 怀素:

生于开元末,疏放不拘细节。草书别创一格,人称“颠张狂素”。代表作有《自叙帖》《食鱼帖》《苦荀帖》等。


雕塑与建筑艺术


隋唐时期,是中国古代雕塑步入更为成熟的时期,也是成就最高的一个时代,代表艺术家有杨惠之等人。而佛像雕塑在隋唐雕塑中居主导地位(四大石窟),以及具有纪念碑性的陵墓雕刻,如昭陵六骏等。

  • 杨惠之:

唐代雕塑家,与吴道子同为唐开元间人,两人初为画友并均师从张僧繇。后专攻雕塑。杨惠之的作品当时几乎遍布中州一带,今天所见到的只有传为其所作的保圣寺的罗汉塑像了。著有《塑诀》一卷。

道子画,惠之塑,夺得僧繇神笔路。

—— 唐代佚名诗


  • 昭陵六骏:指立于唐太宗昭陵墓前的六块浮雕,内容表现他生前骑过的六匹战马,即飒露紫青骓拳毛騧(gua)、什伐赤特勒骠白蹄乌。其中飒露紫选取战马受伤,士兵为其拔箭的瞬间,具有情节性。六座浮雕纯熟地运用了“起位”的浮雕技法,是我国浮雕艺术史上的代表性作品。
  • 赵州桥:位于河北赵县,又名安济桥,是由李春主持修建的,历时1300多年不间断使用而未大坏。桥身以37米的大券横跨在河上,大券两肩各有二个小券,既减少用材,减轻桥身负重,又起了雨期涨水排洪的作用。其栏板和望柱的石刻以飞龙、蛟龙为主,是隋代石刻艺术的珍品。

工艺美术


  • 唐三彩:
  1. 是唐代盛行的一种低温铅釉的彩釉陶器,产地以洛阳为代表,所以亦称洛阳三彩俑
  2. 其制作工艺是采用经过精炼的白粘土制胎,首先用1000度左右的高温烧陶胎,挂上黄、绿、褐等色;后经过900度左右的二次焙烧,在器皿上构成各种纹样。
  3. 唐三彩包括俑和生活器具等类型,其制品均不变形,不开裂,不脱釉,且多用作冥器,其中俑、骆驼、马更为精品,安史之乱后逐渐衰落。
  • 兴盛的原因:陶瓷业的飞速发展,以及雕塑、建筑艺术水平的不断提高,促使它们之间不断结合、不断发展,因此从人物到动物以及生活用具都能在唐三彩的器物上表现出来,其次,厚葬之风日盛,这也是唐三彩当时能够迅速在中原地区发展和兴起的一个主要原因之一。
  • 陵阳公样:

即用对称形式结构的纹样,也是唐代织锦中经常采用并带有特色的图案形式。窦师纶是一位丝织设计家,其设计的对鸡、对羊、对禽等十多种纹样在唐代十分流行。因窦师纶封爵“陵阳公”,故这些纹样被称为“陵阳公样”。

  • 《鎏金舞马衔杯银壶》:唐代金属工艺的杰出代表,壶高18.5厘米,造型仿造北方草原民族使用的皮囊壶,扁圆体,壶口有鎏金覆莲形盖,弓形提梁也鎏金,壶的两边分别锤出舞马衔杯纹,这种纹样体现了唐玄宗生日“千秋节”马舞表演活动。这种仿制皮囊壶的形式,既便于军旅外出时携带,又便于日常生活的使用,表现了唐代工匠的匠心独具。


五代美术



人物画


  • 周文矩:

南唐画院待诏,能画冕服、车器、人物、仕女,仕女画近似周昉,而纤丽过之。代表作《重屏会棋图》

  • 《重屏会棋图》:描绘南唐中主李璟与其兄弟弈棋,李璟坐于正中,具有肖像画意义。因背景屏风中又画一屏风,故名重屏。此图把南唐皇帝美化为友爱谦恭、风度文雅的形象,衣纹勾线以细劲而带顿挫的颤笔形成独特的风格。
  • 顾闳中:

与周文矩同为南唐画院侍诏,以画人物肖像画著称。用笔圆劲,间以方笔转折,设色浓丽,擅描摹人物神情意志。现存作品《韩熙载夜宴图》

  • 《韩熙载夜宴图》:五代画家顾闳中的代表作品。夜宴图以长卷形式分为夜宴、观舞、休息、演乐、宾客酬应五个场面,表现南唐大臣韩熙载放纵不羁的夜生活。画中人物形象生动传神,不同的身姿容貌以至手的表情都处理的较为成功,特别是韩熙载的形象具有肖像画的特点。该画也是研究中国工艺美术史和音乐史、舞蹈史及绘画史的重要资料。《韩熙载夜宴图》反映了失意官僚的心里矛盾和腐朽的生活面貌,较其他表现贵族生活的画卷有着更深刻的意义。

山水画


五代时,北方以荆浩、关仝为代表,南方以董源、巨然为代表,以此形成了完全不同的风格流派,体现了五代山水画的巨大成就。

荆浩、关仝

  • 荆浩:

善于表现北方宏伟的自然山川,笔下的山水大都是崇山峻岭、层峦叠嶂,气势宏伟壮观。代表作《匡庐图》,著有《笔法记》

  • 《匡庐图》:荆浩代表作,在巨轴中表现巍峨山峰以及山脚下的幽居。笔墨皴法,全景式构图,高远、深远、平远兼具。技巧上较唐代有明显提高。
  • 《笔法记》:提出“图真”“搜妙创真”,还提出“六要”:即气、韵、思、景、笔、墨。发展了谢赫六法论。
  • 关仝:

董源追随者,多描绘关陕一带山水,擅画秋山、寒林、村居、野渡等景色,其北方山川俊伟荒寒的景象被称为“关家山水”。代表作《关山行旅图》《山溪待渡图》

  • 《关山行旅图》:峰峦俊厚而富于变化,山腰云气缭绕,山下板桥枯树,野店荒村,具有浓郁的生活气息。

董源、巨然

  • 董源:

生活于山明水秀的南方,“多写江南真山,不为奇峭之笔”,其山水有青绿、水墨二体,尤擅水墨山水,皴擦点染结合并用,创造了披麻皴点子皴等表现方法。其“平淡天真”的山水特别受到北宋米芾、沈括等人推崇。到了元代,取法董巨的风气渐开,元四家与明代吴门画派,更是奉董源为典范,明末董其昌南北宗论虽然在理论上尊王维为“南宗之祖”,但实际上却是在追溯董源。传世作品《潇湘图》

  • 《潇湘图》:以横卷形式表现山峦起伏、江河萦绕、烟雨空闲、草木丰茂的江南景。
  • 巨然:

董源的追随者,金陵开元寺僧人。代表作《秋山问道图》《万壑松风图》《层峦丛树图》


花鸟画


五代时期花鸟画有重要的发展和创造,特别是富庶安定的西蜀和南唐地区成就更为突出,其中以西蜀黄荃及南唐徐熙成就最高,形成了不同的风格流派,超越了唐代花鸟画水平。


  • 黄荃:
  1. 西蜀宫廷画师,西蜀宫殿壁画屏风大多出于黄荃父子之手。
  2. 黄荃的花鸟画继承唐代以来的传统,多用淡墨细勾,再以色渲染,即“双勾填彩法”
  3. 作品多描绘宫廷中的珍禽异卉,勾勒精细,几乎不见笔迹,而以轻色染成,谓之“写生”
  4. 画面具有精谨艳丽的富贵气象,传世作品《写生珍禽图》具有精湛的写实技巧和细腻的风格。
  • 徐熙:
  1. 南唐士大夫,终身不仕,自命清高。
  2. 花鸟表现自然田园中的花鸟鱼虫。
  3. 突破了唐以来细笔填色表现画鸟的格式,而采用水墨淡彩,即不拘泥于精勾细描,而是信手抒写,略加色彩。
  4. 其形神描绘皆体现于“落墨”,一切以“墨”来奠定,“色”只是辅助地位。
  5. 徐熙也为宫廷画过装饰艳丽的“装堂花”、“铺殿花”。
  • 徐黄体异:

五代黄荃与徐熙的花鸟画艺术风格迥异,人们用“黄家富贵,徐熙野逸”来概括评价二家不同的风格。徐黄体异主要体现在以下几个方面:

  1. 师承关系不同:黄荃师承唐代薛稷等人的花鸟画传统;而徐熙师承不明显,主要靠师法自然和发挥自己的独创精神。
  2. 题材不同:黄荃多取材于宫廷珍禽瑞鸟、名花奇石;而徐熙则善画自然中的花鸟鱼虫。
  3. 技法不同:黄荃画画鸟,用笔极细,不见墨迹,赋以色彩轻染,谓之写生;徐熙采用水墨淡彩,即不拘泥于精勾细描,而是信手抒写,略加色彩。
  4. 格调不同:黄荃追求形象的真实,画面具有精谨艳丽的富贵气象,而徐熙追求质朴、淡雅的格调和生动活泼的笔墨趣味。

黄荃与徐熙一个在宫廷,一个是处士,因为不同的生活环境、思想情怀及不同的笔墨技法而形成了面貌迥异的风格。这是中国美术史上第一次出现以画家风格为分野的花鸟画派。



两宋美术



宋代绘画的繁荣兴盛


北宋首都汴京,是继唐代长安、洛阳之后的又一古代绘画中心,1127年宋室南迁后,绘画中心转移到杭州,形成宋代绘画全面繁荣兴旺的状态,即世俗绘画、宫廷绘画、士大夫绘画在不同阶层范围中发展并相互影响。

  • 职业画家:

此时职业画家的创作具有明显的商品化性质。绘画作为固定行业与社会建立更广泛的联系,突破了宗教和贵族题材的限制,世俗题材有了很大的发展。

  • 宫廷绘画:

宋朝在建国之初建立了翰林图画院,集中了社会上的名手以及南唐、西蜀两地的画院画家。翰林图画院归内侍省管理,专门为宫廷及皇室服务。画院通过考试选拔人才。

以不仿前人,而物之情态形色俱若自然,笔韵高简为工。

—— 画院考试标准


即要求严格的写实技巧,又强调立意构思,多摘取诗句为题目。

  • 宋徽宗赵佶对皇家专门画院——宣和画院的支持,使得画院体制完善,规模扩大,成为古代宫廷绘画是最为繁盛的时期。
  • 南宋沿袭北宋的画院体制,画院内人才济济,多是北宋影响深远的画家,如马贲(ben)、王希孟、张择端、李唐等,仍用宣和画院旧人补充当地画手重建画院,名家齐聚宫廷,如马远、夏圭、李嵩、梁楷等绘画巨匠,又一次掀起了宫廷绘画的高潮。出自画院画家的作品,反映了最高统治者的审美标准,谓之“院体画”。风格多工整细腻、细节繁复而写实逼真。院体画在宋代最为鼎盛。
  • 士大夫绘画:

宋代文人士大夫把绘画进一步视为文化修养和风雅生活的重要部分,出现了很多收藏家、鉴赏家和画家。他们精深文化修养和书法造诣,绘画多为寄兴抒情之作,题材偏重墨竹、墨梅、山水树石以及花卉,追求主观情趣的表现,反对过分拘泥于形似的描摹,艺术表现力上力倡天真清新的风格。宋代文人士大夫绘画,在理论和实践上都为元明清文人画奠定了基础。

  • 题材风格多样化:宋代绘画题材内容广泛,其中工笔绘画有突出的成就,青绿重彩仍然流行,水墨着色在山水画中占有重要地位,形简意赅的写意画也开始出头。与此同时,宋代绘画体裁样式也甚是丰富、巨幅壁画、高屏仍在流行,长卷立轴也颇为常见,小幅及册页也很受欢迎,粉本小样与白描也有人珍藏。

人物画


北宋初期,宗教人物画继承唐代以来的传统,以画家武宗元为代表的推崇吴道子。北宋中后期,郭若虚提出:

若论佛道人物,士女牛马,则近不及古,若论山水林石,花鸟禽鱼,则古不如今。

—— 郭若虚《图画见闻志》


以此为标准,人物画向着两个方向发展。在画法上,由绚烂的重着色走向水墨是一个方向。北宋,以李公麟为代表,不但在道释画中赋予文人的情调,而且把白画发展成“白描”,影响所及远至元明;南宋,以梁楷为代表,开创了可以视为水墨写意的减笔人物画。在内容上,重视更具现实生活气息的风俗画和具有借古鉴今甚至讽刺现实的历史故事画,如张择端《清明上河图》是举世闻名的杰作,而李唐、苏汉臣、李嵩、陈居中等人也是风俗画和历史故事画的南宋名家。

  • 武宗元:

北宋重要的宗教画家,宗法吴道子,曾在开封、洛阳等地画了大量的寺观壁画。现存传为他画的《朝元仙仗图》为一卷壁画粉本小样,描绘东华、南极帝君率众仙朝见最高神袛的行列、衣纹用圆浑磊落的莼菜条描法,仙乐一段衣袂飘舞气氛欢快,显示出吴带当风的特色。

李公麟和白描人物画

  • 白描:

在中国传统绘画中不着色彩而完全以墨笔线描塑造形象的画法被称为“白描”,由于其不施色彩,纯用墨线勾勒表现形象,风格朴素优美,从而在造型技巧上有很高的要求。白描源自于“白画”,魏晋时期多为粉本画样,经隋唐至宋,逐渐发展为独立的绘画样式。宋代文人画家李公麟发展了这一样式。

  • 李公麟:

号龙眠居士,能诗善文,绘画技巧全面而扎实,人物、鞍马、山水、花鸟、竹石等无不精通。他的人物画长于形象塑造,能画出不同地域、民族、阶层的特点,又能勇于突破陈规,别创新样。李公麟个人创作多以墨笔在纸上作画,这种不着色彩完全以墨笔线描塑造形象的方法称为“白描”,既精密严谨,注重格法技巧,又包含着文人士大夫的审美情致。传世白描作品有《五马图》《维摩诘图》,绢本设色作品以《临韦偃放牧图》为代表。

  • 《五马图》:画面描绘的是边地敬献给皇帝的五匹骏马,画作以道劲秀雅而富有表现力的线描,表现五匹毛色状貌各不相同的马,五个牵马人的民族特色也真实传神,显示了画家的深厚功力。
  • 《临韦偃放牧图》:是李公麟的摹古之作,全卷画出放牧两千多匹马的浩大场景,他的马学的是韩幹,但其用笔精炼,造型精准,具有典雅沉静的宋画风格,自成一家。画作勾勒设色,一丝不苟,可见李公麟学习古人的认真和摹古的高超水平。

梁楷和减笔人物画

  • 梁楷:

为南宋画院侍诏,性格放任不羁,擅画洗练放逸的减笔画,开启了明清写意人物画的先河。其多以佛教禅宗人物或文人雅士为题材,代表作《李白行吟图》、《泼墨仙人图》。

  • 《李白行吟图》:以飘逸洒脱的用笔,简赅地勾画出诗人高洁简傲的气质。
  • 《泼墨仙人图》:用酣畅淋漓的泼墨画法,给出仙人步履蹒跚的醉态,用简括的细笔夸张地画出带有幽默感的沉醉神情。

宋代风俗画

  • 风俗画:

是以社会生活风俗习惯为题材的人物画,题材非常广泛,市民生活的各个方面都有涉及,如货郎、墨戏、街市、耕织等。画家在深入观察的基础上,对熟悉的市民生活和精神状态进行生动具体的描绘,在一定程度上反映了普通大众的生活、思想、情感和审美时尚,代表了社会中市井百姓的精神要求和审美需要,也代表了人物画发展的新成就。

  • 张择端:

北宋后期卓越的风俗画家,擅长画建筑、车船等风俗题材。作品《清明上河图》代表了宋代风俗画发展的高度水平。

  • 《清明上河图》:该画作长528.7厘米,高24.8厘米。全卷以全景式构图,墨笔淡着色,笔法严谨精细,展现出北宋都城汴梁汴河沿岸及东角门里市区清明时节的风貌。
  1. 内容组织分为三个段落:开首为郊区农村风光,中段是以虹桥为中心的汴河及其两岸的船车运输,后段为城门内外,街道纵横,店铺栉比,车水马龙的繁华景象,再现了宋代城市社会生活的各个方面,具有高度的历史文献价值。
  2. 作者在纷繁复杂的社会生活现象中,选择既具有形象性和富有诗情画意,又具有时代社会本质特征的事物、场面和情节加以表现,如漕船、骆驼队、毛驴队都被有条有理地组织在这一宏伟的艺术整体中。
  3. 采用散点透视,长卷构图中充满戏剧性情节和引人入胜的细节描写,有铺垫、有起伏、有高潮。而船过虹桥的紧张场面安排在全卷近中央的部分,构成全卷的高潮。

总体来看,《清明上河图》画面内容异常的丰富性,高度的历史真实性,艺术表现的生动真切性,成就了《清明上河图》在中国绘画史上的典范意义。

  • 李嵩:

南宋画家,画过许多表现下层社会生活的风俗画,《货郎图》是其传世的重要作品。

  • 《货郎图》:表现货郎到农村,村童及农妇围着货郎担观看,与一般表现富贵气象的货郎不同,极富生活气息。

具有现实意义的历史故事画

宋代历史故事画,继承前代“存乎鉴戒”的作用,并以古喻今,反映当代现实问题。其中以表现褒忠贬奸及民族矛盾的题材最为流行。代表作品李唐《采薇图》表现了画家对屈辱妥协者的不满和对民族存亡的关切,而陈居中《文姬归汉图》则在选择情节和塑造形象上最为成功。


山水画


北宋初李成、范宽成就最高,中后期许道宁、翟院深、郭熙等人都不同程度受李成影响。同时出现燕文贵集山水界画于一体的“燕家景致”,以赵令穰(rang)为代表的富有诗情的小景山水米芾父子创造的表现江南烟雨迷蒙的“米点山水”,以及王希孟、赵伯驹等人以臻丽细密著称的青绿山水。 靖康之变后,宋室南渡,随着绘画中心转向南方,画家们更致力于塑造秀丽的江南山水形象,画风由北宋的雄壮浑厚转化为空灵雅秀,号称南宋四家的李唐、刘松年、马远、夏圭以清崎峻拔的形象和简括的笔墨章法开创了山水画的新天地。

北宋山水画

  • 李成:

北宋著名的山水画家,其画派承接荆浩、关仝而来,其山水画是纯出于写实,风格清劲,墨法变化微妙,以描写烟林、寒林景色著称。李成画山水多以平远视觉及平视为基础。其作画善用淡墨表现丰富的层次和虚旷的空间,以“气象萧疏,烟林清旷”的景色抒发胸襟。所画山水在北宋时期被誉为“古今第一”。传世作品以《读碑窠石图》《乔松平远图》为代表。

  • 范宽:

北宋著名山水画家,和董源、李成并称为北宋三大家。师承李成和荆浩。他所画崇山峻岭,往往以顶天立地的章法突出雄伟壮观的气势,又用碎而坚实的雨点皴画出富有质感的山石密林。成功刻画出北方关隘地区“山峦浑厚,势壮雄强”的特色,被誉为“得山之骨”、“与山传神”。代表作品《溪山行旅图》

  • 《溪山行旅图》:北宋范宽的代表作,以俊伟屹立的大山,一泄千尺的飞瀑,路边淙淙的溪水和山路上的旅队行旅,真实地刻画出北方山川的壮美,使人身临其境。范宽从当地真实的山水汲取艺术形象,对景造意、融会贯通,把山水典型化,所以其作品具有苍老沉着的笔墨,峻拔深厚的艺术形象,雄阔伟美的气格。
  • 李成和范宽继承五代北派全景式构图和雄伟画风,表现关隘、齐鲁山水。宋人评价李成与范宽是“一文一武”;认为:

李成之画,近视如千里远,范宽之笔,远望不如坐外。


  • 郭熙:

北宋画家、画学理论家。在山水画创作上,早年风格细致秀美;晚年技巧熟练、落笔亦壮、构思敏捷、重视意境,能真实而微妙地表现不同地区、季节、气候的特点,画出远近深浅、四时朝暮、风雨明晦之不同,创造出极其优美动人的意境,深受当时宫廷和文人士大夫的器重和欣赏。代表作《早春图》

  • 《早春图》:北宋郭熙的代表作,画出冬去春来、大地复苏的细致变化,画家以富有层次的墨色和圆润的卷云皴塑造了雾气升腾、阳光和煦下曲折蜿蜒的山势,既形象地表现出北方山野的初春景色,又表现了欣欣向荣的感情。
  • 《临泉高致》:是郭熙的山水画理论主张,经其子郭思整理而成。全书分为山水训、画意、画诀、画题、画格拾遗、画记六篇。其中以山水训影响较大:
  1. 认为山水画是君子游心游目之消遣,表现林泉之意,满足士大夫“泉石啸傲”的精神追求。
  2. 强调对真山真水深入观察体验,描绘“可游可居之境”
  3. 提出一系列山水画传统的观察和创作方法,如“高远”、“平远”、“深远”的三远透视法
  4. 对山水画家提出要求,即“所养扩充,所经众多,所览纯熟,所取精粹”“神于好,精于勤,饱游袄看”,才能使画“磊磊落落”
  5. 在技法上,主张须“远近深浅、风雨明晦、四时朝暮有所不同”,才能达到“山水有可行者、有可望者、有可游者、有可居者”的意境。

《临泉高致》是宋代山水画理论的代表性著作。它的出现标志着山水画理论已经进入成熟阶段。

  • 三远:山水画传统的观察方法和创作方法,即三种取景法,高远、深远、平远,分别表现的是高度、前后纵深和远近。是中国画特有的透视法。

山有三远,自山下而仰山巅谓之高远;自山前而窥山后,谓之深远;自近山而望远山谓之平远......高远之色清明,深远之色重晦,平远之色有明有晦;高远之势突兀,深远之意重叠,平远之意冲融而飘飘渺渺。

—— 郭熙《临泉高致》


  • 燕家景致:

指的是北宋画家燕文贵所开创的独特画风。燕文贵所作山水,不专师法,极富变化,独立一家规范。其画多为北方大川。破笔皴点,干擦淡染,细碎清雅,苍润秀媚,岸边水渚多画台榭相接,景致优美,人称“燕家景致“。

  • 燕文贵:

北宋画家,作画常自出机杼,落笔命意不袭古人,所画景物清润秀雅,又善于把山水与界画相结合,将巍峨壮丽的楼观阁榭穿插于溪山之间,点缀以人物活动。人称“燕家景致”。存世作品有《江山楼观图》《溪山楼观图》等。

  • 米家山水:

又称米氏云山、米点山水,其创造者为米芾、米友仁父子。二人皆以书画著名,并精于欣赏。米芾父子运用简笔淡墨,表现烟雨迷蒙的意趣,这一新画风不仅在笔墨技巧上有所贡献,也开创了文人画的新局面。

  • 米芾:

米芾诗书画不蹈前人为标榜,在山水画方面,借鉴董源,又根据自己对江南山水的亲身感受,以水墨挥洒点染表现烟雨掩映树木,信笔作画不求工细。

  • 米友仁:

画山水“点滴烟云,草草而成”,自题为“墨戏”。以墨点表现江南烟雨景色的山水,不求修饰,崇尚天真,表现了文人士大夫的审美情趣。代表作《潇湘奇观图》

  • 小景山水:

是北宋流行的山水样式,它以表现幽情美趣、水边沙岸、柳溪野趣的小景见长。多为卷册小幅,景小却富有诗意,幅小但清丽可人。其玲珑景致和清远已经深得宫廷贵族与文人骚客的欣赏。以北宋赵令穰(rang)《湖庄清夏图》为代表。

  • 宋代青绿山水:

虽不及水墨山水流行,但仍受到宫廷贵族的欣赏,画风趋于细腻典雅,造型也务求真实严谨,以王希孟以及赵伯驹赵伯骕兄弟为代表。

  • 王希孟:

王希孟生平失考,现存《千里江山图》是他18岁进呈的。

  • 《千里江山图》:该卷长1183厘米,大青绿着色,染天染水,富丽细腻。画中山川江河交流展现,丛林嘉树,庄园茅舍,舟桥楫亭,令人目不暇接。代表了画院青绿体精密不苟,严循章法的画风。
  • 赵伯驹:

山水师法李思训父子,并吸取北宋文人画家水墨山水的表现手法,形成清丽秀雅,“精工之极,又有士气”的青绿山水,颇有书卷气。有《江山秋色图》等传世。

  • 赵伯骕:

赵伯驹之弟,字希远,亦善画,多作青绿山水,风格与兄相近,有《万松金阙图》传世。

南宋山水画

  • 南宋四家:

指南宋著名的山水画家李唐刘松年马远夏圭。“靖康之变”后,随着宋室南渡,绘画中心转向南方,画风由此改变。以此四人为代表的院体山水画以清奇峭拔的形象,简括的笔墨章法和截景式构图塑造了空灵雅秀的江南山水,开创了南宋山水画新风格。

  • 李唐:

山水画严谨质朴,气象雄伟,犹存北宋风范。造型笔墨趋于简括,开创南宋山水新画风,传世作品《万壑松风图》《清溪渔隐图》

  • 《万壑松风图》:采用中景,注重景物的剪裁,把观者引入清幽静谧的境界。
  • 《清溪渔隐图》:画出岸旁浓密的林荫和板桥水磨,河滨船上有人垂钓,这种“渔樵隐逸所常适也”是当时山水画常表现的情趣,但此幅以截景的章法、恣意的大斧劈皴画出坡石,浓浓的水墨染出远近空间和林荫光影,表现了盛夏水滨的清爽安适,具有鲜明的形象和诗的意境,体现了李唐晚年对山水画技法的新创造。
  • 刘松年:

山水皴法受李唐影响,但变雄健为典雅,画风严谨不苟,青绿水墨兼工,又精于界画,作品中山水和人物常占有同等地位,擅画西湖风景。贵族庭园及文人雅士生活,现存《四景山水图》

  • 《四景山水图》:描绘西湖别墅的四季风光,点缀有游春访友、荷塘纳凉、清秋闲坐、踏雪寻幽等活动。
  • 马远:

马家世代以图画为业,先祖号称“佛像马家”,马远艺术上克乘家学而超过前辈,他继承和发展了李唐的画风,以雄健的大斧劈皴画奇峭坚实的山石峰峦,在章法上多采用“边角之景”,给人以玩味不尽的意趣。代表作《踏歌图》

  • 《踏歌图》:是马远的大幅山水代表作,描绘了峭拔山峰下田垄上四位老农踏歌欢庆丰年的景象。高山与近景用云气隔开以拉大空间,老农形象朴实生动具有幽默感,带有风俗画的因素,总体上来说,这幅画在具体处理上已经融入了边角之景的法则,所以并不以雄伟见长,而是以清新取胜,灵动轻盈,绝无北宋山水画迫人心肺的压倒性气势。
  • 夏圭:

主要精于山水,用笔苍老,水墨淋漓,点景人物笔简神全。夏圭还善画巨幅长卷,代表作《溪山清远图》

  • 《溪山清远图》:长889cm,画秀美清丽的江浙一带景色,山川纵横,疏密开合,景物变化丰富而又简约,毫无繁冗之感。
  • 马一角,夏半边:

南宋画家马远、夏圭由于大胆剪裁,突破全景式而画边角之景,因而被称为“马一角,夏半边”。这种“边角之景”描绘山之一角、水之一涯的局部,画面大量留白来突出景观,表现空閈(bi)的空间及浓郁的诗意。马、夏的边角之景是对传统山水画的发展和丰高。

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